Angel Lapresta: Un cine del siglo XX

DIRECTOR: Rossellini, Roberto
PAIS: Italia
AÑO: 1952
DURACION: 109 min
INTERPRETES: Ingrid Bergman, Alexander Knox, Giuletta Masina

Una vez en vías de superación la catástrofe bélica, en la que todas las ideologías estaban unidas en el neorrealismo con un frente común, las diferencias entre antiguos colaboradores (Rossellini, Fellini, De Sica, Visconti), irán matizando sus trabajos con sus propuestas más personales.

En este camino, Rossellini, trata de aunar su denuncia social, con un misticismo que comienza a abordar ya en “Stromboli”.

En “Europa 51”, relata en tres partes diferenciadas, su particular visión de la sociedad italiana de posguerra, apuntando sin pudor sus tendenciosas soluciones.

En una primera parte, el film denuncia abiertamente la nueva burguesía crecida al amparo de la incipiente recuperación europea auspiciada por las ayudas norteamericanas. Unos grupos privilegiados instalados en la comodidad y la autocomplacencia.

El presunto egoísmo de una madre con una vida social activa, hace que su hijo, que ha sufrido los avatares de la guerra, se sienta abandonado y acabe en el suicidio. Comienza pues, con una clara y caduca llamada a la mujer a una exclusiva obligación de madre, debiendo renunciar a la de mujer, esposa, amiga. Amparado maniqueamente en un ambiente, reprobablemente conservador, induce hábilmente a condenar las novedosas actitudes femeninas.

En su segunda parte, la frustrada madre, busca expiar su culpa en el refugio de las tendencias comunistas, a través de las que llega a conocer en primera persona, la dureza que rodea al mundo obrero, y que le resultaba ajena desde tu torre de marfil. Pero las pragmáticas soluciones marxistas, no parecen del agrado del director, siendo rechazadas por materialistas y efímeras.

La solución última acabará en un trasnochado misticismo, teóricamente incomprendido por una descompuesta sociedad materialista, que se niega a ser redimida, y en la que la protagonista, en aras de santidad, será sacrificada, como no podía ser de otra forma en la cultura católica más ancestral.

Así, el Rossellini militante antifascista, nos ha desembocado en un panfletario militante de hoja parroquial. Nos quedaremos pues con su excelente oficio para mostrar un desgarrador realismo,… al margen de soluciones piadosas.

DIRECTOR: Rossellini, Roberto
PAIS: Italia
AÑO: 1948
DURACION: 70 min
INTERPRETES: Edmund Moeschke, Werner Pittschau, Barbara Hintz

Rossellini cierra la trilogía sobre la inminente posguerra con “Germania anno zero”, en la que se traslada a una totalmente devastada ciudad de Berlín, para captar, como ya lo hiciera en su país, los desastres de la contienda.

Aquí, se repiten los lugares comunes a todas las ciudades que sufrieron el paso de los ejércitos, unos y otros: destrucción, hambre y muerte.

Adoptando el punto de vista alemán, Rossellini, dentro de su habitual estilo sobrio y directo, trata de justificar al pueblo llano, que poco o nada tuvo que ver con la masacre europea de sus dirigentes.

No obstante, y en contraste con su primera “Roma ciudad abierta”, el trato a los personajes germanos, evidentemente no es el mismo. Mientras en Italia se ensalzaba el patriotismo de los partisanos, aquí se hace hincapié en la miseria de un pueblo que no ha sabido enfrentarse a la dictadura.

El resultado acabará en tragedia. Un final exagerado, contra un país y, sobretodo, contra un futuro, –representado en los jóvenes y los niños–, en el que el director italiano deja entrever una clara animadversión hacia los vencidos y su escasa confianza en su recuperación. Postura que el tiempo se encargará de desmentir contundentemente.

“Alemania año cero”, quizás represente el neorrealismo más criticado, con un guión cargado de excesos dramáticos, de situaciones deliberadamente extremadas, acabando por producir una sensación de exageración a veces poco verosímil.

Al margen de las historias contadas, las anécdotas tendenciosas o los personajes fanáticos, la habitual realización realista hasta el extremo, seguirá trasmitiendo una escalofriante parte de la historia de forma contundente y difícil de obviar.

DIRECTOR: Sica, Vittorio de
PAIS: Italia
AÑO: 1948
DURACION: 85 min
INTERPRETES: Lamberto Maggiorani, Enzo Staiola, Lianella Carell

Película que se encuadra plenamente dentro del “neorrealismo” italiano. Nacido en la posguerra europea, en el que se trata de huir de los esquemas que desarrollaba el cine clásico, donde se destacaba lo “excepcional”; y reivindicar enérgicamente lo “cotidiano” en sus argumentos.

Unos relatos que debían llegar, claros y contundentes, a un pueblo arruinado y deprimido por la brutalidad de la reciente guerra. Género que significará una auténtica revolución dentro del cine europeo.

La acción de “Ladrón de bicicletas” se sitúa en el meollo de una sociedad obrera, en la que escaseaba el trabajo y abundaba la miseria. El tema central del filme es, el robo de su bicicleta a un obrero, la cual empleaba como herramienta imprescindible para realizar su trabajo. Acompañado de su hijo, comenzará una frenética e infructuosa búsqueda, que el niño vivirá asombrado, al contemplar la desesperación de un padre a punto de perder el único sustento de su familia.

Ante la imposibilidad de encontrar la trascendental bicicleta, y por lo tanto de volver a su ocupación, desesperado, decide robar otra que la sustituya, siendo sorprendido al hacerlo.

Esta excusa de la bicicleta, sirve de apoyo a De Sica, para desgranar un impecable documento sobre la precaria condición de la clase obrera en aquel momento. Sociedad, en la que, la necesidad personal de supervivencia, dejaba muy poco espacio para una solidaridad, que, en el mejor de los casos, quedaba limitada a las primeras buenas intenciones.

Al mismo tiempo, en una escena final cargada de extraordinaria emotividad, subraya magistralmente, la desoladora imagen de un niño, al que la vida ha obligado a madurar bruscamente. Junto a él, la angustiosa soledad de un padre, impotente y avergonzado.

Los dos, se perderán en medio de una muchedumbre, individualmente tan sola y tan confundida como ellos.

DIRECTOR: Rossellini, Roberto
PAIS: Italia
AÑO: 1946
DURACION: 134 min
INTERPRETES: Maria Michi, Gar Moore, Carmela Sazio

Segunda película de Roberto Rossellini, perteneciente a la trilogía neorrealista, –junto con “Roma ciudad abierta” y “Alemania año cero”–, sobre la inminente catástrofe que supuso la guerra, para, en este caso, Italia.

Si en la primera relata la ocupación nazi de su país, y la trágica represión de la población civil; y en la tercera, se traslada a Berlín para retratar un pueblo devastado por la derrota; aquí se centra en el momento intermedio que supuso la reconquista de la península trasalpina por parte de las tropas aliadas, y la valiosa aportación popular a través de los partisanos (Paisá).

Dividida en seis episodios. Desde el desembarco de las tropas americanas en Sicilia, donde el recelo y la incomunicación se hacen tragedia. La miseria y el hambre en las grandes ciudades, de la que los nuevos invasores tardarán en asimilar, no sin estupor. La forzada prostitución de las mujeres más jóvenes, precisamente con los que debían ser sus liberadores. La muerte en ignorados y desiguales combates callejeros de guerrilleros anónimos, mientras las fuerzas regulares atienden a estrategias oficiales, o recepciones diplomáticas. Hasta el asesinato frío y cruel, hasta el último día de la contienda, de los guerrilleros resistentes, porque en definitiva, no llevaban uniforme, y por tanto no existían para la convención de Ginebra. Constituyen el desolador mosaico del escenario bélico, sufrido desde la desamparada perspectiva civil.

Como un reproche ahogado hacia unos ejércitos a los que, al final, había que agradecer su intervención, el director italiano, reclama atención, no solo a las acciones bélicas, sino también, a unos ciudadanos masacrados, hambrientos, humillados, o asesinados directa y anónimamente.

La denuncia del film se dirige abiertamente, no solo y por supuesto a la ocupación alemana, sino también hacia unos estamentos políticos, militares, incluso religiosos, preocupados directamente por la victoria de sus intereses, sin reparar en las personas que existían detrás de las ruinas, de los uniformes o de los precarios fusiles partisanos.

DIRECTOR: Rossellini, Roberto
PAIS: Italia
AÑO: 1945
DURACION: 100 min
INTERPRETES: Ana Magnani, Aldo Fabrizi, Marcello Pagliero,

Aunque ni es la primera película de Rossellini, ni del neorrealismo, “Roma ciudad abierta”, sí que se ha convenido en considerarla como la pieza capital del movimiento italiano por excelencia.

Rodada con la segunda guerra mundial todavía en sus últimos estertores, a un año escaso del cese de la ocupación nazi de la capital italiana, resultaba inevitable que la ruina económica del país, agudizara el ingenio de un grupo de jóvenes cineastas, para adaptar el hacer cine a las circunstancias caóticas del momento.

Así, aprovechando colas de película, rodando con luz natural, escenarios reales o actores no profesionales, los supervivientes de la catástrofe bélica iban a dar un giro magistral al lenguaje cinematográfico.

En “Roma ciudad abierta”, Rossellini se basa en una historia real de un párroco ocurrida durante la ocupación, una historia como tantas, en la que el pueblo llano sufre la violencia militar, en el que los grupos activistas se rebelan contra el gigante, en la que el heroísmo es exaltado hasta sus últimas consecuencias, o por el contrario, los más débiles sucumben a la colaboración y al acomodamiento en tan denigrante situación.

Pero la forma de contar cruda, sin concesiones estéticas, ni formales ni temáticas, vista desde su punto más amargo, será detallada de forma que el espectador se vea forzado a tomar partido ante la situación expuesta.

Si bien esta agresividad visual estaba totalmente justificada en aquellos momentos, una vez asentada la paz, será esto mismo, el motivo de crítica al nuevo realismo, de forma que, tras no excesivos títulos, todos sus componentes migrarán hacia posturas más acordes con las nuevas coyunturas.

No obstante, a pesar de su efímera existencia, el neorrealismo y su nueva forma de ver la realidad a través de la cámara, no solo influenciará a sus directores en sus trabajos posteriores, sino que marcará la historia del cine con un antes y un después.

DIRECTOR: Rossellini, Roberto
PAIS: Italia
AÑO: 1949
DURACION: 100 min
INTERPRETES: Ingrid Bergman, Mario Vitale, Renzo Cesana

Tras sus tres filmes clave en el neorrealismo más purista, denuncia de la reciente contienda mundial, Rossellini emprende una evolución, en la que volverá a ser pionero en estilos y temáticas, aunque no tan deslumbrantes como su anterior etapa, quizás más definitivas.

En la que será su primera colaboración con Ingrid Bergman, Rossellini se sumerge en el drama psicológico para desarrollar sus teorías místicas.

Tras la guerra, la población que ha ido huyendo a lo largo de toda Europa, se encuentra desubicada y perdida en los campos de refugiados. Karin, una refugiada lituana de pasado liberal y cosmopolita, para salir del campo de refugiados, se verá obligada a casarse con un joven italiano, humilde pescador en la pequeña isla volcánica de Stromboli.

La nueva reclusión en la mísera isla, presidida por el omnipresente volcán, dará pie al enfrentamiento de dos tipos de de entender la existencia. El culto a la persona, a la vida y la libertad que reclama Karin, frente al destino impuesto por la naturaleza y las caducas tradiciones cristianas que rigen en la isla.

Un destino marcado y asumido religiosamente, presidido por el dios en forma de volcán, distante y todopoderoso, como único regente del ser humano.

El partidista final elegido por Rossellini, dista mucho del desarrollo del filme, en el que ha desgranado toda una serie de confrontaciones éticas y teológicas, para decantarse por una posición muy personal, rayando en el puro panfleto religioso.

DIRECTOR: Sica, Vittorio de
PAIS: Italia
AÑO: 1952
DURACION: 83 min
INTERPRETES: Carlo Battisti, Maria Pla Castillo

Completa Vittorio de Sica su aportación al corto pero influyente e impactante neorrealismo italiano con su film “Umberto D.”

Historia, como es habitual en la corriente italiana de posguerra, con un fuerte contenido social, una denuncia cruda de la mísera realidad, y un enfoque melodramático, a estas alturas, demasiado enfático.

Aquí, la trama se centra en la penosa vida de un anciano, funcionario jubilado, cuya pensión no alcanza para subsistir, ni en las más precarias condiciones. Que su soledad solo se ve aliviada con la presencia de su fiel perro, y cuya única complicidad y entendimiento lo encontrará en el otro extremo, en la juventud, en la figura de la jovencita criada de la pensión.

Una juventud, que despierta a la vida en una coyuntura social, cuyo denominador común es la miseria, la injusticia y la soledad.

Ante la disyuntiva de Humberto Domenico Ferrari entre la dignidad, la mendicidad o el suicidio, el tamdem De Sica-Zavattini, optan por un final abierto, rayando la utopía, en un difícil intento de supervivencia.

DIRECTOR: Rossellini, Roberto
PAIS: Italia
AÑO: 1953
DURACION: 78 min
INTERPRETES: Ingrid Bermang, George Sanders

Algo que nunca se le podrá reprochar a Roberto Rossellini, es su constante evolución en busca de actualizar su discurso, adaptándose tanto al desarrollo de la sociedad, como a sus propias creencias y circunstancias. Así pues, no será extraño, ver en su obra un abanico de propuestas, desde el directo y sangrante neorrealismo, hasta sus postrimerías en series televisivas documentalistas.

Tras la cruda trilogía sobre las consecuencias de la segunda guerra mundial, su polémico romance con Ingrid Bergman, devendrá en una serie de películas con la actriz sueca como protagonista. Hasta el punto de que “Stromboli”, “Europa 51” y Viaggio in Italia”, que fueron las más reconocidas, acabaron con el calificativo de “Trilogía de Ingrid”.

Si el denominador común de esta etapa fue sin duda su componente místico y religioso, en ésta última “Viaggio in Italia” (traducida al castellano como “Te querré siempre”), Rossellini parece hablar en primera persona de los siempre ineludibles conflictos de pareja.

Un matrimonio inglés –curiosamente similar al del propio director– viaja a Italia por un asunto de negocios. La soledad de la pareja en un mundo desconocido, hará que inevitablemente se miren el uno al otro, sin distracciones ni excusas cotidianas. En este análisis obligatorio y forzado, saldrá a relucir el distanciamiento existente en la pareja.

Durante sus paseos turísticos, ella tomará conciencia de la espiritualidad del ser humano, a través del conocimiento casual de las antiguas civilizaciones greco romanas, con miles de años de historia, y desaparecidas por el mínimo soplo de una naturaleza superior, lo que le lleva a un sentimiento místico, y añorar la espiritualidad en un amor no correspondido y agonizante.

El marido por su parte, con una filosofía hedonista y pragmática, en busca de la diversión y la aventura como evasión del latente desencuentro, constituirá el contrapunto de la relación matrimonial.

Un final, –como ocurriera en las dos anteriores películas citadas–, excesivamente panfletario, en un alegato religioso en favor del indisoluble matrimonio, del sentido prioritario de procreación en la pareja, tal y como predica la iglesia, (extraña teoría, si se contempla desde la propia biografía del autor); hace perder sentido a un discurso profundo y simplemente humano, de una dolorosa crisis de pareja.

La historia, descrita en clave intimista, con ritmo pausado, y utilizando magistralmente las metafóricas localizaciones extremas (volcanes, excavaciones arqueológicas en Pompeya, etc.), nos traslada una reflexión vanguardista en su expresión, más que en su contenido, del que sin duda tomará buena nota el posterior cine de autor. Así como, el empleo de una estética natural, pero evolucionada desde sus primeros y obligadamente precarios filmes, que será adoptada sin reservas por las nuevas tendencias de la “nouvelle vague”, que harán de esta película uno de sus referentes.