Hanna y sus hermanas
DIRECTOR: Allen, Woody
PAIS: USA
AÑO: 1986
DURACION: 100 min
INTERPRETES: Michael Caine, Mia Farrow, Woody Allen
Tras algunas incursiones en otros temas que imprimen variación a su obra y le dan oportunidad de demostrar su genio y su ingenio de cineasta independiente, vuelve Woody Allen a lo que será el tronco principal de su obra, el irónico estudio de los individuos “manhattanianos”.
El propio título nos induce a pensar que se trata de una película sobre personajes femeninos, personajes, por otra parte, que nunca ha descuidado en sus filmes. La observación del comportamiento de cinco mujeres, cuatro hermanas y su madre, con sus problemas profesionales, con los hombres, entre ellas mismas, etc., tiene la autentica réplica en sus parejas masculinas, posiblemente, los verdaderos protagonistas desde el punto de vista del director.
Alguno de ellos, o quizás una mezcla de todos, reflejan un claro y habitual componente autobiográfico, con su grandes preocupaciones de cuarentón: el percibir el imparable paso del tiempo, el sentir de cerca la vejez frente a la juventud, y a toda una colección de dudas existenciales, que tratará de resolver, o al menos de aliviar, volviendo a una inevitable, tópica y resignada relación de pareja, con un futuro condenado irremediablemente, y de nuevo, al fracaso.
Help!
DIRECTOR: Lester, Richard
PAIS: Gran Bretaña
AÑO: 1965
DURACION: 90 min
INTERPRETES: The Beatles
A la sombra del éxito cosechado con “Que noche la de aquel día” la productora repite la formula de The Beatles y Richard Lester, para realizar el segundo film del grupo británico, “Help”.
Con una formula cinematográfica similar a su primer éxito, esto es humor absurdo, slapstic, y la continua presencia de los cuatro músicos, todo ello aderezado con el fin último de la película, la música. Lester se basa ahora en una historia de aventuras en la que Ringo es perseguido por excéntricos motivos, y con él, el resto del cuarteto.
Pero si el primer film rompió con el cine musical clásico, “Help”, dentro del superficial género, va un paso más allá. Ahora con la utilización del color, y la disociación de las interpretaciones de cualquier tipo de realidad documental, Lester está poniendo los cimientos a lo que años más tarde, y con soportes menos rígidos (video, digital, etc), se desarrollaría con el nombre de video-clips, especialmente para televisión, y que acompañarán inevitablemente a cualquier lanzamiento musical.
Hiroshima mon amour
DIRECTOR: Resnais, Alain
PAIS: Francia
AÑO: 1959
DURACION: 91 min
INTERPRETES: Emmanuelle Riva, Eiji Okada
A medio camino entre el documental de denuncia, del que Alain Resnais es experto, y el cine de autor, “Hiroshima mon amour” resultará ser uno de los filmes capitales para la consolidación del nuevo cine francés en el mundo del celuloide.
La película, comienza a modo de documento, sobre los horrores que produjo el ataque aliado a la ciudad de Hiroshima. El recuerdo de lo sucedido, es relatado por una actriz francesa, que se encuentra en la ciudad rodando a su vez un film de denuncia sobre el tristemente famoso bombardeo (cine dentro del cine).
Una esporádica relación de amor entre la actriz europea y un hombre japonés, hará de catalizador, para que la mujer, confiese su historia, revelando y liberándose de un pasado que amenazó con arruinar su vida. Ni más, ni menos que un apasionado amor con un soldado alemán, durante la ocupación nazi de su país. Pecado, que le hicieron pagar con ensañamiento sus paisanos, al término de la contienda.
Los horrores personales de la joven en Francia tras la liberación, –que no perdonó lo evidente, aunque se apresuró a ocultar la actitud pasiva y consentida de una mayoría del pueblo–, cobrarán un paralelismo con los horrores colectivos en Japón, lo que reforzará, en contraste con el apasionado romance oriente-occidente, la denuncia inteligente y demoledora, de las guerras, cualquiera que sea el lugar o el bando que analicemos.
Historias de la radio
DIRECTOR: Saenz de Heredia, J.L
PAIS: España
AÑO: 1955
DURACION: 92 min
INTERPRETES: Francisco Rabal, Margarita Andrey, Tony Leblanc
De una moderada, pero innegable adscripción al régimen, se puede considerar al director José Luis Saenz de Heredia, que con una mirada al servicio de los ideales imperantes y otra a los intereses comerciales de importación a que daban derecho las producciones nacionales, nos presenta un balance de su carrera sesgado y poco, o nada, brillante.
Como un paréntesis en su floja e interesada carrera, destaca la comedia melodramática “Historias de la radio”. Una serie de episodios, ligados en torno al mundo de la radio y su poder mediático en los años cincuenta.
Trabajo que no puede dejar de recordarnos, positivamente, al maestro del optimismo, Frank Capra, y en el que, por una vez, sin hacer alardes de maniqueísmo político, Saenz de Heredia logra filmar una agradable comedia con final de suspense, entre el dramatismo fácil y el optimismo humanitario.
Pero el principal valor de este tipo de filmes, hay que buscarlo detrás de las historias protagonistas. La forma de rodar heredada del neorrealismo italiano, en tiempo y espacios reales, nos proporciona, al margen del entretenimiento y con el filtrado imprescindible, una visión insustituible de su época, de sus ciudadanos y de sus costumbres,… aunque aquí estuvieran bastante coaccionadas.
Hola ¿estas sola?
DIRECTOR: Bollaín, Iciar
PAIS: España
AÑO: 1995
DURACION: 88 min
INTERPRETES: Silke, Candela Peña, Alex Angulo, Elena Irureta
Allá por el año ochenta y tres, Iciar Bollaín, debutaba a los quince años con Víctor Erice como protagonista de “El Sur”. Tras el éxito de crítica de su primer papel como actriz, ya no ha dejado de trabajar en numerosos proyectos, siempre dentro de un cine comprometido e independiente.
Habrá que esperar tan solo hasta la mitad de los noventa, para ver a Iciar detrás de la cámara. Su primer largometraje “Hola ¿estás sola?”, quizás se pueda considerar solamente como un ejercicio de estilo, sobretodo con la perspectiva de sus filmes posteriores.
En clave de un tipo de comedia que nos hace recordar que el productor es Fernando Colomo, la joven realizadora relata de una forma ágil y desenfadada el viaje de dos jóvenes (Candela Peña y Silke) ávidas de incorporarse de forma autónoma y libre al complicado curso de la vida. Cada una con sus vivencias y sus traumas de incomprensión y desarraigo, aparentemente contrapuestos, contrastarán su sencilla ingenuidad, con la interesada y pragmática experiencia de los adultos.
Sin pretender abanderar ningún movimiento, ni transmitir posturas preconcebidas, el film además de divertir, nos devuelve a la maravillosa utopía de los veinte años. Utopía que la propia directora irá abandonando en sus posteriores trabajos, más personales, alejados de la influencia de tan particular productor.
Huevos de oro
DIRECTOR: Bigas Luna
PAIS: España
AÑO: 1993
DURACION: 83 min
INTERPRETES: Javier Bardem, Maria de Madeiros, Maribel Verdú
Dentro de su habitual desparpajo trasgresor, Bigas Luna realiza una trilogía sobre la idiosincrasia del macho ibérico, su prepotencia, sus ambiciones, y sobretodo, su comportamiento frente al sexo.
Perteneciente a esta trilogía “Huevos de oro”, es quizás el trabajo más representativo de la idea general del director catalán.
Benito (Javier Bardem), un joven tan inculto y simple como ambicioso y falto de escrúpulos, está obsesionado con hacerse millonario, construyendo la torre más alta de Benidorm, símbolo fálico, en la ciudad más representativa de la agresiva especulación inmobiliaria. Para esto, no dudará en casarse con la hija del banquero (María de Medeiros), en alternarla y compartirla con su amante (Maribel Verdú), o en traicionar a su mafioso socio.
Las heterodoxas prácticas del nuevo empresario, en un país donde la corrupción está omnipresente, lo elevarán a tan deseado como efímero éxito. El infortunio y el exceso de codicia, sexual y económica, le obligarán a huir, emigrando a Florida, allí, lejos de su sórdido ambiente de corruptelas, acabará en el vértice opuesto de sus tan deseados triángulos.
Bigas Luna, ridiculiza hasta la compasión, un tipo autóctono del país que emerge en todos los campos, a base de descaro, atrevimiento suicida y falta de ética. La generalización, nunca es acertada, pero individuos como Benito están ahí.
Huntza
DIRECTOR: Conesa, Antonio 
PAIS: España
AÑO: 1992
DURACION: 15 min
INTERPRETES: Joseba Aierbe, Mikel Laskurain, Reyes Moleres
El mundo del cortometraje ha sido por excelencia el medio en que han comenzado los directores consagrados. La falta de rentabilidad y las dificultades de difusión, reducidas a festivales y poco más, en vez de abrir una posibilidad como complemento a los largos en las salas comerciales, o en televisión (por ejemplo), nos dejan como resultado el desconocimiento de una serie de trabajos, mejores o peores, y algunos de verdadero interés. Pero sobretodo, el cierre del camino natural de sus autores, como paso al formato profesional.
El film que nos ocupa, del director Antonio Conesa, “Huntza” en eusquera, traducido como La Hiedra, trata de una forma lo más objetiva que su director ha considerado, el tema del terrorismo en el país vasco. El corto, en su justa medida, (los cortos siempre suelen pecar de se demasiado largos), afronta un hecho de violencia, tristemente rutinaria en estos maravillosos parajes.
El atractivo del relato, es la triple visión del mismo que hace el director. El mismo suceso se repite en quince minutos, desde el punto de vista de los ciudadanos, nacionalistas o abertzales, contrarios a las soluciones violentas, pero que acaban sufriéndolas en primera persona. El segundo punto de vista será el de los guardias civiles, – aunque parezca mentira, personas bajo el uniforme– víctimas directas de un odio irracional infundido desde sectores fundamentalistas. En el tercer pase, el protagonista es el propio terrorista, con sus miedos y su inseguridad, nos descubre que aquí todos acabamos siendo víctimas de una postura intransigente, oscura y mucho me temo que cargada de intereses poco idealistas.
If
DIRECTOR: Anderson, Lindsay
PAIS: Gran Bretaña
AÑO: 1968
DURACION: 111 min
INTERPRETES: Malcolm McDowell, David Wood, Richard Warw
Sin duda la película que mayor éxito tuvo en la corta filmografía de Lindsay Anderson, fue la provocativa “If”. Encuadrada todavía en la tendencia del “free cinema”, más por su filosofía que por su estética, el film resultó un claro referente en el cine reivindicativo de la década de los sesenta.
Anderson localiza su historia en un internado masculino de la más rancia educación británica, para denunciar los métodos, hasta el momento vigentes, con el que eran formados –o deformados– los jóvenes destinados a liderar la conservadora sociedad victoriana.
Con un formato entre documentalista a veces, surrealista otras y para terminar en utópica metáfora, Anderson critica ferozmente un sistema autoritario y dogmatizante, que aplica a través de la educación los más férreos métodos militares, hasta someter, o bien eliminar, a los más rebeldes.
Si bien el desarrollo del film muestra de una forma convincente la hipócrita y manipuladora formación en un prestigioso college privado, e incluso las ensoñadoras incursiones en el ámbito humanista y social ofrecen un contrapunto a la situación de represión colegial, un final desmesurado e histriónico hacen del film una obra, al menos discutible, e irremediablemente sometida a un envejecimiento difícilmente soportable más allá de los nostálgicos.
No obstante, encuadrada en el ya clásico género docente, “If” se sigue confirmando como uno de los referentes en la denuncia de la consabida manipulación educativa, inseparable de cualquier tendencia social, y de cualquier color político.
Interiores
DIRECTOR: Allen, Woody
PAIS: USA
AÑO: 1978
DURACION: 87 min
INTERPRETES: Diane Keaton, K. Griffith, M. Hurt, G. Page
Trabajo, en apariencia intimista, que rompe con el estilo de su anterior filme “Annie Hall”, ruptura en su momento desconcertante, y que Allen repetirá periódicamente, como inesperados regalos de genialidad.
La película destaca por su impecable realización formal, un sobresaliente para un alumno de cualquier universidad en técnica cinematográfica: planos exquisitamente compuestos, diálogos de libro, fotografía impecable, y sobre todo, el color gris, único en todo el filme, salvo un osado rojo como perfecto contrapunto cromático.
Tanta armonía, creada por la madre de una familia con tres hijas, dentro de un matrimonio clásico y conservador, provoca que la vida sentimental de los personajes se debata en una continua ansiedad.
Consecuencia de la propia falta de vida sentimental, sacrificada en las relaciones fingidas e hipócritas, en nombre de la tal armonía.
A lo largo del filme, se van revelando estas frustraciones, y aparecen paulatinamente las deserciones: el educadísimo divorcio del padre, los enfrentamientos y los reproches de las hermanas, los matrimonios de compromiso y, el abandono final a la madre con la negación de la “idea armónica”.
La irrupción de aire fresco en estos interiores viciados, a través de la nueva y chocante compañera del padre, hará tambalearse, con su trato vitalista y natural y con su vulgar vestido rojo, todo el perfecto y delicado ensamblaje de perfectos grises.
Estéticas y sutilezas aparte, sí es cierto que Woody Allen, pone el dedo en la llaga de un tipo de élite social que antepone el intelecto a cualquier otro valor personal. Sí es cierto que ironiza sutil pero cáusticamente sobre los perfectos ejercicios de forma pero sin ningún contenido. Y por último, entre ironías y ejercicios, sí es cierto que nos habla de la incomunicación y de la soledad, a la que se puede llegar, al crear en unos “interiores” diseñados tan cuidadosamente, que no dejan lugar a los sentimientos espontáneos.
Intolerancia
DIRECTOR: Griffith, David W.
PAIS: USA
AÑO: 1916
DURACION: 170 min
INTERPRETES: Mae Marsh, Robert Harron, Lillian Gish, Elmer Clift
La segunda gran superproducción de Griffith, constituye un amplio fresco de cuatro lances históricos, destinado a mostrar las desgracias provocadas por la intolerancia religiosa o social en la historia de la humanidad.
Griffith utiliza en este filme, hasta sus últimas consecuencias, su técnica de las acciones paralelas al desarrollar los cuatro episodios, alternándolos en el montaje para reforzar su paralelismo simbólico.
El episodio principal, y base del filme, ambientado en la época real, muestra la injusticia a la que se puede llegar por la aplicación estricta de la ley, sin dejar lugar a la duda de un posible error o manipulación de la legalidad. En un segundo episodio, la ambición por el poder de las distintas facciones del poder en la antigua Babilonia, acabará para la humanidad con la irreparable pérdida de una de las más florecientes civilizaciones. Similar comportamiento se produciría en la matanza de católicos y protestantes en la revuelta hugonote, en la Europa de la transición de la edad media. Por último y con muy poco contenido, Griffith hace referencia a la intolerancia que condujo a Jesús de Nazaret a ser sacrificado en la cruz.
No deja de ser curioso que Griffith, que acababa de filmar el gigantesco panfleto contra la raza negra “El nacimiento de una nación”, hiciera gala aquí de generosas ideas sociales. Pero éstas deben ser las contradicciones típicas de un pionero autodidacta.
El talento de Griffith, creó con excepcional sentido cinematográfico una obra de ritmo prodigioso, que no debía nada a la técnica teatral y que utilizaba sistemáticamente los recursos de una dramaturgia visual, que crearía la base de la escuela del cine, como lo entendemos hoy en día.
No obstante demostró en otros aspectos graves limitaciones; la psicología de sus personajes vuelve a ser rudimentaria y los conflictos que narra elementales y folletinescos.
Tal vez, de haber llegado unos años mas tarde al cine, inventada ya la sintaxis visual que él creó, sería hoy un desconocido artesano de películas mediocres.
