Angel Lapresta: Un cine del siglo XX

DIRECTOR: Kubrick, Stanley
PAIS: USA
AÑO: 1968
DURACION: 140 min
INTERPRETES: Keir Dullera, Gary Lokwood, W. Sylverter, D. Rich

En plena eclosión del “pop lisergico”, de la aventura del espacio en plena carrera, y con una naciente ciencia informática de moda, Stanley Kubrick, aprovecha su gusto por el film espectacular, para realizar, la entonces impresionante odisea del espacio, “2001”.

Con ojo y medio puesto en la taquilla, y el resto en ofrecer un intachable producto, digno de mover a la reflexión, Kubrick, señala con este film, la mayoría de edad de un género –la ciencia-ficción–, hasta ese momento despreciado. Con “2001”, abrirá las puertas a toda una escuela que acabará desarrollándose hasta límites insospechados.

El film, sobretodo, está concebido como una sinfonía visual, llena de efectos especiales, y jugando con un tiempo y un espacio de forma irrepetible, que solamente Kubrick se podía permitir.

El guión, del propio director, arranca con la evolución de los primates hasta el hombre. Evolución residida por un enigmático monolito, que será, a la postre, el elemento común que simbolice las sucesivas mutaciones de la especie.

La parte central de la película, narra la aventura de un viaje espacial, guiado por un supuesto súper ordenador, capaz de tomar decisiones por él mismo.

Pero, cuando la nueva presencia del monolito, hace pensar en la evolución hacia las tecnologías cibernéticas como sustitutos del hombre, será éste quien llegue a ser capaz de destruir su propia obra, que ya no puede controlar.

No obstante, en la tercera y última parte, se nos confirma que la evolución está en marcha, y que este proceso no ha de venir por mano y voluntad del hombre. Únicamente capaz de destruirse a sí mismo.

La inevitable mutación queda como un misterio desconocido, en el que sí queda clara la necesidad de la muerte, para generar nueva vida.

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DIRECTOR: Lucas, George
PAIS: USA
AÑO: 1973
DURACION: 110 min
INTERPRETES: Chard Dreyfuss, Ronn Howard, Wolfman Jack

Bajo una agradable estética comercial y entretenida, presenta George Lucas el relato de unos jóvenes de un pueblo del oeste americano, durante la noche de un sábado en los primeros años sesenta.

Película coral, en la que se entrecruzan las historias personales de varios muchachos que representan la juventud del americano rural a punto de ser absorbida y reconducida al “sistema”.

En la era Kennedy, los jóvenes en edad de entrar en la universidad, son los hermanos menores de los que escandalizaron, al final de la década anterior, con el Rock and Roll y el Rhithm and Blues, ahora asumido y normalizado por los adolescentes; aunque ya añorado por los mas pioneros: “El R&R no es lo mismo desde que murió Buddy Holly”.

El hecho de asumir y normalizar del nuevo estilo de vida por las nuevas generaciones, sigue contrastando con el puritanismo al que se aferran, y se aferrarán, las directrices de los adultos: prohibición “tolerada” del alcohol, necesidad de emisoras piratas que programen para los jóvenes la música que ignora la radio convencional, represión sexual puritana, …

El “epitafio” final nos confirmará que, efectivamente, la primera oleada de rebeldía joven, en poco tiempo sería absorbida por la sociedad del consumo y la abundancia, incluso, vendida mas tarde en lotes de nostalgia.

Como fondo de todo el film (quizás como homenaje), planea la banda musical, supuestamente emitida desde la emisora pirata del mítico Wolfman Jack, uno de los fenómenos que mas influyeron en el impulso del movimiento R&R a través de la radio clandestina.

DIRECTOR: Coppola, Francis Ford
PAIS: USA
AÑO: 1979
DURACION: 150 min
INTERPRETES: Marlon Brando, Martin Sheen

Evidentemente “Apocalypse now”, aunque lo pretenda, no es la mejor, ni la más descriptiva, ni la más personal visión de la manida guerra, si pasa a la historia del cine, será ni más ni menos por su grandilocuencia visual y su éxito en taquilla.

El film, lamentablemente, nunca conecta con la sensibilidad de la catástrofe, y mucho menos con el confuso y barroco final, a pesar de que el confundido sea el siempre recurrente Marlon Brando.

DIRECTOR: Fosse, Bob
PAIS: USA
AÑO: 1972
DURACION: 120 min
INTERPRETES: Liza Minnelli, Michael York, Helmun Griem

Sin abandonar la concepción industrial que las grandes productoras norteamericanas tienen del cine, en los años sesenta y setenta, se verán obligadas a aceptar una inevitable evolución. Para conservar su cota de mercado, deberán acercar sus propuestas a las posiciones de los movimientos independientes, cineastas más comprometidos ideológicamente, y que, en esos momentos, gozaban en una gran medida del favor del público.

En este camino, y siempre apoyándose en la calidad de sus directores y en los milagros de un gran presupuesto, sus géneros clásicos: comedias, westers, dramas, musicales, etc., irán frecuentemente teñidos de tímidas manifestaciones que, sin mucha implicación, expongan problemáticas de cierto interés social y humano.

Una forma de eludir frontalmente el compromiso, consistirá en remitirse a acontecimientos históricos, que por un lado evitarán el enfrentamiento abierto con algunos sectores de su “clientela”, y por otro van ha abrir una nueva moda “retro”, sobre temas relacionados con el pasado inmediato.

Un género que periódicamente aparece y desaparece intermitentemente, pero que siempre tiene buena aceptación comercial, es el cine musical. “Cabaret” hace emerger de nuevo, remozado y con las últimas tendencias temáticas puestas al día, al tradicional género de Hollywood. Con una acertada y pegadiza banda sonora, un guión interesante y el oportuno apoyo de la academia, se convertirá en uno de los clásicos del género por derecho propio.

La acción del filme se sitúa en el Berlín de 1931, y mezcla la “glamourosa” historia entre una liberal, caprichosa y mundana cabaretera norteamericana, con los escarceos homosexuales de un millonario alemán y un intelectual ingles. Todo esto, en el ambiente distendido de la noche berlinesa de la preguerra y el telón de fondo de la amenaza de un incipiente nazismo. Toque que da la “seriedad” oportuna a este excelente, entretenido y moderno musical.

DIRECTOR: Polansky, Roman
PAIS: USA
AÑO: 1972
DURACION: 115 min
INTERPRETES: Marcello Mastroianni, Sydne Rome, Hugh Griffith

Conforme avanza la filmografía de Roman Polanski, queda más evidente el carácter de cineasta “puro” que encierra su trabajo.

Después de la misteriosa muerte de su esposa, y tras unos años de pausa, reaparece el director polaco en Italia con “Che?”, volviendo a retomar, ahora revisado y aumentado, su sentido del humor y, sobretodo, del erotismo.

Si en sus anteriores filmes, se podía apreciar una influencia de maestros como Hitchcock, en esta desconcertante película la influencia deberíamos buscarla directamente en el absurdo de los Marx, o en el surrealismo más absoluto.

El guión nos presenta una esplendida Sydne Rome, turista americana, que azarosamente ira a parar a una paradisíaca villa sobre la costa azul. Lugar, como siempre cerrado y aislado, pero ahora sin ninguna claustrofobia, abierto al mar, al cielo, y sobretodo a la luz del Mediterráneo, en un ejercicio de optimismo que sorprende en Polanski. Pronto la muchacha se va a quedar sin ropa, y así, semidesnuda desarrollara su aturullado papel en el film.

Una desnudez, erótica, no pornográfica, y una desnudez que simboliza la inocencia, frente a la sucia mirada de una pléyade de individuos extraños, insólitos, irracionales… una casa de locos, que encabezados por Marcello Mastroianni, perseguirán y acosará sin ton ni son a la joven turista. Todo, dentro de ningún contexto, de ninguna historia, sin ningún hilo conductor, sin ninguna concesión literaria o ideológica, en el más puro de los absurdos; una temática digna de la misma Bauhaus.

Y a pesar de todas estas incoherencias, con una realización espléndida, la película resulta cautivadora, se ve extraordinariamente, cerrando el film de una forma circular y con un claro manifiesto de “el cine, por el cine”.

DIRECTOR: Polansky, Roman
PAIS: USA
AÑO: 1974
DURACION: 128 min
INTERPRETES: Jack Nicholson, Faye Dunaway, John Hillerman

Muy lejos de sus primeros trabajos más intelectuales y enrevesados, ahora ya afincado, por el momento, en Estados Unidos y en su cine más lineal, Roman Polanski, rueda uno de sus mayores éxitos de taquilla “Chinatown”.

En su progresiva decantación hacia un cine en estado puro, sin pretensión de utilizarlo como portavoz de personales filosofías, aquí estamos quizás sencillamente ante un buen film policiaco, aderezado por las habituales provocaciones del director.

El tema del film lo podemos tomar como una excusa, (McGuffin en términos hitchconianos), únicamente para rodar una película. En éste, se debate la especulación del suelo y la escasez de agua en el municipio de Los Angeles, ante la prevaricación de los políticos y la falta de escrúpulos de los magnates del capital.

A partir de aquí una serie de enrevesados acontecimientos hará entrar en escena a un detective privado (Jack Nicholson) que ignorante de todo el entramado, nos hará de lazarillo, descubriendo la compleja intriga a la vez que el propio espectador.

Vuelve, no obstante, el director polaco a su pesimismo habitual, con un amor imposible y complicado (Faye Dunaway) y dejando que un desdichado azar protagonice el desenlace final de la película, en una espiral de infortunio que llevará al protagonista, de nuevo, a repetir su desgraciada historia profesional, en el que el deseo de ayuda, desembocará en inevitable tragedia.

Un filme de género, en el que Polanski se pasea con maestría por los clásicos de Hollywood, para ofrecer un producto redondo, en el que, una vez más, nos demuestra su sorprendente capacidad de, simplemente, hacer cine.

DIRECTOR: Weir, Peter
PAIS: USA
AÑO: 1982
DURACION: 110 min
INTERPRETES: Mel Gibson, Sigourney Weaver

Peter Weir, director australiano con un estilo centrado en las bases del cine americano, afronta en su obra, siempre de una forma “disciplinada”, la denuncia de problemáticas candentes en el mundo actual.

En “El año que vivimos peligrosamente”, sitúa la acción en Indonesia –o en cualquier país de oriente– para reflejar los problemas políticos y sociales de aquella parte del mundo.

La historia se apoya en el círculo de periodistas y diplomáticos occidentales destacados en la zona. La alternante perspectiva que nos da el director, bien sea desde la colonia huésped, bien desde los propios nativos, hace más evidente el problema latente en la zona, enfrentándolo al más absoluto desinterés del mundo capitalista, allí mismo desplazado.

El film terminará, cuando se produzca una de las interminables revueltas y golpes de estado, en la que la violencia y la muerte se adueñarán de las calles… y de los indígenas, mientras la colonia extranjera regresará a sus países en una atropellada huida.

La película, en realidad, trata de denunciar pues, la escasa implicación de los países desarrollados con los problemas del tercer mundo, pero el pobre vigor narrativo y las dispersiones amorosas y comerciales, hacen que el trabajo resulte mediocre. Y que solo señale tímidamente la punta del problema que emerge del océano humano que es, en este caso, el Asia Oriental.

DIRECTOR: Polansky, Roman
PAIS: USA
AÑO: 1967
DURACION: 105 min
INTERPRETES: Roman Polansky,Sharon Tate, Jack Mc Gowran

El gusto de Roman Polanski por lo insólito y lo paranoico, mezclado con dosis de humor, parece tomar un claro ejemplo en esta, su primera producción en los Estados Unidos, lugar donde se asentará gran parte de su carrera.

“El baile de los vampiros”, en realidad no es más que otra versión del mito de Drácula, pero otra versión realmente personal y distinta.

Lo primero que nos llama la atención, es su tratamiento en clave de humor, –a diferencia del resto de las versiones, siempre vistas como filmes de terror–, y que se convierte poco a poco en puro sarcasmo, que acaba dinamitando las más tradicionales bases del clásico género.

En este tono irónico, Polanski (quien se estrena como actor coprotagonista del film), nos relata como un viejo profesor y su ayudante, estudiosos de la mítica historia de vampiros, se desplazan hasta Transilvania, introduciéndose en el propio castillo del Conde, para verificar personalmente sus teorías.

Tras numerosas peripecias, no exentas de un acertado y sarcástico erotismo, la pareja de investigadores logrará huir con el valioso material para sus tesis, pero con un sorpresivo desenlace que nadie espera.

Polanski juega con el doble sentido del mito, desde el texto original de Bran Stoker tomado literalmente, hasta la situación real y material que se produce con habitual reiteración en las relaciones entre los propios humanos. Testimonio que subraya en el cáustico final, y que podremos observar, a poca imaginación que pongamos, en cualquier circunstancia de la vida cotidiana.

DIRECTOR: Weir, Peter
PAIS: USA
AÑO: 1991
DURACION: 124 min
INTERPRETES: Robin Willians, Ethan Hawke, Gale Hausen

En 1959, comienza el curso en una prestigiosa escuela privada de EEUU, escuela basada en la rígida pedagogía victoriana, tan a gusto de las clases conservadoras y acomodadas.

La aparición de un profesor joven de literatura (Robin Williams), con criterios progresistas, (al que llamarán “¡Oh Capitán, mi Capitán!, en homenaje al poeta Walt Withman), basados en la enseñanza como camino a un pensamiento con criterios propios; revolucionará, tanto al alumnado, positivamente, como al rectorado y las propias familias, que lo considerarán un desvarío intolerable.

La lucha generacional derivada de este planteamiento, entre el mundo de la nueva filosofía descubierta por los jóvenes, frente al conservadurismo de sus padres, acabará, – en este estatus económicamente privilegiado– devolviendo las aguas a sus cauces tradicionales, pese a la frustración de los incipientes estudiantes librepensadores.

Un emotivo final, nos abre la esperanza a que las enseñanzas de “mi capitán”, han calado en algunos jóvenes, y cierto poso del humanismo aprendido, nunca dejara que ya nada en sus vidas, vuelva a ser como estaba planeado en los principios de tan “prestigioso” centro de enseñanza.

DIRECTOR: Coppola, Francis Ford
PAIS: USA
AÑO: 1972
DURACION: 164 min
INTERPRETES: Marlon Brando, Al Pacino, Rover Duvall

A finales de los sesenta y en la década siguiente, como continuación a la malograda generación perseguida por la nefasta “caza de brujas”, surge un cine de amarga autocrítica nacional, que, con más libertad que el de sus predecesores, puede expresar sus discrepancias políticas y sociales.

Ante la creciente aceptación de esta forma de ver el cine, los resortes mercantiles de la todopoderosa industria del celuloide, hacen florecer, paralelamente, un nuevo género que, conservando las formas aparentes de los “cineastas críticos”, en el fondo, atiende abiertamente al fin último de toda empresa comercial: el beneficio.

Arropados en ésta corriente impulsada por los productores y amablemente acogida por el gran público (poco inclinado a afrontar crudamente los molestos problemas de conciencia), surgen directores de impresionante calidad cinematográfica, calidad siempre puesta a disposición del gran espectáculo, con una simulada voluntad de afrontar los problemas y las frustraciones de una sociedad supercapitalizada, pero siempre de forma descafeinada, balsámica y, sobretodo, exculpatoria.

De entre los adscritos a este cine, Francis Ford Coppola, destaca con su espléndida adaptación de la novela de Mario Puzzo, “El Padrino”, que en forma de trilogía analiza brillantemente el mundo de la mafia, en un principio de forma anecdótica y recurrente, (a modo de recuperación del mítico “cine negro”), pero cada vez más incisiva y mordaz a medida que se desarrolla la totalidad de la obra.

Quizás sin la idea preconcebida de desarrollar el ciclo completo de la trilogía, en la primera entrega de 1972, y durante sus tres horas de duración, Coppola extracta al máximo la novela original, tratando de componer, con una calidad cinematográfica insuperable, la figura romántica del ganster de una época ya pasada, y apoyándose en la nostalgia, dar una visión amable del fenómeno del gansterismo, que, de alguna forma, ha pasado a formar parte de las raíces de la nación americana.

Con los inevitables relevos generacionales en las estructuras de la mafia, en esta primera parte, se deja ya vislumbrar claramente, los también inevitables relevos éticos y morales en las formas de hacer de las nuevas y más ambiciosas generaciones de la cada vez más poderosa e internacionalizada “cosa nostra”, evolución que el director italo-americano retomará de forma más atrevida y contundente en sus posteriores entregas.

Estamos, concluyendo, ante una excelente película desde el punto de vista cinematográfico, que respondió perfectamente a sus expectativas comerciales, y de la que habría que esperar a sus posteriores entregas para disculparla de la nostálgica superficialidad, que contrastaba descaradamente con la dureza del “cine crítico” que la sociedad comprometida estaba demandando en aquellos años.