Charlot a la 1 de la madrugada
DIRECTOR: Chaplin, Charles
PAIS: USA
AÑO: 1916
DURACION: 20 min
INTERPRETES: Charles Chaplin
Cuarto cortometraje de la prolífica etapa con la Mutual Pictures, en el que, dentro del esquema clásico de estos trabajos, lo que primero destaca en esta película, es que el propio “Charlot” será el único personaje del filme.
Apoyándose en todas las técnicas, recursos y trucos conocidos para completar (sin el más mínimo guión), sus correspondientes veinte minutos, Chaplin logra una vez más un divertido producto, en el que aprovecha, conscientemente o no, para reflejar la cotidiana y habitual vida noctambula en un primitivo y “distendido” Hollywood, victima del dinero fácil y abundante.
Para completar el sarcasmo, nuestro incipiente burgués, al intentar acostarse, deberá mantener primero una dura e infructuosa pelea con las nuevas tecnologías aplicadas a la decoración domestica, ingenios que resultarán demasiado sofisticados, a la vez que inútiles, para semejante desarrollo intelectual.
Charlot bombero
DIRECTOR: Chaplin, Charles
PAIS: USA
AÑO: 1916
DURACION: 20 min
INTERPRETES: Charles Chaplin, Edna Purviance, Eric Campbell
Una vez consolidado su personaje de “Charlot” en sus etapas anteriores, y por lo tanto con más libertad de acción, y dentro del contrato que Chaplin firma con la productora Mutual, logra en esta época la evolución más importante de su protagonista, hacia lo que será considerado como “la primera persona autentica creada por el cine”.
Todavía dentro del género del cortometraje cómico, una de sus primeras películas de ese período, “El bombero”, relata, como era habitual, apoyándose en los “gags” alborotados del más puro “slapstick”, las desgracias de un joven que intenta trabajar para la respetable entidad que significaba el cuerpo de bomberos.
Siempre de una forma velada y en un segundo plano, la actitud noble e inocente del protagonista “Charlot”, pondrá en evidencia con sus torpezas la precariedad material y moral de tan importantes instituciones públicas, y de la corrupción cotidiana en el incipiente y presuntuoso Hollywood.
Como premio a su entrega y heroísmo en el salvamento de la “chica”, (en el siniestro provocado por el “malo-malísimo”), obtendrá el sincero reconocimiento de ésta en un balsámico “happy end”.
Charlot conde
DIRECTOR: Chaplin, Charles
PAIS: USA
AÑO: 1916
DURACION: 20 min
INTERPRETES: Charles Chaplin, Edna Purviance, Eric Campbell
Quinto filme correspondiente a la fructífera etapa de Charles Chaplin con la Mutual. Como consecuencia del estilo de comedias desenfadadas que el mercado y las productoras imponían, y del ritmo de creación exigido (diez o doce películas al año).
Quizás “El conde” sea una película, en la que, sin abandonar el carácter humano y crítico del mimo “Charlot”, su director se apoye y recurra más a los “gags” clásicos de la pantomima del cine mudo habitual, haciendo que este trabajo no destaque especialmente.
La sencilla trama consiste, en el olvido, por parte de un Conde, de una invitación para una fiesta de la alta sociedad, en el bolsillo del pantalón que ha dejado en el tinte.
Tintorero y ayudante, tratarán de colarse en dicha fiesta haciéndose pasar por el susodicho aristócrata. Esta situación los llevará al desarrollo de todos los episodios cómicos habituales.
Aunque quizás no sea esta una de las películas más geniales del director inglés, sí aprovecha para imponer implacablemente su visión personal del mundo que le rodea, frente al falso e hipócrita reino de las estrellas del acaudalado Hollywood.
Reino, en el que paradójicamente estaba reconocido y confortablemente instalado el gran cómico judío.
Charlot el emigrante
DIRECTOR: Chaplin, Charles
PAIS: USA
AÑO: 1917
DURACION: 20 min
INTERPRETES: Charles Chaplin, Edna Purviance
Dentro de la época que mayor desarrollo supuso para su personaje “Charlot”, como fue su contrato con la Mutual Pictures, Chaplin produce el cortometraje “El inmigrante”, en el que alcanza uno de los mayores grados de humanización, dentro de la obligada pantomima cómica.
En los escasos veinte minutos de su metraje, sin abandonar la alocada comedia al uso, el filme muestra, de un lado, la miseria en la tercera clase de los transatlánticos, las penalidades del acceso de los inmigrantes humildes a la mítica tierra prometida, y además, las picardías para subsistir posteriormente en el precario mundo de la mendicidad.
Escenas y situaciones captadas en forma extremadamente cómica, como exigía el mercado en aquel momento, pero cargadas de un amargo mensaje que muchos años después, y con mucha menos modestia, retomarán los Kazan en su “América, América” o Ford Coppola en sus “Padrinos”.
Por otro lado, Chaplin no olvida su llamada a los sentimientos del ser humano, del amor, de la tolerancia,… como venia ya siendo habitual en el tierno y estrafalario vagabundo universal.
Charlot prestamista
DIRECTOR: Chaplin, Charles
PAIS: USA
AÑO: 1916
DURACION: 25 min
INTERPRETES: Charles Chaplin, Edna Purviance, Eric Campbell
El cortometraje “The pawnshop”, traducido al castellano como “El prestamista”, fue considerado en su momento como uno de los filmes más completos entre la producción habitual de cortos cómicos destinados a completar los programas en las salas cinematográficas.
Con un guión mínimamente elaborado (habitualmente no existía ninguno), Chaplin hace abandonar de momento, el carácter melancólico y romántico a su humilde “Charlot”, para darle en esta ocasión un matiz más picaresco y vivaz.
Como descarado empleado en una “casa de empeños”, “Charlot” desarrollará sus alocadas peripecias en medio de un inhabitual número de actores en el reparto, con media docena de protagonistas implicados conjuntamente en la trama.
Dentro de la innovacion que supuso esta aventura, hasta se atrevió con la inserción de una pequeña peripecia policial, que daba pie a la culminación de la historia con el consabido éxito. Pero esta vez, y como excepción, será un éxito heroico del universal vagabundo, y no romántico como caracterizó su más importante filmografía.
Charlot vagabundo
DIRECTOR: Chaplin, Charles
PAIS: USA
AÑO: 1916
DURACION: 20 min
INTERPRETES: Charles Chaplin, Edna Purviance, Eric Campbell
Perteneciente al grupo de cortos que en 1916 Chaplin realiza para la Mutual, período que supuso el mayor enriquecimiento en el aspecto humano de la carrera del mimo “Charlot”.
El filme “El vagabundo” se aleja cada vez más del golpe de efecto gratuito, sin ningún significado, (no hay que olvidar que estamos todavía muy lejos del cine de autor), acercándose paulatinamente a lo que al final de su carrera serán catalogadas como verdaderas críticas sociales.
En la primera parte de este pequeño filme, el vagabundo, representa, en forma de músico ambulante, al artista independiente, que se las tiene que ingeniar picarescamente para sobrevivir contra las “bandas” (¿musicales?) organizadas.
Pronto el relato se vuelve, sin nada que ver con el comienzo, hacia la melodramática historia de una dulce muchacha raptada y maltratada por un grupo de “malísimos” gitanos (¿vena racista?), de los que será rescatada valientemente por el bondadoso músico-vagabundo y de la que se enamorará platónicamente.
Mediante la incorporación al lenguaje de la técnica de “acciones paralelas”, Chaplin desarrolla el feliz encuentro de la “chica” con su verdadera y adinerada familia, que la vuelven a rescatar, esta vez, de la miseria del músico (¿concesión clasista?).
El desdichado mimo, con la pérdida de su enamorada, queda sumido en una de las más patéticas escenas de soledad, que el incipiente cine había ofrecido hasta entonces.
Pero esto no iba a ser de buen recibo para el publico. El buen corazón de la muchacha, hará retroceder el camino andado para recuperar a su buen samaritano, y terminar en otro inevitable, de momento, final feliz.
Che?
DIRECTOR: Polansky, Roman
PAIS: USA
AÑO: 1972
DURACION: 115 min
INTERPRETES: Marcello Mastroianni, Sydne Rome, Hugh Griffith
Conforme avanza la filmografía de Roman Polanski, queda más evidente el carácter de cineasta “puro” que encierra su trabajo.
Después de la misteriosa muerte de su esposa, y tras unos años de pausa, reaparece el director polaco en Italia con “Che?”, volviendo a retomar, ahora revisado y aumentado, su sentido del humor y, sobretodo, del erotismo.
Si en sus anteriores filmes, se podía apreciar una influencia de maestros como Hitchcock, en esta desconcertante película la influencia deberíamos buscarla directamente en el absurdo de los Marx, o en el surrealismo más absoluto.
El guión nos presenta una esplendida Sydne Rome, turista americana, que azarosamente ira a parar a una paradisíaca villa sobre la costa azul. Lugar, como siempre cerrado y aislado, pero ahora sin ninguna claustrofobia, abierto al mar, al cielo, y sobretodo a la luz del Mediterráneo, en un ejercicio de optimismo que sorprende en Polanski. Pronto la muchacha se va a quedar sin ropa, y así, semidesnuda desarrollara su aturullado papel en el film.
Una desnudez, erótica, no pornográfica, y una desnudez que simboliza la inocencia, frente a la sucia mirada de una pléyade de individuos extraños, insólitos, irracionales… una casa de locos, que encabezados por Marcello Mastroianni, perseguirán y acosará sin ton ni son a la joven turista. Todo, dentro de ningún contexto, de ninguna historia, sin ningún hilo conductor, sin ninguna concesión literaria o ideológica, en el más puro de los absurdos; una temática digna de la misma Bauhaus.
Y a pesar de todas estas incoherencias, con una realización espléndida, la película resulta cautivadora, se ve extraordinariamente, cerrando el film de una forma circular y con un claro manifiesto de “el cine, por el cine”.
Chinatown
DIRECTOR: Polansky, Roman
PAIS: USA
AÑO: 1974
DURACION: 128 min
INTERPRETES: Jack Nicholson, Faye Dunaway, John Hillerman
Muy lejos de sus primeros trabajos más intelectuales y enrevesados, ahora ya afincado, por el momento, en Estados Unidos y en su cine más lineal, Roman Polanski, rueda uno de sus mayores éxitos de taquilla “Chinatown”.
En su progresiva decantación hacia un cine en estado puro, sin pretensión de utilizarlo como portavoz de personales filosofías, aquí estamos quizás sencillamente ante un buen film policiaco, aderezado por las habituales provocaciones del director.
El tema del film lo podemos tomar como una excusa, (McGuffin en términos hitchconianos), únicamente para rodar una película. En éste, se debate la especulación del suelo y la escasez de agua en el municipio de Los Angeles, ante la prevaricación de los políticos y la falta de escrúpulos de los magnates del capital.
A partir de aquí una serie de enrevesados acontecimientos hará entrar en escena a un detective privado (Jack Nicholson) que ignorante de todo el entramado, nos hará de lazarillo, descubriendo la compleja intriga a la vez que el propio espectador.
Vuelve, no obstante, el director polaco a su pesimismo habitual, con un amor imposible y complicado (Faye Dunaway) y dejando que un desdichado azar protagonice el desenlace final de la película, en una espiral de infortunio que llevará al protagonista, de nuevo, a repetir su desgraciada historia profesional, en el que el deseo de ayuda, desembocará en inevitable tragedia.
Un filme de género, en el que Polanski se pasea con maestría por los clásicos de Hollywood, para ofrecer un producto redondo, en el que, una vez más, nos demuestra su sorprendente capacidad de, simplemente, hacer cine.
Cinema Paradiso
DIRECTOR: Tornatore, Giuseppe 
PAIS: Italia
AÑO: 1989
DURACION: 124 min
INTERPRETES: Philippe Noiret, Jacques Perrin, Salvatore Cascio
El cine italiano de final de los noventa, al igual que el resto de la cinematografía mundial, no pasa por momentos comercialmente álgidos precisamente, recurriendo a una serie de películas amenas, que enlazan de alguna manera con el realismo italiano de hace ya décadas, y que proporcionará algunos títulos interesantes.
Quizás sea “Cinema Paradiso” la primera película de esta época en conseguir el beneplácito de público y crítica, respaldada por una serie de premios, dará pie a una continuación en el cine italiano de finales de siglo.
La película se resume claramente como un homenaje al cine. En clave de melodrama costumbrista, relata en “flash back” a través del personaje de Salvatore, –ahora prestigiosos director de cine en Roma–, la vida de una pequeña población italiana durante los años posteriores a la segunda guerra mundial. El salón de cine en el pueblo del niño Toto (Salvatore), era el centro neurálgico de la vida social, cultural, el eslabón con el resto del mundo, y como no, con la fantasía.
A través de la afición del niño y de la complicidad de su amigo Alfredo (Philipe Noiret), el operador de proyección, el film rinde homenaje a lo que representaron estas salas en los precarios años cincuenta. Alusiones a los clásicos de Hollywood, con su temática escapista, alternan con el guiño a los más crudos neorrealistas europeos.
Pero a través de la excusa del cine, el propio cine vuelve a reflexionar sobre el comportamiento del hombre. Salvatore, instalado en el éxito de la gran ciudad desde hace treinta años, a raíz de la noticia de la muerte de Alfredo, hace un repaso sobre su pasado, sobre aquella vida mísera y limitada, pero tranquila y humana, sobre su infantil pasión por el celuloide, sobre aquel insustituible primer amor desaparecido en la emigración a las grandes urbes, o en la voluntaria renuncia a mirar atrás por miedo a regresar.
Ahora, de nuevo de la mano del difunto Alfredo, regresará para reconocerse en sus raíces, y para asumir que el paso del tiempo ha dejado atrás una forma de vida, desaparecida, como el viejo salón de cine, pero que constituyeron los sólidos cimientos del presente.
El film, perfectamente realizado, quizás se le pueda achacar un exceso melodramático, la amabilidad de su tratamiento, contrasta con sus antecesores neorrealistas, y la perspectiva comercial predomina frente a la trama social. Curiosamente, tal y como refleja el argumento del film.
Ciudadano Kane
DIRECTOR: Welles, Orson
PAIS: USA
AÑO: 1941
DURACION: 115 min
INTERPRETES: Orson Welles, Joseph Cotten, Everett Sloane
Irrumpe Orson Welles con sus veinticinco años en la meca del cine, precedido de una merecida fama en el mundo de la radio y del teatro, en el que era fundador del Mercury Theatre en Nueva York. E irrumpe por la puerta grande de Hollywood, como un niño prodigio, en el que la gran industria pondrá de inmediato todas sus esperanzas.
Así pues, ya en su primera obra, disfrutará de privilegios y libertades vedadas al resto de directores, por muy prestigiosos que fueran.
En “Ciudadano Kane”, se pretendió ver, y seguramente con razón, una biografía del multimillonario Hearts, aunque no deje de ser una ambigua representación en general de los J.P. Morgan, Rokefeller, Onassis, Turner, March,… etc.
El film comienza con la muerte del magnate, por lo que, la narración de su vida, o más bien la narración de la búsqueda de su vida personal, constituirá un gigantesco flash-back
La exposición oficial de su vida pública, Welles, la despacha en diez minutos, en forma de noticiario, para pasar inmediatamente a echar en falta una mayor profundización en la autentica y desconocida personalidad de Kane.
La clave de su misteriosa faceta, parece encontrarse en la última palabra que pronunció en el lecho de muerte: “Rosebud”. La investigación de su significado, nos hará recorrer, a través de las narraciones de sus más allegados colaboradores, una segunda visión, más particular, del popular ciudadano. Pero, “Rosebud”, acabará consumido por el fuego, sin llegar a saber su significado. Imposibilidad ya anunciada en el principio y final de la película, con un cartel en la entrada de su castillo, con la imperativa leyenda de:“No pasar”.
Aunque el espectador, desde su privilegiada disposición, sí que interpretará que es el símbolo de una infancia perdida, de una educación materialista, lejos del calor de su familia, y que marcará toda una existencia, llena de frustraciones, tratando siempre de demostrarse algo, de justificar su propia debilidad, a través del poder desmesurado.
Pero, sin olvidar el impacto de su corrosiva crítica al capitalismo radical, quizás la aportación más valorada con el paso del tiempo, hayan sido sus incorporaciones técnicas y estilísticas en la forma de narrar.
Admirador declarado de Griffith, –y de Ford sin declarar, pero resulta evidente– toma elementos de éstos, para, junto con aportaciones propias, generar una forma de hacer, que marcará una inflexión en la narrativa del cine.
La fotografía expresionista, la profundidad de foco, la inclusión de los techos o las luces oblicuas; los movimientos de los actores en profundidad, manteniendo fija la cámara, y dándoles más libertad de expresión. Por no decir de los montajes en paralelo, los flash-back, o las elipsis, aprendidos directamente de los pioneros del cine mudo. Todos estos recursos, ahora en manos de Welles, tomarán una nueva dimensión, configurando un estilo propio, absolutamente personal e inmediatamente reconocible.
Pero, la dificultad de lectura de tanta innovación junta, unido a la trama, altamente molesta para la plutocracia americana, darían como resultado, que “Ciudadano Kane”, una de las piedras angulares del cine, fuera un fracaso comercial, y que la carrera de Welles, iniciara una tortuosa cuesta abajo en la industria oficial, circunstancia que acabará por ser el determinante de una obra excesivamente corta, de su forzado exilio, y de un reconocimiento, más que tardío, de su aportación al séptimo arte.
