Abre los ojos
DIRECTOR: Amenabar, Alejandro
PAIS: España
AÑO: 1997
DURACION: 117 min
INTERPRETES: Eduardo Noriega, Penelope Cruz, Chete Lera, Najwa Nimri
Segundo largometraje del nuevo “niño prodigio” del cine español. Al igual que su primer trabajo, Amenabar, aborda el género del thriller, para desenvolverse detrás de la cámara con una madurez impropia de un novel.
Aunque la propuesta de “Abre los ojos” es lo suficientemente atractiva e innovadora, su recreación paranoica entre ficción y realidad, peca de pretenciosa, cayendo en una exposición confusa, que le obligará a forzar un desenlace excesivamente explicito y simplón (nos recuerda la criticada escena recapitulativa del psicólogo de “Psicosis”).
No obstante, al igual que en su primer trabajo, Amenabar, tras el genérico thiller de ciencia ficción, se apoya en una somera denuncia hacia un culto desmesurado al aspecto físico, frente a valores intrínsecamente humanos. Poniendo a su vez de relieve la inconsistencia de la fe en la cultura del éxito económico, incapaz de restaurar los caprichos del azar.
Lo que podía apuntar a una interesante propuesta, en clave formalmente innovadora, queda reducida a un desordenado ejercicio cinematográfico, no exento de cierto interés, en el que prima el suspense y la estética.
Quizás el “joven prodigio” deba interiorizar lo que es el cine como medio de expresión, o simplemente decantarse por “llenar las butacas de las salas” parafraseando a su admirado Hitchcock.
Atame
DIRECTOR: Almodovar, Pedro
PAIS: España
AÑO: 1990
DURACION: 95 min
INTERPRETES: Victoria Abril, A. Banderas, Loles León
Historia de amor entre un psicópata que secuestra a una mediocre actriz de cine porno de la que está enamorado platonicamente; tras mantenerla atada en su propia casa varios días, ésta acabará enamorándose de su propio secuestrador.
La película, en clave de comedia, sin las pretensiones intelectuales de “Matador”, ni la denuncia social de “Que he hecho yo para merecer esto”, ni las reivindicaciones homosexuales de “La ley del deseo”, pero con la frescura de toda una forma de entender el cine, mas el oficio que otras veces le ha faltado, hace, quizás, que “Átame” se pueda calificar como la película mas redonda del “estilo Almodovar”.
Sin renunciar a sus peculiaridades, como la superficialidad de los temas que afronta, el humor absurdo e irreverente, el culto a lo kistch, los boleros, …, todo ello está en el film, pero además ahora está bien contado, algo que parecía imposible, salvo, cuando Almodovar sacrificaba su personal actitud transgresora.
Barrio
DIRECTOR: León, Fernando
PAIS: España
AÑO: 1998
DURACION: 94 min
INTERPRETES: Crespulo Cabezas, Timy, Eloi Yebra, Marieta Oroz
Tras su primera película “Familia”, dentro de un estilo un tanto sofisticado, cercano al cine de autor, y donde quizás pesaba demasiado la influencia de su productor; en su segundo film “Barrio” el director madrileño, se alinea junto una serie de realizadores de su generación, para rescatar sin ninguna reserva el realismo social, que tantos y tan prestigiosos nombres ha dejado en el cine, en este caso, español.
Fernando León, nos traslada de una manera fresca y directa, a los barrios periféricos de las grandes ciudades de final del siglo veinte, más alejados económica y culturalmente que físicamente del centro de la urbe, reservada para otra clase social.
En estos nuevos guetos de vivienda protegida, se hacinan familias con empleos precarios o directamente desempleados, con un presente de pura subsistencia y un futuro digno de ser obviado.
La historia de tres muchachos de quince años, en un verano, en el que las vacaciones solo aparecen en los noticiarios de televisión, nos hará revisar las nulas perspectivas para afrontar su inmediata incorporación al mundo adulto.
Desde el muchacho trabajador que repartirá pizzas de forma imposible, hasta el prometedor delincuente, pasando por sus desmembradas familias; observaremos en nuestra cómoda butaca, un mosaico de soluciones marginales, incluso delictivas, o en el mejor de los casos de humillante subempleo.
El barrio les ha servido de cobijo para una mentalidad de niños, en el que la libertad en las escombreras y descampados era suficiente para su imaginación, pero ahora las exigencias del mundo adulto los expulsarán violentamente de sus dulces sueños de infancia.
La drogadicción, la violencia, la familia, la prostitución, el alcoholismo, la depresión, la indigencia o la muerte, aparecerán aquel verano como fantasmas en la vida de los muchachos, con el propósito de no abandonarlos en su imposible recorrido en metro, hasta el centro de la ciudad.
Como un relampago
DIRECTOR: Hermoso, Miguel
PAIS: España
AÑO: 1996
DURACION: 101 min
INTERPRETES: Santiago Ramos, Eloy Azorin, Asumpta Serna
Mitad de la década de los setenta, la muerte del general acaba con el régimen dictatorial de cuarenta años. La juventud de aquel momento se lanza mayoritariamente en reivindicaciones políticas de carácter humanista y social, las influencias de los Marx, Trotsky, Mao o las revoluciones latinoamericanas son el espejo intelectual de toda una generación empeñada en hacer realidad lo que acabaría revelándose como utopías.
Veinte años más tarde, los hijos de aquellos jóvenes entusiastas, desde su ahora nueva perspectiva, podrán juzgar lo que ha quedado de ellos. La mayoría, acabaron acomodándose en una nueva burguesía, más amplia y más tolerante, pero igualmente materialista y elitista.
Los más ortodoxos y fieles, no por convicción, si no por temperamento, optaron por una vía alternativa, fuera de los circuitos del poder y el dinero, en la que primaba el amor a vida, al arte, y en el fondo a un hedonismo camuflado de bohemia.
Miguel Hermoso, nos cuenta una historia sencilla, veinte años después, la de un muchacho de madre soltera, abogada de excelente posición en la capital, refugiándose de sus frustraciones revolucionarias en una maternidad obsesiva. El joven, sugestionado, busca y encuentra a su padre desmarcado de la sociedad en las islas, ejerciendo de ácrata, y mitigando su fracaso en el alcohol, las mujeres y el juego.
Un final a tres, que insinúa una reconciliación de posturas, se nos muestra claramente irrealizable, el joven ha visto por sí mismo y deberá reanudar su propia vida con su propia filosofía.
El dia de la bestia
DIRECTOR: De la Iglesia, Alex
PAIS: España
AÑO: 1995
DURACION: 97 min
INTERPRETES: Alex Angulo, Santiago Segura, A. Razza, T. Pavez
Sin duda, uno de los más representativos directores de las nuevas generaciones de cineastas del final de siglo es Alex de la Iglesia, el cual comienza su carrera entre la ciencia-ficción y el esoterismo, pero no confundir, desde un punto de vista absolutamente satírico, incluso cínico.
En esta segunda película “El día de la bestia”, –en la que cuenta con la soberbia actuación de Alex Angulo y Santiago Segura–, ironiza sobre el mundo del esoterismo diabólico y la mística folclórica.
Con un magnífico desarrollo cinematográfico Alex nos traslada a la navidad del noventa y cinco el nacimiento del anticristo, y por lo tanto, el principio del Apocalipsis (ni que decir tiene, el paralelismo temático que existe, aunque nunca conceptual, con “La semilla del diablo” de Polansky).
A través de simbologías, siempre tratadas desde los tres puntos de vista de vista de sus protagonistas, y, curiosamente, completamente contradictorias, el director nos lleva a la conclusión, absolutamente terrenal, de que efectivamente la llegada del demonio ha ocurrido. Ya esta aquí, pero en forma de intolerancia, de xenofobia, de radicalismo violento, y todo esto amparado bajo la bendición de un sumo hacedor: el capitalismo extremo. Instalado en la llamada sociedad del bienestar, y al que Alex de la Iglesia aloja en uno de los templos más representativos y horteras del mundo de la especulación.
Entre Tinieblas
DIRECTOR: Almodovar, Pedro
PAIS: España
AÑO: 1983
DURACION: 115 min
INTERPRETES: C. Sanchez, M Paredes, C. Maura, C. Lampreave
Después de sus dos primeras producciones, casi a nivel amateur, se rueda “Entre tinieblas”, con la “movida” en plena gloria y Almodovar como diva de la fiesta.
Una característica de éste director ha sido siempre su inteligencia, la suficiente inteligencia como para disfrazarla de insensata espontaneidad, o de dar un giro a su rumbo cada vez que el camino empezaba a no tener continuidad.
Almodovar por éstas alturas ha decidido aprender a “hacer cine”, ha decidido perpetuar su trabajo mas allá de la moda de rebelde que le ha encumbrado y que, naturalmente, no tardará en desaparecer. Este aprendizaje, se nota claramente con respecto a sus anteriores trabajos; no obstante, su técnica todavía deberá continuar evolucionando.
Cuando la novedad del rodar cutre las gracias de su pandilla, no da mas de sí, Almodovar, con la seguridad de los éxitos anteriores y de sentirse arropado por toda la vanguardia posmoderna, se sumerge en la búsqueda de un estilo que marcará sus mejores momentos cinematográficos a lo largo de toda su carrera: el absurdo de los Marx, la irreverencia de Buñuel, la osadía de Warhol, fundidos en una copia barata del peor kitsch del Hollywood y salpicado de románticos boleros.
En “Entre tinieblas”, cinco monjas viven en su universo aparentemente cerrado dentro del convento, y sus deseos, sus alucinaciones, sus inclinaciones sexuales y sus perplejidades, hacen un cóctel insensato y absurdo, que si no conforman una gran obra maestra, si desprende algo muy ausente en el cine español de ésos años: un confuso, pero apasionado canto a la libertad de la imaginación.
Familia
DIRECTOR: León, Fernando
PAIS: España
AÑO: 1996
DURACION: 95 min
INTERPRETES: J.L. Galiardo, Amparo. Muñoz, Agata Lys
Primer trabajo de Fernando León, de la mano del incombustible Elías Querejeta. El estilo elegido, contrasta con su producción posterior, este camino, a todas luces metafórico, será abandonado en sus siguientes trabajos por un realismo social, en el que militarán una buena parte de los realizadores jóvenes de fin de siglo.
El film nos cuenta como un hombre cincuentón y solitario, el día de su cumpleaños, contrata una compañía de teatro, para que simule ser su familia durante veinticuatro horas.
En principio, se nos viene a la memoria la película de Carlos Saura “Dulces horas”, con un planteamiento similar, y casualmente, con el mismo productor. Pronto podremos observar, que poco o nada tiene que ver la una con la otra, aparte de la coincidencia del procedimiento y de la persona del productor.
Si la película de Saura acababa siendo otra revisión de los traumas de la guerra civil, el trabajo de Fernando León, se desenvuelve en una dinámica de presente, en la que obliga al espectador a revisar sus conceptos sobre la familia. La familia como vehículo de posesión, como en todo círculo social, del más fuerte sobre el más débil.
De sumisión de sus miembros, a cambio del sustento. De la hipocresía que se revela hasta el punto de una actuación teatral e interesada. De la infidelidad consentida y mil miserias más, que el director y guionista nos desliza en forma de farsa absurda, pero que, en el fondo, viene a coincidir demasiado con las representaciones cotidiana en los hogares coherentes.
Por otra parte, y en una lectura marginal, el director madrileño, aprovecha para significar el trabajo del actor, con sus virtudes y sus miserias, que es capaz de evadir de su cruda realidad al espectador, al menos, durante el tiempo de su representación.
Flores de otro mundo
DIRECTOR: Bollaín, Iciar 
PAIS: España
AÑO: 1999
DURACION: 106 min
INTERPRETES: Jose Sancho, Luis Lostar, Lissete Mejia, Elena Irureta
En este segundo largometraje la actriz y directora Iciar Bollaín, vuelve sobre el tema de soledad y el desarraigo. Aunque con un relato completamente distinto al de su primer film, pero tan vigente en este país como aquel.
Hace unos años, viendo por televisión el western “Caravana de mujeres”, a los mozos de uno de los valles semi-abandonados del Pirineo oscense, se les ocurrió imitar la aventura de la película, como solución, para evitar la imparable despoblación del pueblo. Al margen de la anécdota, la iniciativa fue copiada mil veces, en multitud de pueblecitos en toda España.
Iciar Bollaín, en “Flores de otro mundo”, a partir de lo folclórico del asunto, se adentra en el verdadero problema que motivó tan curiosa decisión. Con una pequeña coral de personajes, –impecablemente interpretados–, el film, recoge la dificultad de encontrar una solución a la soledad y el desarraigo que acarrea consigo la sociedad “global” de los triunfadores.
Sin ninguna cortapisa, pone en evidencia la precariedad y el abandono de las poblaciones rurales de la España interior. Así mismo, el desamparo de los inmigrantes del tercer mundo, que huyendo de la miseria material, encuentran otra miseria moral, quizás, mucho más inhumana. Y como no, mencionar, aunque sea superficialmente, el problema más inminente, más numeroso y más disimulado, la soledad y la incomunicación, también está instalada en las grandes ciudades, en el corazón del sistema.
Hola ¿estas sola?
DIRECTOR: Bollaín, Iciar
PAIS: España
AÑO: 1995
DURACION: 88 min
INTERPRETES: Silke, Candela Peña, Alex Angulo, Elena Irureta
Allá por el año ochenta y tres, Iciar Bollaín, debutaba a los quince años con Víctor Erice como protagonista de “El Sur”. Tras el éxito de crítica de su primer papel como actriz, ya no ha dejado de trabajar en numerosos proyectos, siempre dentro de un cine comprometido e independiente.
Habrá que esperar tan solo hasta la mitad de los noventa, para ver a Iciar detrás de la cámara. Su primer largometraje “Hola ¿estás sola?”, quizás se pueda considerar solamente como un ejercicio de estilo, sobretodo con la perspectiva de sus filmes posteriores.
En clave de un tipo de comedia que nos hace recordar que el productor es Fernando Colomo, la joven realizadora relata de una forma ágil y desenfadada el viaje de dos jóvenes (Candela Peña y Silke) ávidas de incorporarse de forma autónoma y libre al complicado curso de la vida. Cada una con sus vivencias y sus traumas de incomprensión y desarraigo, aparentemente contrapuestos, contrastarán su sencilla ingenuidad, con la interesada y pragmática experiencia de los adultos.
Sin pretender abanderar ningún movimiento, ni transmitir posturas preconcebidas, el film además de divertir, nos devuelve a la maravillosa utopía de los veinte años. Utopía que la propia directora irá abandonando en sus posteriores trabajos, más personales, alejados de la influencia de tan particular productor.
Huntza
DIRECTOR: Conesa, Antonio
PAIS: España
AÑO: 1992
DURACION: 15 min
INTERPRETES: Joseba Aierbe, Mikel Laskurain, Reyes Moleres
El mundo del cortometraje ha sido por excelencia el medio en que han comenzado los directores consagrados. La falta de rentabilidad y las dificultades de difusión, reducidas a festivales y poco más, en vez de abrir una posibilidad como complemento a los largos en las salas comerciales, o en televisión (por ejemplo), nos dejan como resultado el desconocimiento de una serie de trabajos, mejores o peores, y algunos de verdadero interés. Pero sobretodo, el cierre del camino natural de sus autores, como paso al formato profesional.
El film que nos ocupa, del director Antonio Conesa, “Huntza” en eusquera, traducido como La Hiedra, trata de una forma lo más objetiva que su director ha considerado, el tema del terrorismo en el país vasco. El corto, en su justa medida, (los cortos siempre suelen pecar de se demasiado largos), afronta un hecho de violencia, tristemente rutinaria en estos maravillosos parajes.
El atractivo del relato, es la triple visión del mismo que hace el director. El mismo suceso se repite en quince minutos, desde el punto de vista de los ciudadanos, nacionalistas o abertzales, contrarios a las soluciones violentas, pero que acaban sufriéndolas en primera persona. El segundo punto de vista será el de los guardias civiles, – aunque parezca mentira, personas bajo el uniforme– víctimas directas de un odio irracional infundido desde sectores fundamentalistas. En el tercer pase, el protagonista es el propio terrorista, con sus miedos y su inseguridad, nos descubre que aquí todos acabamos siendo víctimas de una postura intransigente, oscura y mucho me temo que cargada de intereses poco idealistas.
