La Diligencia
DIRECTOR: Ford, John
PAIS: USA
AÑO: 1939
DURACION: 100 min
INTERPRETES: John Wayne, Clarie Trevor, Andy Devine
En las circunstancias políticas de finales de los treinta, con la guerra de Europa a punto de estallar y con un incipiente fantasma en forma de comunismo; Ford, evitará siempre el enfrentamiento directo con los grandes poderes.
Sin renunciar a sus propios análisis, aunque tratando de eludir cualquier conflicto político, recala de forma sistemática, en una de sus pasiones: la historia reciente de sus (nada disimulados) queridos Estados Unidos. En este contexto, rueda “La diligencia”, la que, a la postre, será su mejor película de la anteguerra, y la que marcará para siempre, una nueva forma, una mayoría de edad en el tratamiento del western.
La película en sí, no relata más que uno de los numerosos viajes de este mítico vehículo, accidentado por una de las también frecuentes escaramuzas con los indígenas. Bajo esta excusa, Ford, reúne en circunstancias no habituales, recluidos a la fuerza dentro de un crispado viaje, a personajes absolutamente dispares. Desde el respetable banquero o la aristocrática dama, a la despreciada prostituta, el médico alcohólico o el fugitivo de la justicia.
La situación, conforme se va tornando amenazadora, hará desaparecer de cada uno de ellos la capa de prejuicios con la que estaban etiquetados socialmente, e irán afrontando un intercambio de sentimientos, insólito en circunstancias normales, y que acabarán en una fuerte solidaridad en los momentos de máximo peligro.
Ford, al igual que los grandes realizadores de la época, están imponiendo nuevas y definitivas innovaciones en el lenguaje: trabajada iluminación, acción en profundidad, exteriores naturalistas o los soberbios interiores, perfectamente ambientados. Pero la gran aportación de su sello personal, será la introducción del aspecto psicológico en los personajes de sus filmes: la soledad del individuo frente a sí mismo, y su concepto de familia o de clan solidario donde encontrar apoyo. Sin olvidar, su particular y asidua visión romántica sobre el nacimiento de una nación.
La Dolce Vita
DIRECTOR: Fellini, Federico
PAIS: Italia
AÑO: 1960
DURACION: 170 min
INTERPRETES: Marcelo Mastroianni, Anita Ekberg, Anouk Aimee
Sin duda “La dolce vita” representa el trabajo más reconocido de Federico Fellini. Evolucionando desde el neorrealismo hasta un realismo social, menos dramatizado y más reconocible, en una Italia que evoluciona de las trágicas consecuencias del fascismo y la segunda guerra mundial.
Ya en los sesenta, las situaciones límite que reflejaban sus colaboraciones con Rosellini, incluso la más comedida denuncia social posterior, va quedando atrás con el despegue económico en Europa, y por consiguiente en su país. El denunciar las miserias que crecen en los márgenes del capitalismo, ya no es agradable para un público que ve mejorar día a día su estatus económico y que prefiere instalarse en un optimismo más material.
Fellini, en la que quizás constituya una de sus obras maestras, insiste en un cine de denuncia, un cine que pretende ser el reflejo del lado más oscuro de su sociedad, ahora en el estado catatónico de un incipiente bienestar.
A través de un mediocre periodista de la prensa rosa, Fellini, nos irá presentando las miserias de las nuevas clases acomodadas, sustitutas de las viejas aristocracias. El mísero reportero (Marcello Mastroianni), acompañado de su inseparable fotógrafo Paparazzo, pasará sus noches en Vía Veneto persiguiendo una instantánea o una insulsa declaración de los personajes vacíos y vacuos que pueblan el papel couché de las revistas, como principal alimento intelectual de una remodelada clase media trabajadora.
Desde el escaparate que supone las famosa Vía, y a través de los periodistas, el film hace desfilar, en primer lugar, a la propia prensa, decantada en una carrera por la comercialidad, sin ninguna ética profesional; y a través de ella los personajes superficiales e histriónicos que la alimentan. Así pues, desde príncipes de una monarquía desaparecida a mediocres actores de cine, se alternan con prostitutas de lujo o desagradables putas baratas.
No será menos atractivo para la prensa del corazón, las supersticiones provocadas por una iglesia que ya vislumbra su decadencia, (y que no podía pasar desapercibida al ateismo declarado del maestro), inventándose milagros o cualquier tipo de patraña que cope una primera plana.
El mundillo seudo intelectual, el morbo de un buen suicidio, el escándalo de cualquier político, las elitistas reuniones de una decadente aristocracia en plena república, donde solo caben las putas de lujo, o las orgiásticas fiestas de unos nuevos ricos, que no saben que hacer con su dinero fácil o su libertad involuntariamente encontrada, serán objeto del ácido análisis.
La gran diferencia que se aprecia en el cine de Fellini, es su observación desde un punto de vista subjetivo. Aquí, no relata una sociedad que observa, el director describe una sociedad en la que vive, en la que se ha convertido desde posturas, ahora, socialmente utópicas. El cine del director italiano, desde esta dulce vida hablará una buena temporada en primera persona.
Y en primera persona, a modo de metáfora surrealista, el film terminará revelando el monstruo atrapado en la red, y de forma circular, la incomunicación con la que comienza y termina la película.
La Edad de Oro
DIRECTOR: Buñuel, Luis
PAIS: Francia
AÑO: 1930
DURACION: 63 min
INTERPRETES: Gaston Modot, Lya Lys, Max Ernst
Esta su segunda película, y última de la época puramente surrealista de París, comienza con un documental sobre la vida de los escorpiones; éste inicio, de doble lectura, nos da la tónica de objetividad que se va a aplicar a la sociedad, diseccionando los mecanismos sociales, no como la costumbre nos hace verlos, sino con la debida distancia.
Exaltación surrealista del “amour fou” (amor loco) y denuncia de todos los mecanismos sociales y psicológicos que entorpecen su realización. Lanza Buñuel un ataque demoledor a lo que suele denominarse “el orden establecido”, coronado con un homenaje blasfemo al marques de Sade.
Parece concluir que solo la represión del deseo puede asegurar unas bases firmes para la civilización judeo cristiana, y a la inversa, el triunfo del “amour fou” significaría la vuelta a la Edad de Oro, la de la armonía del hombre con la naturaleza y sus instintos
La Encajera
DIRECTOR: Goretta, Claude
PAIS: Francia
AÑO: 1976
DURACION: 110 min
INTERPRETES: Isabelle Hupper, Yves Beneyton, Florence Giorgett
A modo de positiva secuela, surge un nuevo cine suizo, que seguirá los pasos emprendidos por el vecino cine francés de los sesenta. Un realismo social y politizado, nos muestra la imagen critica de una sociedad que estaba comenzando a digerir la pírrica revolución de la “divine gouche”, colocando a cada cual en su sitio, al margen de modas y tendencias seudo filosóficas y culturales.
Claude Goretta, con “La encajera”, refleja este mundo absolutamente teórico, que proponía la igualdad, pero que en definitiva estaba siendo incapaz de, ni siquiera, ponerla en marcha.
El film, en una primera parte, desgrana deliciosamente, la apacible y cándida vida de Beatriz, una joven trabajadora, sin estudios, cuyo único fin que se ha planteado es vivir una vida modesta, entregada al amor que le reclama su incipiente juventud.
Ya desde el comienzo del film, el contrapunto de su compañera, mayor que ella, escéptica y desengañada en sus relaciones masculinas, nos adelanta un pesimista futuro para la inocencia de la adolescente.
Pero el giro político, vendrá en la segunda parte. Beatriz se enamora, y es correspondida, de un joven estudiante y militante comunista. Paradójicamente, como en tantos casos, hijo de una acomodada familia.
En el idílico romance inicial, irán apareciendo las diferencias. Diferencias aceptadas serenamente por la joven, pero enfrentadas a la intolerancia del “progresista revolucionario”, que no acepta la sencillez de los sentimientos, sin el tamiz intelectual que impone la nueva burguesía cultural.
Como algo habitual, él propondrá romper la relación, “como el patrono despide al empleado que no le satisface”, le reprochará un colega de militancia.
La reacción de la muchacha, por el contrario, atañerá a sus profundos sentimientos. Los ideales de amor sincero, se han ido a pique. La depresión hará que Beatriz sea internada en un sanatorio, donde, retirada de un mundo que no reconoce almas sencillas, y en un proceso de introversión, se alejará de una sociedad decepcionante, culminando en una conmovedora mirada de reproche, Demasiada diferencia entre la teoría progresista de la universidad y la realidad cotidiana de la fábrica.
La escapada
DIRECTOR: Risi, Dino
PAIS: Italia
AÑO: 1962
DURACION: 100 min
INTERPRETES: Vittorio Gassman, Jean Louis Trintignant
Dentro de una comedia realista, muy enraizada de alguna forma con el neorrealismo, Risi desarrolla la historia de dos hombres en un día festivo del mes de Agosto, en el que Roma ha quedado desierta.
La casualidad y ésta soledad estival, hacen confrontar durante veinticuatro horas dos formas totalmente opuestas de caracteres y, por tanto, de afrontar la vida.
Roberto es un joven retraído, estudiante de derecho, dispuesto a pasar la fiesta del “ferragosto” preparando sus exámenes, refugiándose de su propia timidez en la perspectiva de su futuro triunfo en el sistema social, a través del orden establecido en la universidad, la profesionalidad, la responsabilidad, la familia, etc.
Todos éstos principios se irán cuestionando durante su convivencia con Bruno, una persona abierta que cautiva a todos con su simpatia y cuya filosofía es vivir intensamente cada minuto, sin importarle mas allá de la satisfacción inmediata de su propia existencia.
La vida, tanto presente como pasada, que se va descubriendo en su compañero, así como la de su propia familia, que presagia la suya misma, comenzará a hacer replantearse su proyecto vital.
El film queda suspenso en un amargo final abierto a cualquier tipo de interpretación.
La escopeta nacional
DIRECTOR: Berlanga, L.G.
PAIS: España
AÑO: 1977
DURACION: 105 min
INTERPRETES: Luis Escobar, J. Sazatornil, M. Randal, J.L. Lopez
Con la desaparición de la dictadura, acabaron los dobles sentidos y las mil argucias con el fin de eludir la censura, para dar paso a una forma de expresión totalmente directa y clara. Una libertad ésta, a la que, paradójicamente, algunos se adaptaron perfectamente, y que por el contrario otros no acabarán de aprovechar.
El caso de Luis G. Berlanga, que exprimirá su sarcasmo contra todo y contra todos, ahora con total autonomía, es quizás uno de los casos más representativos, en el que las excesivas ansias por hablar claro, hagan echar en falta la sutileza de los Placidos o los verdugos.
Dentro pues de este nuevo contexto, totalmente explicito, Berlanga emprende una trilogía de filmes para poner en solfa todos y cada uno de los tabúes sociales que habían sido sostenidos durante cuarenta años.
Con “La escopeta nacional”, inicia esta saga de películas corales, en las que cuenta con lo mejor del repertorio español, para poner en escena una cacería, ambientada todavía en tiempos del caudillo, y excusa habitual de la alta burguesía y los políticos franquistas de turno para establecer sus marrulleros contactos especulativos. En ella aparecerán retratados, -o más bien, ridiculizados-, desde la vieja y arruinada aristocracia, los posibilistas del régimen, el clero y sus nuevos acólitos de la sagrada obra, y como no los nuevos ricos, en la persona de un ambicioso e incompetente empresario.
Toda una magistral lección de guión por parte de Rafael Azcona, en la que quizás el desparpajo de su director, nos haga añorar antiguos lenguajes.
La fiera de mi niña
DIRECTOR: Hawks, Howard
PAIS: USA
AÑO: 1938
DURACION: 102 min
INTERPRETES: Cary Grant, Katharine Hepburn, Barry Fitzgerald
Dentro de lo heterogéneo de la filmografía de Howard Hawks, en la que se pueden encontrar filmes de cualquier género, destaca su trabajo en el tipo de comedia que vino a llenar la primera década del cine sonoro. Una comedia ligera y elegante, que sustituiría las carreras y los tartazos, de los que estaba lleno el cine mudo.
Como en las comedias de esta, y de todas las épocas, el fin principal del género, era el de entretener al público. Hawks, lo consigue aquí, con un argumento, cuando menos, tonto y simplón, pero que, en manos de este director, se convierte en una frenética sucesión de “gags”.
Contando, como no, con el perfecto trabajo de una espléndida Catherine Hepburn, quien da autentica vida a un flojo guión, sobre la persecución (con un cierto doble sentido), de unos leopardos, por un lado, y de un marido por otro.
Además de su ágil destreza –entre la locura de los Marx, y el refinamiento de Lubitsch–, se llega a una constante de Hawks: el tratamiento de sus figuras femeninas. Unas mujeres liberadas de prejuicios, que pelearán con un absoluto desparpajo femenino, por lo que ellas pretendan .
Mujeres, por otra parte, que no dejarán de poner en serios aprietos y ridículos constantes , a unos hombres acostumbrados a no encontrar oposición a sus acomodadas formas de vida.
Un tipo de mujer, que pronto veremos potenciar el nuevo status de las americanas, obligadas incorporarse al mundo laboral, por las circunstancias de una trágica guerra, seguida de una dura depresión. Mujeres de Hawks, que será muy difícil verlas en las rutinarias y dóciles labores tradicionales del hogar familiar.
La guerra ha terminado
DIRECTOR: Resnais, Alain
PAIS: Francia
AÑO: 1965
DURACION: 120 min
INTERPRETES: Ives Montand, Ingrid Thulin, Genevieve Bujold
En plena eclosión política de los años sesenta, Resnais, rueda la novela de Jorge Sempún, por entonces dirigente del Partido Comunista de España en el exilio.
El film, como no puede ser de otra forma, es un testimonio de la actividad antifranquista dentro y fuera del país.
En forma de thriller, Resnais narra las actividades de Diego, o Carlos o el hombre de los mil nombres, entrando y saliendo de una España perseguida, y conectando las actividades interiores con las consignas del exterior.
La postura inmovilista de la cúpula del partido, contrastará con el dinamismo y la independencia de las nuevas generaciones. En medio Diego o Carlos o Domingo, y sus dudas sobre la eficacia de unas directrices emanadas de la teoría, a más de mil kilómetros del verdadero problema.
Curiosamente una historia escrita por Jorge Semprún, que se parece mucho al discurrir político de un tal Jorge Semprún, expulsado del partido por discrepancias con sus dirigentes, y que acabaría posteriormente como ministro del Partido Socialista en la España democrática.
La habitacion verde
DIRECTOR: Truffaut, Francois
PAIS: Francia
AÑO: 1978
DURACION: 94 min
INTERPRETES: Francois Truffaut, Nathelie Baye
De sobra reiterado es el interés de Truffaut por ciertos temas, la infancia, los amores tortuosos o su interés por la literatura. También, un poco a hurtadillas, nos ha ido hablando en su obra de otra obsesión: la muerte. Nos la ido colocando como con disimulo, en “Jules y Jim”, “El amante del amor”, “La sirena del Mississippi” y tantos otros casos presentados como solución a amores tortuosos. El Eros enfrentado al Tanatos.
Aquí, en “La habitación verde”, –en el que quizás sea su film más extraño–, afronta directamente –incluso como actor protagonista–, el tema de la muerte, no únicamente la muerte física, sino, y sobretodo, el olvido de nuestros difuntos.
En el film, Julien, un modesto periodista de un diario de provincias, está especializado en redacción de notas necrológicas. La obsesión por el olvido, –a modo de segunda muerte definitiva– le hará emprender la construcción de una capilla que recoja el recuerdo de todos sus seres queridos ya desaparecidos.
En el empeño conoce a una joven, que acaba de perder a su amante, y que acabará enamorada del protagonista, y a la vez convencida del proyecto fúnebre.
La historia, sutilmente repetida por Truffaut, del camino del amor hasta la muerte, en este caso, parece realizarla abiertamente a la inversa. Partiendo del culto a la muerte, Julien llega al amor de los vivos.
El Tanatos ahora es el enfrentado al amor, pero con el mismo resultado pesimista.
La jauría humana
DIRECTOR: Penn, Arthur
PAIS: USA
AÑO: 1966
DURACION: 135 min
INTERPRETES: Marlon Brando, Jane Fonda, Robert Redford
Dentro de la nueva generación de directores que aparece en la década de los sesenta, con un desparpajo narrativo fruto de la desaparición de la censura impuesta por el célebre código Hays, destaca Arthur Penn, por su abierta, y a menudo violenta, crítica a las instituciones, a la sociedad y a los mitos norteamericanos.
Una de sus primeras películas “La jauría humana”, –en la que cuenta con actores de la talla de Marlon Brando, Jane Fonda y Robert Redford– nos narra su particular versión de ciertos hechos ocurridos en la ciudad de Dallas en 1963.
La acción se localiza en un pequeño pueblo del profundo sur, con su oligarquía petrolífera, su burguesía conservadora, su racismo ancestral y su justicia, supuestamente sobornada.
La excusa para plasmar en la pantalla semejante cuadro, es la existencia de un raterillo local que se ha escapado de la cárcel, y en su huida, se ve involucrado en un asesinato. La violencia incontrolada en el pueblo, derivada de la opresiva situación social, hará que todos sus habitantes se lancen de forma descabellada a la caza y captura del desdichado.
El salvaje comportamiento de las masas –que nos recuerda la cercanía de los linchamientos del primitivo oeste–, acabará en irremediable tragedia. Y esta vez, sin esperanzador “happy end”.
