27 Horas
DIRECTOR: Armendariz, Moncho
PAIS: España
AÑO: 1986
DURACION: 80 min
INTERPRETES: Martxelo Rubio, Maribel Verdu, Jon Donosti
El segundo trabajo de Montxo Armendariz, “27 horas” después de su acertada ópera prima “Tasio”, se basa también en el reflejo de una realidad social que recoge el entorno y el lugar al que él mismo pertenece.
En este caso, la trama se desarrolla en tiempo presente, y describe de una forma cercana al documental,la problemática de las drogas en la juventud de los ochenta. Un problema que se hizo especialmente duro en aquel momento en el país vasco.
Así pues la película se desarrolla en un mágicamente fotografiado San Sebastián. En el que el ambiente peculiar de la ciudad cántabra es captado en todo su oscuro y lluvioso esplendor.
La trama, vuelve a ser sencilla, la historia de unos jóvenes que cambian el instituto por el mundo de la heroína. Un tema mil veces repetido y mil veces olvidado. Aquí la virtud de Armendáriz, consiste quizás en no denunciar nada, simplemente exponer en la persona de chicos normales de familias medias, la ruina de unas vidas que acaban de empezar.
Los comienzos del director como documentalista, hacen que buena parte de sus filmes, nos transporten sin dificultad al lugar de los hechos, y nos introduzcan en la persona de los protagonistas, haciendo con su lenguaje directo y sencillo, sin subrayados efectistas, el principal aliciente para hacernos participar de su discurso.
A un dios desconocido
DIRECTOR: Chavarri, Jaime
PAIS: España
AÑO: 1977
DURACION: 105 min
INTERPRETES: Hector Alterio, Javier Elorriaga, M. Rosa Salgado
Encuadrado entre los realizadores del nuevo cine español, provenientes de la crítica, y con un claro componente reivindicativo, Jaime Chavarri acomete en “A un dios desconocido” el tema tabú hasta el momento de la homosexualidad.
A modo de reconocimiento de la figura de Federico García Lorca, la película comienza con un prologo en Granada, en la infancia del protagonista a comienzos de la guerra civil, periodo en el que entre los numerosos asesinatos estarían los del padre del niño, y como no, el del poeta andaluz.
Tras este evocador flash back, la acción se traslada al Madrid contemporáneo, para mostrar con una naturalidad impactante la relación sentimental de dos hombres adultos, su idiosincrasia, sus sentimientos… El film, trata, y lo consigue, exponer como absolutamente normal, lo que hasta ese momento, era considerado, incluso un delito.
La magnífica interpretación de Héctor Alterio dando credibilidad a un magnífico guión, o la evocación de Walt Whitman en un brillante recitado de un fragmento de “Poeta en Nueva York”, en un ambiente de absoluta naturalidad, hacen del film una obra imprescindible en su momento, y una de las películas más conseguidas de su director.
Amanece que no es poco
DIRECTOR: Cuerda, Jose Luis
PAIS: España
AÑO: 1988
DURACION: 95 min
INTERPRETES: Antonio Resines, Cassen, Luis Ciges, Aurora Bautista
Apoyado en éxito de público y crítica de su adaptación de “El bosque animado”, José Luis Cuerda vuelve con la inspiración renovada a la que será posiblemente su obra más personal y acertada, “Amanece que no es poco”.
Llevando al extremo el humor absurdo en que se basara para su anterior producción, el director manchego, elabora un guión propio entre el surrealismo de Buñuel y la sátira de Quevedo, que pondrá en solfa todo un reparto de costumbres ancestrales, enfrentadas a demagógicas renovaciones políticopastorales, basándose en acertados gags del más puro absurdo “marxista”.
La película se sitúa en la España rural, en un pueblecito anónimo en el que sus habitantes, entre alucinantes desvaríos del autor, encarnarán las situaciones cotidianas desde la óptica del humor del esperpento, que cuestiona todo un cambio político y de modernización social vendido a bombo y platillo, desde la capital por las nuevas instituciones democráticas.
El film sorprendió por su frescura y su desparpajo, llegando a constituirse en un film de culto en su momento. Visto con una mayor perspectiva, la serie de continuos y acertados desvaríos, combinados con cínicas críticas, conforman una buena parte del film perfecta, pero que, a la postre, resulta algo extensa y repetitiva. A pesar de su indudable genialidad, quizás un guión más hilvanado, hubiera dotado al film de una continuidad como para calificarlo de redondo.
Ana y los lobos
DIRECTOR: Saura, Carlos
PAIS: España
AÑO: 1972
DURACION: 95 min
INTERPRETES: G. Chaplin, F. Fernan Gomez, R. Aparicio
Tras la velada alusión política al Régimen franquista en su anterior trabajo “El jardín de las delicias”, los problemas con la censura que atraviesa el tandem Querejeta-Saura, hacen que el filme “Ana y los lobos” sea retrasado una y otra vez, hasta que los cuidadores de la moral nacional-católica deciden que resultará más gravosa para la imagen exterior del Sistema su prohibición que su consentimiento, y que dado el fuerte carácter alegórico y simbólico de su contenido, en el mercado interior, su comprensión sería escasa y no convencería de nada, a nadie que no estuviera ya convencido.
Bajo estas premisas, “Ana y los lobos”, como queda dicho, en un lenguaje absolutamente metafórico, desarrolla la historia de una institutriz extranjera que es contratada por una extraña familia, compuesta por una madre mayor y enferma, tres hijos de ésta y sus respectivas nietas. Pronto, el encanto de la joven irá cautivando a cada uno de los hermanos, ante la oposición cerrada y conservadora de la anciana madre.
La historia en sí, poco o nada tendría de atractivo, sino fuera por la directa y corrosiva alusión que se deja entrever en cada uno de los personajes, como estereotipos de la sociedad franquista.
Así, la casa aislada y abandonada, alude a la marginación internacional que la España del General había sufrido sistemáticamente. La madre, que representa el poder absoluto, está completamente senil.
Uno de los hijos, casado y padre de las niñas, en representación de la burguesía apoyada desde el poder, resulta ser un definitivo obseso sexual; el otro, militar frustrado, autoritario y coleccionista de objetos militares, no elude disparar “valientemente” contra una paloma de juguete si la ocasión lo requiere; y el tercero, de un misticismo medieval, alucina enfermizamente en una vulgar covacha del propio jardín, a modo de santífico anacoreta.
En un final en el que cada uno de ellos comprende su impotencia para llegar a la altura de la institutriz (extranjera), acabarán vejándola, violándola y asesinándola con la absoluta complacencia de la decrépita madre.
Quizás no sea esta la película más importante de Carlos Saura, y quizás no lo sea por lo coyuntural de su temática, que en algunos círculos se le pudo llegar a calificar de “panfleto”, pero, y aún estando de acuerdo, hay que decir a su favor, que representa una postura valiente y abiertamente contestataria, que expone, quizás mejor que en ninguna otra obra suya, su posición política dentro (y digo dentro) de un país en el que la represión y la censura se convertía en el principal obstáculo para cualquier libre manifestación artística, intelectual, o cultural.
No obstante, y partiendo de que posiblemente no era éste su propósito, sacando del contexto político a estos estereotipados personajes, habría que recapacitar si pudieran responder genéricamente, al carácter español que históricamente nos han descrito los Quevedo, Gracián, Goya, etc. y que únicamente sale a la luz, o al menos resulta más evidente y patético apoyado en situaciones políticamente totalitarias.
Así en el cielo como en la tierra
DIRECTOR: Cuerda, Jose Luis
PAIS: España
AÑO: 1994
DURACION: 100 min
INTERPRETES: F. Rabal, F. Fenen Gomez, J. Bonilla
José Luis Cuerda, parece retomar el lenguaje descarado del humor absurdo, que tan buenos resultados le diera en “Amanece que no es poco”. Aquí en “Así en la tierra como en el cielo”, arremete con las arraigadas creencias religiosas de su peculiar país.
El film se basa en la escenificación de una versión muy original del Apocalipsis de San Juan, vista desde la perspectiva del singular director. Dentro de un humor absurdo y desmitificador, rayando la irreverencia, nos ofrece en clave de comedia las dificultades de un Cielo venido a menos, para poner en marcha el fin del mundo con el Apocalipsis al pie de la letra como libro de instrucciones, precisamente en un mundo que ha dejado de creerlo.
Película que en su forma sigue fielmente el “Amanece que no es poco”, con su peculiar puesta en escena, cínica y descabellada, que conforman un film sin excesivas pretensiones pero de muy entretenida visión.
Ay!, Carmela!
DIRECTOR: Saura, Carlos
PAIS: España
AÑO: 1990
DURACION: 98 min
INTERPRETES: Carmen Maura, Andrés Pajares, Gabino Diego
Despues de una década de trabajos entre mediocres y extraviados, tras perder poco a poco el contacto profesional con el equipo que configuró una autentica referencia en el cine español; nos sorprende Saura volviendo ¿por última vez? a su tema obsesivo de la guerra civil. En éste caso ya casi como asignatura pendiente, hablando directamente, sin dobles lecturas que confundan y comprometan a los censores, y colocando la acción por primera vez en el mismo frente.
Carmela y Paulino artistas de variedades destinados a entretener y animar a las tropas en el frente republicano, se pierden una noche de niebla en la carretera, apareciendo accidentalmente en el lado nacional, donde son obligados a representar una grosera comedia ridiculizando a la República. En el transcurso de la farsa van apareciendo los verdaderos sentimientos de cada uno de los personajes; eso sí, sin perder la oportunidad de volver a dejar clara la postura del director sobre este tema.
El resultado de ésta forma de narración directa, que ya utilizó en “Deprisa, deprisa”, es una película directamente dirigida a la emotividad, con una ironía explosiva que contrasta con la gravedad de sus filmes anteriores. Una película en la que parece despacharse a gusto de tantos años de hablar a media lengua.
Canción de cuna
DIRECTOR: Garci, Jose Luis
PAIS: España
AÑO: 1994
DURACION: 95 min
INTERPRETES: A. Landa, A. Larrañaga, M. Verdu, C. Gomez
El flamante ganador del primer oscar para el cine español (el de Buñuel era francés), divaga más de una década buscando un estilo satisfactorio en lo personal, una vez abandonada, por obsoleta, aquella “tercera vía”, o sus acercamientos tributarios al cine clásico de Hollywood.
La línea que seguirá en sus próximos trabajos, lo acercarán al melodrama clásico, y a la literatura española de entre siglos. Línea que acabará definiendo la carrera de José Luis Garci, como uno de los más consolidados profesionales del cine nacional. Si la genialidad nunca fue el punto fuerte del director madrileño, su oficio, su dominio del guión, el conocimiento de los clásicos, y su buen gusto por el cine, suplirán sus carencias vanguardísticas.
Para el primer trabajo de esta nueva etapa, adapta la obra dramática de principio de siglo de Gregorio Martínez Sierra, o más bien de su “tapada” esposa María Lejarreta, activa feminista desde las filas del Partido Socialista, pero oculta su obra tras la firma de su marido.
La obra, enteramente ubicada en un convento de monjas de clausura, revela el lado humano de las voluntarias reclusas, al recibir la realidad exterior en forma de bebe abandonado, lo que despierta los sentimientos de mujer, absurdamente reprimidos a favor de unos dogmas fundamentalistas e irracionales. En un planteamiento completamente conciliador y respetuoso, el contrapunto del médico del pueblo, único seglar autorizado a entrar en el convento, refuerza una sinrazón fuertemente arraigada en la cultura católica.
Conocida ya la postura política de la autora, quedará pues en manos del espectador, una posible interpretación más reivindicativa de la obra.
Pero posicionamientos al margen, la película que ofrece Garci, se decanta por una primacía hacia el cine, con un guión brillante, una puesta en escena algo artificiosa, en cuanto a la fotografía, y una dirección de actores en su justa medida, logra un melodrama sumamente entretenido, dentro de los más exigentes cánones del género.
Canciones para después de una guerra
DIRECTOR: Martin Patino, Basilio
PAIS: España
AÑO: 1971
DURACION: 99 min
INTERPRETES: Documental
A pesar de su decisiva militancia dentro del círculo de cine renovador de los años cincuenta, además de su aportación en la organización de las famosa conversaciones de Salamanca (su ciudad natal), y de la excelente acogida de su primer largometraje “Nueve cartas a Berta”, la filmografía de Basilio Martín Patino, ha sido escasa y de poca difusión. En parte, por la opción del propio director de permanecer en la sombra, acosado personalmente por la fuerte censura del anterior régimen.
En 1971 realiza su film documental “Canciones para después de una guerra”, en el que, a partir de retazos de filmaciones periodísticas , fotografías, recortes de prensa, y escenas de filmes de la época, ensambla el armazón visual para documentar cuarenta y cinco canciones, que sirvieron, –desde el final de la contienda hasta la apertura política de mediados de los cincuenta–, como estandarte de una generación enterrada en un país aislado, arruinado, pero con un ridículo y manipulado sentido del honor.
Desde la música puramente propagandística del movimiento (“Cara el Sol”, “Montañas nevadas”), hasta canciones evasivas de puro adocenamiento, cuado no de puro escapismo y ocultación de los acontecimientos “innombrables” (Tiro liro, Mi vaca lechera). Sin olvidar, quizás el más autóctono de los estilos, la copla, utilizada y desnaturalizada por los servicios de propaganda, hasta convertirla en la “canción española” al servicio del partido único.
Los interpretes fieles a la picardía, los dobles sentidos y la ironía originales, acabaron en le forzado exilio (Miguel de Molina, Angelillo), sustituidos por elementos sumisos que no dudarían en aceptar la vulgarización y saturación hasta el hastío de la “andaluzada”, a cambio de un éxito, raquítico en lo artístico, pero suficientemente lucrativo (Imperio Argentina, Lola Flores).
Anecdóticamente, resaltar que la película, por decisión de su director, ni se intentó proyectar durante la dictadura, lo que la hizo esperar hasta 1976, fecha de su estreno.
Carmen
DIRECTOR: Saura, Carlos
PAIS: España
AÑO: 1983
DURACION: 102 min
INTERPRETES: Antonio Gades, Laura del Sol
Nos sorprende de nuevo Saura en su búsqueda continua de nuevas alternativas al cine político-intelectual de la década anterior, se propone ahora, en base a una trilogía de películas musicales (que más tarde ampliará continuamente), profundizar en la música y el folklore español que tan denostado ha llegado a estar por su utilización oportunista y comercial, y del cual se declarará un ferviente admirador.
Retomando el mito de la novela de Merimée, pretende refutar la blandengue y tópica opera de Bizet, haciendo una versión bailada por Antonio Gades y reforzada en lo musical por Paco de Lucia.
El resultado es una obra original, llena de fuerza, en la que Saura vuelve a utilizar magistralmente sus recursos de desdoblamientos y espejos, repitiéndose y confundiéndose la historia representada con la historia presente de los representadores, todo ello en el sobrio e intimista decorado de una sala de ensayo.
Primera de una serie de trabajos sobre el flamenco que, aunque basados y soportados por el gran oficio de su director, vienen a confirmar la falta de rumbo definido en una obra sobrada de calidad, pero a la que se le echa en falta una continuidad en sus objetivos.
Cria Cuervos
DIRECTOR: Saura, Carlos
PAIS: España
AÑO: 1975
DURACION: 97 min
INTERPRETES: Ana Torrent, G. Chaplin, M Randal, F. Chico
Junto con el rodaje de este filme, se van ha producir en España y en la vida de Carlos Saura una cadena de acontecimientos que harán de “Cría cuervos” el punto de inflexión más importante en la obra de este director.
De una parte la muerte del Caudillo unos meses después de su terminación, hizo que se convirtiera involuntariamente en una de las primeras manifestaciones del transito hacia el posfranquismo, ya que, casualmente, el argumento trata de un militar que muere dejando tras de sí una sucesión de polémicas controversias.
De otra parte, en un plano más personal, se producen las primeras de una serie de rupturas personales y profesionales, que comienzan con la definitiva separación del guionista Rafael Azcona y continúan con la forzada sustitución de su habitual director de fotografía Luís Cuadrado, debido a la desgraciada ceguera de éste.
En el polémico filme se recogen los recuerdos de Ana, ya adulta, que rememora lo que fue su infancia en un verano a los ocho años, y que en una acertada paradoja, ese pasado se desarrolla en la época real de la película, esto es, el determinante 1975.
El argumento se centra en la visión subjetiva que la niña hace de su entorno, y que a su corta edad, en compañía de sus dos hermanas de parecidas edades, ha tenido que vivir la penosa y prematura muerte de su madre, y ahora, accidentalmente, la del padre, y precisamente en la cama con su amante.
Mezclando, en su ya habitual estilo, realidad, recuerdos y ensoñaciones, podemos ir deduciendo la opinión de la niña hacia un padre, militar de profesión, de talante autoritario y que en su desprecio hacia la familia había arruinado la vida de su esposa y se había granjeado la repulsa de sus hijas, conocedoras y testigos, forzosamente mudos, de toda la farsa que representaba aquel matrimonio socialmente convencional.
Para completar el panorama, se hará cargo de las huérfanas la tía, de moral hipócrita y fingida, tan autoritaria como el padre y que contrasta radicalmente con la sencillez y sinceridad de la criada y “ama”, con la que las niñas sí se entienden con evidente naturalidad. El final del filme coincide con el de aquel agitado verano y las niñas salen por fin del claustrofóbico ambiente de la casa familiar para dirigirse, en un nuevo comienzo de curso, al colegio, perfectamente uniformadas y en el que les esperan las monjas que completarán su educación siguiendo los principios de la moral católica; si dios no lo remedia.
Resulta especialmente estremecedor el personaje de Ana, en el que no da ninguna muestra de rebeldía externa, es una niña quieta, de apariencia dócil, pero con ella se tiene la certidumbre de encontrarse ante el abismo de un testigo de cargo implacable.
El paralelismo entre el militar del filme y el Jefe del Estado, la denuncia de la sociedad corrupta y falsa impulsada desde la doble moral del moribundo Régimen, visto desde los ojos imparciales de unos niños, tratados con el mismo rango que los adultos, sin falsas infantilizaciones, produciría un efecto demoledor para los defensores del continuismo político. Por supuesto, estreno solamente consentido, forzosamente, por la repercusión y el prestigio internacional del director aragonés.
