Adios muchachos
DIRECTOR: Malle, Louis
PAIS: Francia
AÑO: 1987
DURACION: 100 min
INTERPRETES: Gaspar Manesse, Raphael Feito, Francie Raceite
Regresa Louis Malle a Francia, después de una década, para filmar un proyecto que hacía tiempo pretendía, cuyo tema había sido la causa de su exilio. Y ningún sitio como su propio país para reivindicarlo.
En la línea de “Lacombe Lucien”, el film “Adiós muchachos” se localiza en plena guerra mundial, y en medio de una Francia dividida, territorial e ideológicamente.
Con ciertos tintes autobiográficos, Malle desarrolla su historia, sin salir de un internado católico, durante la ocupación nazi.
El descubrimiento por parte de un niño, hijo de familia acomodada, de la existencia clandestina de compañeros suyos judíos en el colegio, hará imponerse el sentido de la amistad y la lealtad, a las extrañas e incomprensibles persecuciones antisemitas.
La naturalidad con la que durante toda su obra ha tratado Louis Malle los temas más escabrosos, parece aquí querer aclarar, que no deja de ser la natural visión infantil, limpia y exenta de prejuicios (con una clara referencia a “Un soplo en el corazón” en la relación materno filial). Tampoco aquí emite ningún juicio de valor sobre nadie, no hay ni buenos ni malos, sólo el azar,… o las circunstancias.
Los problemas con los judíos, la camaradería de los muchachos o el incauto colaboracionismo de los menos privilegiados, junto con la posición de la iglesia, valiente y firme en su postura humanitaria (que nos recuerda a ciertos sectores del tardo franquismo en España), confirma una actitud, quizás no tan directamente provocadora como en otras ocasiones, pero tan sólida como para redondear definitivamente la obra del polémico director.
Ascensor para el cadalso
DIRECTOR: Malle, Louis
PAIS: Francia
AÑO: 1957
DURACION: 92 min
INTERPRETES: Maurice Ronet, Jeanne Moreau, Lino Ventura
A finales de los cincuenta, una nueva hornada de jóvenes cineastas franceses comienza a imponer una nueva concepción del cine, alejándose, ya no solo del producto simplemente comercial, sino también renegando de un cine caduco, mal llamado de “calidad”.
Apoyados en el naturalismo del cine italiano de posguerra y reivindicando ciertos clásicos de Hollywood, surgirá un movimiento de sana espontaneidad, que acabará forjando la que se conocerá como “nouvelle vague”.
Louis Malle, forjado en trabajos documentalistas, nunca pretendió encuadrarse en el renombrado grupo, aunque si se puede calificar su obra, además de precursora, como paralela a la de sus compatriotas Truffaut, Chabrol, Godard, etc.
“Ascensor para el cadalso”, nos cuenta los amores adúlteros de Julien (Maurice Ronet) y Florence (Jeanne Moreau), que deciden asesinar al marido de ésta. El azar hitchconiano aparecerá para truncar, a través de un impersonal ascensor, el feliz desenlace, implicando de paso, –en una historia paralela–, a una joven pareja, y separando definidamente a los impetuosos amantes, en un laberinto de situaciones kafkianas.
En su primer trabajo en solitario, Malle, parece no querer complicarse con las temáticas escabrosas que jalonarán su obra posterior. El film, se podría calificar como “cine negro”, con un reconocimiento implícito a un género americano por excelencia. También se reconoce a lo largo del metraje un genuino suspense que hubiera firmado el propio Hitchcock. Aunque ni los maestros del thriler, ni el mago del suspense, hubieran retratado la historia con la naturalidad y la cotidianeidad que serán habituales en el nuevo cine francés, y que de hecho, le conferirán su peculiar personalidad.
Una ambientación perfecta, basada en una excelente fotografía en blanco y negro, retrata un París de noche impecablemente. Completada con el apoyo de Miles Davis improvisando sobre las imágenes ya montadas, serán motivo suficiente para calificar al film como un trabajo más que notable.
Atlantic City
DIRECTOR: Malle, Louis
PAIS: Francia/USA
AÑO: 1980
DURACION: 100 min
INTERPRETES: Burt Lancaster, Susan Sarandon, M. Piccoli
De su estancia en Estados Unidos, sin duda, la película más lograda, al menos comercialmente, fue “Atlantic City”, premiada y reconocida en numerosos certámenes.
A su vez, y quizás por esto, sea su obra menos polémica, abandonando los temas más escabrosos, para entrar en una historia de subsistencia, con tráfico de drogas de por medio. Paradójicamente, asunto mejor asimilado por la sociedad que sus pedofilias, incestos etc.
La película refleja una ciudad en pleno ocaso, como reflejo de un estilo de vida occidental. Una decadencia sobrevenida curiosamente tras la legalización y normalización de actividades antes clandestinas, que propiciaban una vida marginal prospera (Atlantic City ha sido la meca en la costa Este del juego, y todo el trasgresor mundillo que mueve a su alrededor).
Paralela a la visión general de la decadencia en sí misma, Malle personaliza su tesis en una pareja, Lou (Burt Lancaster) y Sally (Susan Sarandon), que acompañan en su soledad, su frustración y su desencanto a la propia vida ciudadana.
Lou un gangster envejecido y que malvive de pequeñas apuestas clandestinas y Sally una joven provinciana, de momento simple camarera, que sueña con mejorar su vida como crupier en la actividad de los organizados y legalizados casinos.
Un casual asunto de drogas, hará coincidir a ambos protagonistas, no tardando en surgir un limpio amor de Lou hacia Sally.
Lo imposible es imposible, pero el dinero de la denostada droga, aliviará y esclarecerá el futuro de ambos solitarios.
Desaparecido
DIRECTOR: Gavras, Costa
PAIS: Francia/USA
AÑO: 1982
DURACION: 117 min
INTERPRETES: Jack Lemmon, Sissy Spacek
Fiel a sus objetivos, más políticos que cinematográficos, Costa Gavras, alcanza con “Desaparecidos” una madurez quizás poco esperada por su trayectoria excesivamente histriónica y subjetiva.
En este film, el director griego, recurre a la producción norteamericana, sobretodo al inconmensurable trabajo de Jack Lemmon, para realizar la que, sin duda, será su mejor obra, (que, incluso, se verá reconocida con la concesión de un Oscar).
Sin desviarse ni un ápice de su discurso de izquierdas y anti-imperialista, Costa Gavras sitúa la historia en los días de 1973 en los que el general Pinochet –apoyado y asesorado por los EEUU–, consuma el golpe de estado que derrocó y asesinó al gobierno del presidente electo Salvador Allende.
La barbarie del hecho histórico, es relatada de forma indirecta, a través de la desaparición e inmediata ejecución por los militares golpistas, de un joven escritor estadounidense, sospechoso de “saber demasiado”, ejecución aprobada y consentida por las autoridades americanas en Chile.
La desesperada búsqueda por parte de su padre, desplazado, en principio a regañadientes, desde sus cómodos Estados Unidos, parece ir encaminada a concienciar la postura del americano medio, engañado y manipulado por la información interna de sus medios de comunicación (o de propaganda).
La actitud arrogante, segura y prepotente del ciudadano estadounidense en cualquier parte del mundo, confiado en el respaldo de su omnipotente gobierno, se irá tornando en angustia y decepción, al comprobar personalmente la diferencia de la política practicada en el exterior, y las manipuladas informaciones difundidas en su propio país.
El fuego fatuo
DIRECTOR: Malle, Louis
PAIS: Francia
AÑO: 1963
DURACION: 110 min
INTERPRETES: Maurice Ronet, Jeanne Moreau, Alexandra Stewart
Dejando a un lado su primer largometraje “Ascensor para el cadalso”, que podríamos considerar como un personal film de género, Malle se empieza a hacer reconocible en su segunda obra “Los amantes”, en la que su forma de abordar la pasión sexual le acarrearía una cierta fama de director controvertido.
En su tercer film “Fuego fatuo”, el director francés vuelve a abordar un tema espinoso: el suicidio.
Basado en la novela autobiográfica de La Rochelle, Malle completa el guión aportando sus propias experiencias, en una época que la falta de perspectiva vital lo había hecho caer en un carrusel de nocturnidad y alcohol.
La historia es sencilla, Alain un burgués parisino, está internado en una clínica de desintoxicación.
Aunque suponemos que el tratamiento físico está dando buenos resultados, el factor desencadenante del alcoholismo sigue intacto en la mente del protagonista.
El razonamiento del film, no es tanto la desesperación de una situación conflictiva o un caso de depresión médica; de lo que Alain carece, es simplemente de motivos para seguir subsistiendo, es el vacío fuera del contacto humano sincero, sin las edulcoradas hipocresías de una refinada educación.
Alain, en su mundo acomodado, nunca ha tenido problemas para relacionarse promiscuamente, carece de preocupaciones materiales, y ni siquiera ha sido victima de frustraciones sentimentales. Pero no encuentra una razón para vivir. Quizás lo que busca es sencillamente el utópico amor.
El fatal desenlace se nos ofrece como una liberación del vacío existencial al que parecen abocados unos individuos, bien situados social y materialmente, pero que carecen del afecto y la cercanía del ser humano.
El relojero de San Paul
DIRECTOR: Tavernier, Bertrand
PAIS: Francia
AÑO: 1974
DURACION: 100 min
INTERPRETES: Phillippe Noiret, Jean Rochefort
Continuando el camino implantado en el cine francés por los veteranos de la “nouvelle vague”, el excrítico Bertrand Tavernier, se estrena con “El relojero de Saint Paul”, obteniendo un excelente recibimiento de crítica y público.
El film nos sitúa en la vida cotidiana de un relojero cincuentón en la ciudad de Lyón. Abandonado por su mujer, ha consagrado su vida a educar a su único hijo, ahora en los difíciles años juveniles.
Actualmente, ya viudo, lleva una vida social apacible junto con sus amigos y, en apariencia, con una buena convivencia con su heredero.
Pero un desafortunado hecho, un asesinato por parte del joven, revelará la realidad de una total incomunicación entre ambos, tratada de ignorar a toda costa. La ruptura de la tranquila, aunque engañosa, vida del relojero, le hará alinearse con la postura de su hijo, hasta sus últimas consecuencias.
La extraordinaria interpretación de Philipe Noiret, da vida a la soledad y la frustración, personificada en la incomunicación padre-hijo, y en el reencuentro incondicional para el que han tenido que llegar a las más terribles circunstancias.
El film nos comunica algo más que las diferencias generacionales clásicas; algo más que unas legítimas reivindicaciones sociales o políticas; es el dolor de perder algo, alguien, al que se ha consagrado una precaria y destrozada existencia.
Estado de Sitio
DIRECTOR: Gavras, Costa
PAIS: Francia
AÑO: 1972
DURACION: 115 min
INTERPRETES: Yves Montand, Renato Salvatori, Jacques Weber
Como toda la filmografía de Costa Gavras, el film “Estado de Sitio” se basa en la narración, en este caso casi en tiempo real, de acontecimientos políticos protagonizados por gobiernos o facciones de ultra derecha, y cuyos perjudicados serán siempre sus oponentes.
Aquí, se traslada a Uruguay, donde los grupos en la clandestinidad denominados popularmente como Tupamaros, en 1971 procedieron a efectuar varios secuestros de personajes extranjeros en el país, con la intención de forzar la dimisión y el cambio de gobierno.
En este caso, la operación es abortada y los guerrilleros, sumidos en la espiral de la violencia, se ven abocados a asesinar a uno de los rehenes, un asesor profesional de los Estados Unidos, especialista en formar a las policías del mundo en la represión y tortura de personas disidentes de los regimenes apoyados por su país..
Como siempre el estilo propagandístico –panfletario– del director greco francés, perfecto en la consecución de sus propósitos: la denuncia de regimenes dictatoriales, apología de la izquierda, o denuncia de la violencia como sustituta de la política.
Pero en este caso, al margen de los detractores o defensores del estilo absolutamente directo, el hecho de que los amparados por la bendición del relato sea un grupo terrorista, que históricamente acabó con múltiples crímenes en su cuenta, –uno de ellos el relatado en esta película–, hace recapacitar sobre la validez del discurso.
En todo caso, como documento histórico esta falto de objetividad, y como propaganda política, su carácter puramente coyuntural lo invalidan con el paso del tiempo.
Hiroshima mon amour
DIRECTOR: Resnais, Alain
PAIS: Francia
AÑO: 1959
DURACION: 91 min
INTERPRETES: Emmanuelle Riva, Eiji Okada
A medio camino entre el documental de denuncia, del que Alain Resnais es experto, y el cine de autor, “Hiroshima mon amour” resultará ser uno de los filmes capitales para la consolidación del nuevo cine francés en el mundo del celuloide.
La película, comienza a modo de documento, sobre los horrores que produjo el ataque aliado a la ciudad de Hiroshima. El recuerdo de lo sucedido, es relatado por una actriz francesa, que se encuentra en la ciudad rodando a su vez un film de denuncia sobre el tristemente famoso bombardeo (cine dentro del cine).
Una esporádica relación de amor entre la actriz europea y un hombre japonés, hará de catalizador, para que la mujer, confiese su historia, revelando y liberándose de un pasado que amenazó con arruinar su vida. Ni más, ni menos que un apasionado amor con un soldado alemán, durante la ocupación nazi de su país. Pecado, que le hicieron pagar con ensañamiento sus paisanos, al término de la contienda.
Los horrores personales de la joven en Francia tras la liberación, –que no perdonó lo evidente, aunque se apresuró a ocultar la actitud pasiva y consentida de una mayoría del pueblo–, cobrarán un paralelismo con los horrores colectivos en Japón, lo que reforzará, en contraste con el apasionado romance oriente-occidente, la denuncia inteligente y demoledora, de las guerras, cualquiera que sea el lugar o el bando que analicemos.
La Encajera
DIRECTOR: Goretta, Claude
PAIS: Francia
AÑO: 1976
DURACION: 110 min
INTERPRETES: Isabelle Hupper, Yves Beneyton, Florence Giorgett
A modo de positiva secuela, surge un nuevo cine suizo, que seguirá los pasos emprendidos por el vecino cine francés de los sesenta. Un realismo social y politizado, nos muestra la imagen critica de una sociedad que estaba comenzando a digerir la pírrica revolución de la “divine gouche”, colocando a cada cual en su sitio, al margen de modas y tendencias seudo filosóficas y culturales.
Claude Goretta, con “La encajera”, refleja este mundo absolutamente teórico, que proponía la igualdad, pero que en definitiva estaba siendo incapaz de, ni siquiera, ponerla en marcha.
El film, en una primera parte, desgrana deliciosamente, la apacible y cándida vida de Beatriz, una joven trabajadora, sin estudios, cuyo único fin que se ha planteado es vivir una vida modesta, entregada al amor que le reclama su incipiente juventud.
Ya desde el comienzo del film, el contrapunto de su compañera, mayor que ella, escéptica y desengañada en sus relaciones masculinas, nos adelanta un pesimista futuro para la inocencia de la adolescente.
Pero el giro político, vendrá en la segunda parte. Beatriz se enamora, y es correspondida, de un joven estudiante y militante comunista. Paradójicamente, como en tantos casos, hijo de una acomodada familia.
En el idílico romance inicial, irán apareciendo las diferencias. Diferencias aceptadas serenamente por la joven, pero enfrentadas a la intolerancia del “progresista revolucionario”, que no acepta la sencillez de los sentimientos, sin el tamiz intelectual que impone la nueva burguesía cultural.
Como algo habitual, él propondrá romper la relación, “como el patrono despide al empleado que no le satisface”, le reprochará un colega de militancia.
La reacción de la muchacha, por el contrario, atañerá a sus profundos sentimientos. Los ideales de amor sincero, se han ido a pique. La depresión hará que Beatriz sea internada en un sanatorio, donde, retirada de un mundo que no reconoce almas sencillas, y en un proceso de introversión, se alejará de una sociedad decepcionante, culminando en una conmovedora mirada de reproche, Demasiada diferencia entre la teoría progresista de la universidad y la realidad cotidiana de la fábrica.
La guerra ha terminado
DIRECTOR: Resnais, Alain
PAIS: Francia
AÑO: 1965
DURACION: 120 min
INTERPRETES: Ives Montand, Ingrid Thulin, Genevieve Bujold
En plena eclosión política de los años sesenta, Resnais, rueda la novela de Jorge Sempún, por entonces dirigente del Partido Comunista de España en el exilio.
El film, como no puede ser de otra forma, es un testimonio de la actividad antifranquista dentro y fuera del país.
En forma de thriller, Resnais narra las actividades de Diego, o Carlos o el hombre de los mil nombres, entrando y saliendo de una España perseguida, y conectando las actividades interiores con las consignas del exterior.
La postura inmovilista de la cúpula del partido, contrastará con el dinamismo y la independencia de las nuevas generaciones. En medio Diego o Carlos o Domingo, y sus dudas sobre la eficacia de unas directrices emanadas de la teoría, a más de mil kilómetros del verdadero problema.
Curiosamente una historia escrita por Jorge Semprún, que se parece mucho al discurrir político de un tal Jorge Semprún, expulsado del partido por discrepancias con sus dirigentes, y que acabaría posteriormente como ministro del Partido Socialista en la España democrática.
