Angel Lapresta: Un cine del siglo XX

DIRECTOR: Herzog, Werner
PAIS: Alemania
AÑO: 1972
DURACION: 91 min
INTERPRETES: Klaus Kinski, Helena Rojo, Ruy Guerra

Aunque encuadrado en el “nuevo cine Alemán”, el estilo de Werner Herzog, de formación autodidacta, se separa de forma ostensible del cierto tono de cinema verite de sus compañeros más representativos del movimiento, como Fassbinder, Schlondorff, Winder.

Alternando su carrera entre el cine de ficción y el documental, y volcando en ambos su gran afición por la música, el director alemán conformará una serie de situaciones y personajes grandilocuentes e inusuales, aparentemente más cercanos al histrionismo operístico que a la realidad histórica.

Y decimos aparentemente, porque en realidad sus filmes siempre están cargados de un fuerte componente documental. Bien por su faceta de documentalista, bien por los bajos presupuestos con los que había de trabajar.

La principal peculiaridad de su cine viene marcada por la singularidad de los personajes y situaciones elegidas, en la mayoría de los casos hechos históricos o arraigadas leyendas de prototípicos antihéroes.

En “Aguirre”, toma el hecho histórico de la expedición española del siglo dieciséis de Gonzalo de Pizarro, en la que se internan en la selva amazónica en busca del mítico El Dorado.

En un clima de aislamiento, un paisaje agreste y desconocido, y acosados por indígenas salvajes, dentro de una climatología y una salubridad adversa, pronto se producirá la división entre los que desean volver y los ambiciosos, liderados por Lope de Aguirre, cegados por la conquista y el poder.

De esta forma, no serán las condiciones adversas las que hagan mella en la expedición, sino los propios expedicionarios, sin rangos aristocráticos, enfrentados a sus propias aptitudes, los que en un proceder primitivo, guiados por la codicia, el fanatismo o la locura, reducirán la descabellada aventura a la mínima expresión en medio de la imponente naturaleza.

DIRECTOR: Herzog, Werner
PAIS: Alemania
AÑO: 1987
DURACION: 111 min
INTERPRETES: Klaus Kinski, Peter Berling, José Lewgoy

Si bien, quizás no se pueda encuadrar “Cobra verde” entre los mejores filmes de Herzog, si pasará a su historia personal como el último y definitivo enfrentamiento con su principal estrella a lo largo de su carrera, Klaus Kinski.

La tormentosa relación personal entre director y actor, paradójicamente inversamente proporcional a sus geniales resultados artísticos, llegó a sus extremos más violentos durante el rodaje de esta película, llegando a abandonar Klaus Kinski el rodaje antes de su finalización.

Así pues, el film no deja de reflejar la poca convicción del actor en la realización de su trabajo –habitualmente fundamental en el desarrollo del estilo de Herzog–, resultando una interpretación fría y ausente.

El guión relata la historia de un minero brasileño, que la miseria y la explotación lo convierten en un temido delincuente. Las autoridades, para deshacerse de él, lo enviarán a África para encargarse del tráfico de esclavos, con la esperanza de que muera en la arriesgada empresa. Lejos de esto, el desterrado pactará con los jefes de las tribus nativas, hasta hacerse con el poder en el continente negro.

El final de la esclavitud, convenido entre las grandes potencias mundiales convertirá a nuestro Cobra Verde, en otro nuevo perdedor para la colección del director alemán.

En realidad, ante el visionado del film, nos aparece más el Herzog documentalista, que el Herzog cineasta. El guión se nos antoja una excusa para rodar en exóticas circunstancias, tanto en el Brasil inicial, como en África posteriormente.

Esto podía eximir la floja historia de base, o la pobre interpretación de su actor estrella, pero el aspecto del film como documento de otras culturas, se queda en la filmación de manidos rituales, o de leyendas con poco interés.

Únicamente el impetuoso lenguaje del director en aisladas secuencias se pueden rescatar de un trabajo más pretencioso que conseguido.

DIRECTOR: Wenders, Wim
PAIS: Alemania
AÑO: 1977
DURACION: 121 min
INTERPRETES: Dennis Hopper, Bruno Ganz, Lisa Kreuzer

Si ya por principio el “joven cine alemán” busca sus raíces en el mundo del celuloide americano, como referencia tanto cultural como política, de un país desorientado y dividido tras la conclusión de la guerra, Win Wenders lo podríamos calificar sin duda como el más americano de los directores alemanes.

Su primer gran éxito viene precisamente de la mano de “El amigo americano”. Aunque la trama en si misma, pudiera desarrollarse en cualquier ambiente, el tratamiento en la forma del cine negro clásico de Hollywood, ya representa una declaración de intenciones sobre sus preferencias. La elección de Dennis Hopper como co-protagonista y los cameos de Samuel Fuller o Nicholas Ray, completan esta especie de homenaje a la cultura estadounidense.

El argumento nos cuenta de un honesto restaurador de pintura, que sufre una enfermedad crónica, la cual va sobrellevando con toda cautela. El ambiente de tráfico de obras de arte falsificadas, en el que por circunstancias de su oficio, acaba implicado, le llevará a través de engaños a cometer una serie de asesinatos, podríamos considerar, con la mejor de las intenciones.

Ahora bien, si su desarrollo formal –thriller– y un guión de novela policíaca de quiosco, podría confundir su procedencia, el tratamiento de los personajes tiene un indudable sabor europeo. La observación del ser humano en situaciones límite, refleja un comportamiento de las personas, habitualmente muy lejos del seguido en momentos más apacibles.

DIRECTOR: Wenders, Wim
PAIS: Alemania
AÑO: 1987
DURACION: 128 min
INTERPRETES: Bruno Ganz, Peter Falk, Solveig Dommartin, Ott

Entre la llamada nueva generación de cine alemán, quizás Win Wenders resalte por ser el más “americanista” de sus componentes, pero sobretodo –solo en una parte de su carrera– el más poético, dotando a los filmes de esta época de un lirismo comparable a la poesía escrita, época que habrá de concluir precisamente con esta “El cielo sobre Berlín”.

Sin duda apoyado en el éxito de “París Texas”, en la que ya el lenguaje metafórico y poético fueron la clave de su discurso, Wenders rueda este film, en principio, como un trabajo de transición. Sin un guión previo, y a medio camino de su evolución profesional, acabará resultando una película, al menos interesante, aunque peque de pretenciosa y falta de ritmo.

El film se puede dividir en tres aspectos. Desde un hipotético más allá, un mundo poblado por ángeles invisibles, que harán de cicerones, nos mostrará los problemas interiores, los pensamientos y el sentir de la población de un Berlín que todavía no se ha recuperado de la posguerra, vagando entre el trauma de los recuerdos y un futuro poco esclarecedor, en un país todavía dividido por el omnipresente muro.

En una segunda intención, menos elaborada, los ángeles, –dada su inmortalidad– repasarán fugazmente la historia de la humanidad y el paralelismo continuado de sus atrocidades. Recalando especialmente en la inmediata catástrofe nazi.

Aquí, el director alemán, introduce un severo reproche a la interpretación internacional de la guerra, mediante la parodia de la grabación superficial y sesgada de una serie para la televisión americana.

El tercer punto de vista, se centrará en el principal protagonista, el ángel Damiel, que desanimado por la inutilidad de su cometido místico, decide sacrificar su inmortalidad, para apreciar en sí mismo las sensaciones de la vida material.

El experimento constituirá un canto a la vida, a sus pequeñas recompensas, al lado humano de las adversidades, y sobretodo al amor.

DIRECTOR: Schlondorff, Volker
PAIS: Alemania
AÑO: 1975
DURACION: 100 min
INTERPRETES: Angela Winkler, Mario Adorf

El director Volker Schlondorff, encuadrado en la escuela del nuevo cine alemán, junto con Fassbinder, Wenders, o Herzog, dedica su filmografía a la adaptación de novelas contemporáneas, que a su vez retratan la historia reciente de su país. Una postura muy común en los componentes de la nueva tendencia.

Formado profesionalmente en París, junto con los pioneros del nuevo cine francés (Malle, Resnais, etc), adopta de éstos el tono crítico hacia una sociedad surgida tras la posguerra mundial.

En este caso “El honor perdido de Katharina Blum”, personalizará en el papel de la prensa, y de su reclamada necesidad de libertad, la denuncia de la falta de escrúpulos éticos de algunos medios, ante la posibilidad, –o quizás la necesidad impuesta–, de obtener rentables beneficios, en pleno “milagro económico alemán”.

La historia, parece que basada en hechos reales, desgrana el atropello y las difamaciones de la prensa amarilla hacia una muchacha humilde, cuyo único pecado ha sido coincidir casualmente una noche con un buscado miembro de las tristemente famosas bandas terroristas de la Alemania de los setenta. La persecución y las calumnias no cesarán hasta destrozar la vida de la joven.

La adaptación de la novela de Heinrich Böll, de una forma lineal y austera, resulta fría y poco convincente, a pesar del atractivo relato. Un estilo que difícilmente llega a las emociones del espectador, y con el que coincide en buena parte de la obra de su colega Fassbinder. Quizás estén dirigidas a una mentalidad y una cultura concreta.

DIRECTOR: Fassbinder, Rainer
PAIS: Alemania
AÑO: 1979
DURACION: 120 min
INTERPRETES: Hanna Schigula

Película encuadrada dentro de la serie de filmes tendentes a recuperar de la forma más fiel posible la memoria de su país, sin patrioterismos ni venganzas, pero incidiendo sin pudor en la complicada vida de un pueblo señalado repetidamente por los acontecimientos de la historia.

Fassbinder sugiere un amargo paralelismo entre la vertiginosa recuperación alemana después de la segunda guerra mundial y el relato de la vida de María Braum, a quien la derrota ha supuesto la pérdida de su matrimonio, la miseria y sobretodo la humillación frente a los vencedores.

A lo largo de la película se simboliza detalladamente el “milagro económico”, fruto de la ambición por recuperar su posición en el mundo, valiéndose de cualquier procedimiento, prostitución, asesinato, perjurio,… El encarcelamiento del ideal alemán con el propósito de recuperarlo en su momento, las interesadas relaciones internacionales y, en fin, la diferencia entre la cotidianeidad del pueblo llano y las enfermizas ambiciones de los dirigentes.

Todo ello ¿termina? material e ideológicamente en un trágico fin, sugerentemente remarcado a través de la retransmisión de un partido de futbol.

DIRECTOR: Schlondorff, Volker
PAIS: Alemania
AÑO: 1979
DURACION: 140 min
INTERPRETES: David Bennet, Mario Adorf, Angela Wikler

Con una factura de las más depuradas de su filmografía, Voker Sschlondorff adapta la novela de Günter Grass “El tambor de hojalata”, en lo que, siguiendo el texto original, entre simbologías surrealistas y documentos reales, no exentos de una cierta ironía, trata de condensar una visión personal de la historia reciente de Alemania.

El eje de la narración es Oscar, un niño, que a los tres años decide dejar de crecer, a la vista del poco halagüeño porvenir que le espera como adulto.

Efectivamente, Oscar nacerá –de una relación de su madre con dos padres– en la época del comienzo del nazismo. Así pues, la negación al crecimiento, se mostrará como el rechazo a transitar por tan nefasto periodo histórico.

Esta rebeldía, que el niño/hombre transmitirá con su constante y crispante aporreo a un tambor de hojalata, continuará hasta que la cordura, al menos aparente, vuelva al seno de su país.

Un film plenamente logrado (así se reconoció en numerosos premios) en las que sus cáusticas metáforas desmontan cualquier hipótesis de purezas de raza o patrioterismos trasnochados.

DIRECTOR: Herzog, Werner
PAIS: Alemania
AÑO: 1982
DURACION: 158 min
INTERPRETES: Klaus Kinski, Claudia Cardinale

Si se puede discutir que “Fitzcarraldo” sea la mejor película de Herzog, lo que también es un dato objetivo, es que ha sido su trabajo más laureado y reconocido (premio en Cannes).

En línea con su personal estilo, narra los aspectos más límites del ser humano de una forma poco comedida cinematográficamente, hasta el punto de hacerlos más merecedores de la ficción que de la representación histórica. El director alemán trabajando con las económicas, pero sacrificadas técnicas del documental, aprovecha esta característica, para enfatizar en un cine visualmente épico, incidiendo en el enfrentamiento del hombre y la naturaleza, ambos representados con sus más primitivas y salvajes peculiaridades.

La historia que narra el film, se remonta a la selva peruana de final del siglo diecinueve, donde el Dorado que buscaba don Lope de Aguirre, se había encontrado en forma de caucho, selva y mano de obra esclavizada.

En este entorno en el que se enriquecían los europeos más audaces, aparece la figura de Fitzcarraldo, un romántico o un trastornado, melómano y megalómano, un enamorado de la ópera y un fracasado en sus disparatados negocios, y burla de sus compatriotas triunfadores en la explotación de los recursos amazónicos.

Ante el continuo desprecio, Fitzcarraldo se propondrá construir en medio de la selva un gran teatro que traiga las más rutilantes estrellas del bel canto. Para conseguir los fondos, tendrá que recurrir, como sus compatriotas, a la explotación del caucho, pero ahora, ya ocupadas las mejores tierras, habrá de aventurarse en lugares vírgenes.

La tenacidad humana se enfrentará a la agresividad de la naturaleza, haciendo saltar, si es necesario, un barco por encima de una colina, para hacerlo pasar de un río a otro.

Pero el personaje de Fitzcarraldo entra dentro de la colección de antihéroes de Herzog, y sin ninguna opción, la naturaleza en un gesto de cruel ironía, demostrará que el hombre le vencerá en puntuales e increíbles batallas, pero que la victoria final estará siempre en su mano.

Aunque parezca un imposible, Herzog se inspira para contar su Fitzcarraldo en la historia real de un peruano llamado Isaías Fermín Fitzcarrald, que hizo pasar por primera vez su barco a través de la selva, para alcanzar Manaos.

La segunda vez, fue el propio Herzog, quien apasionado con sus métodos de trabajo documentalistas, rodó la historia físicamente, sin ningún trucaje. Convenciendo a toda una tribu indígena, peleando con su equipo, arruinándose, o provocando accidentes mortales.

Como paralelismo, si el director alemán consiguió rodar su épico film de una forma más épica todavía que la propia historia, el teatro de la ópera soñado por Isaías Fermín, todavía se levanta en medio de la selva, a modo de emblema del enfrentamiento continuo entre el hombre y la naturaleza.

DIRECTOR: Fassbinder, Rainer
PAIS: Alemania
AÑO: 1981
DURACION: 105 min
INTERPRETES: Rosel Zech, H. Imar Thate, Cornelia Froboess

En lo que resulta su habitual trayectoria, y en la que será su última obra terminada antes de su extraña y prematura muerte, Fassbinder incide en el análisis de la manipulación de la historia reciente de su país.

En un claro homenaje al cine alemán anterior al nazismo, con una soberbia estética expresionista, y en un personalísimo blanco y negro, “La ansiedad de Verónica Voss” relata la decadencia de una diva del cine de la UFA, (los estudios más representativos del cine germano, y aprovechados durante la dictadura para propaganda del régimen nazi).

Una decadencia entre alcohol y drogas, que se verá acelerada y aprovechada por las nuevas generaciones de alemanes que forjarán sin ningún escrúpulo su trepidante carrera, en una posguerra protagonizada por la especulación interna y la manipulación internacional.

De esta forma, Fassbinder a la vez que relata la amarga trayectoria de la decadencia personal de una estrella (muy paralela a “Sunset Boulevard”, de su compatriota Billy Wilder), simbolizará en la agonía de Verónica Voss, la desaparición de la historia de la Alemania que perdió en la contienda mundial, y que fue destrozada por la corrupción de unos sobre el fracaso de otros, como clara metáfora del mecanismo carroñero de un “milagro económico alemán”, que al director, evidentemente, nunca ha convencido.

DIRECTOR: Fassbinder, Rainer
PAIS: Alemania
AÑO: 1975
DURACION: 121 min
INTERPRETES: Rainer W. Fassbinder, Peter Chatel, Adrian Hoven

Película perteneciente al “cine de autor” que se desarrolló en esa década en la extinta República Federal Alemana, historia con un cierto tinte autobiográfico, y hasta premonitorio (Fassbinder, homosexual, murió en extrañas circunstancias unos años más tarde).

El argumento viene a ser una severa crítica al capitalismo y a sus estamentos empresariales, que sistemáticamente exprimen a las clases proletarias sin ningún escrúpulo ético ni moral. La posible apertura del elitista clan a la entrada de extraños, únicamente se producirá ante la posibilidad de ser desaprensivamente utilizados hasta el total agotamiento.

El argumento narra cómo un joven de extracción humilde, trabajador de feria, gana un fuerte premio en la lotería. A partir de ése momento es codiciado por las clases económicamente dominantes y admitido en sus deslumbrantes círculos, aparentemente adinerados y cultos. Cuando, desengañado quiere volver a sus orígenes, comprobará que ha sido arruinado, víctima de continuos engaños y estafas.

La línea narrativa se desarrolla completamente dentro del ambiente homosexual, dando a esta circunstancia un carácter de absoluta normalidad, por lo que, dicha normalidad, convierte el filme en una nueva reivindicación de Fassbinder, hacia una estabilización y una aceptación habitual del mundo gay.