Laberinto de Pasiones
DIRECTOR: Almodovar, Pedro
PAIS: España
AÑO: 1982
DURACION: 100 min
INTERPRETES: Cecilia Roth, I. Arias, Marta F.Muro, A. Banderas
Segunda película de Pedro Almodovar, con algo mas de presupuesto que la primera, y que lamentablemente no ha de suponer un mayor aliento creativo para el director.
Basada en un simplón argumento de comic o de fotonovela barata, con la intención de que quede en un entretenido segundo plano, y servir de excusa para mostrar, como telón de fondo, su filosofía y su ambiente posmoderno, como ya lo hiciera en su primer largometraje.
Técnicamente, tanta fragilidad en el argumento, va ha hacer que se resienta el ritmo de la narración, al tratar de cumplir con los comerciales 90 minutos, a base de estirar una historia demasiado pobre.
En el ambiente, queda el planteamiento base, aquella amoralidad militante de Pepi, Luci,…; pero Almodovar pretende, sin conseguirlo, ser cinematográficamente mas ambicioso de lo que en realidad está preparado, lo que llega a debilitar profundamente la credibilidad del proyecto. El problema de éste film es que resulta mas ordenado que desmadrado, se queda a medio camino entre el “underground neoyoquino” y la “comedia académica”, no chirría lo suficiente para lo primero y le falta oficio para lo segundo.
Quizás se esté pidiendo demasiado (incluido él mismo) para un director novel, autodidacta, con muy escasa técnica todavía, aunque sobrado de originalidad, genio y desparpajo.
Lacombe Lucien
DIRECTOR: Malle, Louis
PAIS: Francia
AÑO: 1974
DURACION: 132 min
INTERPRETES: Pierre Blaise, Aurore Climent
Tras la fuerte politización social desde finales de los años sesenta, Louis Malle, no queda exento de esta influencia, –sobretodo en el país vecino–, y acomete en “Lacombe Lucien” otro de los temas “intratables”, como fue la relación de la población francesa con las fuerzas alemanas de ocupación en la segunda guerra mundial.
Como resulta habitual en su cine, Malle, aborda el conflictivo tema con una naturalidad absoluta, sin subrayados dramáticos, ni estridencias políticas, sin afán (aparente) de provocación, simplemente expone una realidad, que por mucho que se oculte con otras realidades, coexistió con estas posturas, más dignas, o sencillamente de coyunturas diferentes.
La acción se sitúa en plena ocupación nazi, en la Francia de provincias. Un muchacho, ingenuo y sin criterio político formado todavía, tratará de encaminar su militancia hacia la clandestinidad, al igual que su padre. Al ser rechazado por su juventud, será captado sin escrúpulos por la facción colaboracionista.
El momento álgido de la postura germanófila, los privilegios de los dominadores, y la bula para cometer los más nefastos atropellos, harán acomodarse irreflexivamente al joven, en una situación de privilegio material, aunque sin siquiera plantearse la ideología en su toma de partido.
El film, pues, pone patas arriba la actitud toda una parte de la población gala, (muy amplia, incluyendo al gobierno legitimo), que colaboró sin el menor disgusto con las fuerzas de ocupación, a cambio de una condición de inmunidad, frente a la postura más aireada propagandistamente, de una heroica resistencia clandestina (muy reducida), que, a la postre, ha sido la imagen universal vendida por los vencedores.
Sobretodo, el tono de normalidad, sin crispación ni asomo de crítica o reproche, da a los hechos que relata Malle una credibilidad aplastante, frente al barniz épico de la versión oficial de la historia.
Ladrón de bicicletas
DIRECTOR: Sica, Vittorio de
PAIS: Italia
AÑO: 1948
DURACION: 85 min
INTERPRETES: Lamberto Maggiorani, Enzo Staiola, Lianella Carell
Película que se encuadra plenamente dentro del “neorrealismo” italiano. Nacido en la posguerra europea, en el que se trata de huir de los esquemas que desarrollaba el cine clásico, donde se destacaba lo “excepcional”; y reivindicar enérgicamente lo “cotidiano” en sus argumentos.
Unos relatos que debían llegar, claros y contundentes, a un pueblo arruinado y deprimido por la brutalidad de la reciente guerra. Género que significará una auténtica revolución dentro del cine europeo.
La acción de “Ladrón de bicicletas” se sitúa en el meollo de una sociedad obrera, en la que escaseaba el trabajo y abundaba la miseria. El tema central del filme es, el robo de su bicicleta a un obrero, la cual empleaba como herramienta imprescindible para realizar su trabajo. Acompañado de su hijo, comenzará una frenética e infructuosa búsqueda, que el niño vivirá asombrado, al contemplar la desesperación de un padre a punto de perder el único sustento de su familia.
Ante la imposibilidad de encontrar la trascendental bicicleta, y por lo tanto de volver a su ocupación, desesperado, decide robar otra que la sustituya, siendo sorprendido al hacerlo.
Esta excusa de la bicicleta, sirve de apoyo a De Sica, para desgranar un impecable documento sobre la precaria condición de la clase obrera en aquel momento. Sociedad, en la que, la necesidad personal de supervivencia, dejaba muy poco espacio para una solidaridad, que, en el mejor de los casos, quedaba limitada a las primeras buenas intenciones.
Al mismo tiempo, en una escena final cargada de extraordinaria emotividad, subraya magistralmente, la desoladora imagen de un niño, al que la vida ha obligado a madurar bruscamente. Junto a él, la angustiosa soledad de un padre, impotente y avergonzado.
Los dos, se perderán en medio de una muchedumbre, individualmente tan sola y tan confundida como ellos.
Las amigas
DIRECTOR: Weill, Claudia 
PAIS: USA
AÑO: 1978
DURACION: 90 min
INTERPRETES: Melanie Mayron, Eli Wallach
Claudia Weill, una directora cuyo trabajo acabará centrándose en filmes alimenticios y en televisión, se alinea con “Las amigas”, su primer largometraje, junto con el cine independiente neoyorquino, consiguiendo, de una de sus habituales producciones de serie B, un espléndido ejemplo de sensibilidad, al margen de la gran industria de Hollywood.
Con un estilo totalmente europeo –que nos hace recordar a la “nouvelle vague”–, Claudia Weill nos narra de una forma sencilla pero profunda, la historia de una joven fotógrafa novel, y sus peripecias para abrirse camino en la gran manzana.
Pero esta sencilla trama, esconde una historia de soledad, de feminismo, de autoestima, que no acabará compensando su prometedora carrera artística.
Los afectos, la amistad, el amor,…, no se corresponderán con el mundo material, incluso intelectual, que nos ofrece la gran ciudad y su universo.
Las bicicletas son para el verano
DIRECTOR: Chavarri, Jaime
PAIS: España
AÑO: 1983
DURACION: 100 min
INTERPRETES: A. Soler Leal, A. Gonzalez, G. Diego, V. Abril
Película basada en la obra de teatro con el mismo nombre del polifacético Fernando Fernán Gómez, y en la que su director, Jaime Chavarri, no tiene más que añadir a los textos literarios su buen oficio cinematográfico, para convertir “Las bicicletas son para el verano” en uno de los mejores filmes españoles de su época.
La narración, como tantas de Fernán Gómez, se desarrolla en plena guerra civil, en este caso, en el Madrid asediado y aislado durante todo el conflicto. Tres años de guerra que, autor y director, reflejan a través de los sentimientos del coro de personajes que representa el vecindario de un inmueble de la clase media madrileña.
Personajes sin apenas ideologías políticas claramente definidas, salvo, las derivadas del apego a las tradiciones religiosas, del interés por conservar una situación económica privilegiada, la simpatía a unas desdibujadas utopías juveniles, o en la mayor parte de los casos, absolutamente ninguna. Diferencias políticas y sociales que la necesidad y el hambre se encargarán de aplazar, a modo de tregua, hasta que la “victoria”, (y no la paz, como nos aclara su protagonista), devuelvan a cada uno a su sitio.
El soberbio trabajo de todos los actores, hace vivir a través de sus interpretaciones, lo absurdo de un enfrentamiento, que convirtió a una nación, en un pozo de hambre, miseria y muerte. Sacrificios inútiles que acabarían instaurando una situación de desigualdad mucho más acentuada, una política autoritaria, una legalidad injusta y una sociedad totalmente reprimida; en la que, los que antes estaban bien, ahora estarían mejor, y los que estaban mal, pronto llegarían al “peor”, a la cárcel o a la fosa común de algún cementerio.
Las ciervas
DIRECTOR: Chabrol, Claude
PAIS: Francia
AÑO: 1968
DURACION: 95 min
INTERPRETES: J.L. Trintignant, J. Sassard, S. Audran
Claude Chabrol rueda en 1968 “Les Biches” traducida al castellano como “Las ciervas”, aunque en su idioma original, en realidad, sea el apelativo vulgar con el que se denominan a las lesbianas.
Como uno de los pioneros de la “nouvelle vague”, en este, como en la mayoría de sus trabajos, las principales premisas del movimiento, caracterizan sus filmes. Un rodaje directo, una historia natural, una profundización en los complejos mundos de sus personajes, y porqué no, una observación crítica a diversos aspectos de una sociedad manifiestamente mejorable.
Además de una puesta en evidencia de una burguesía sin ética, –crítica que se amplía a las clases menos privilegiadas y su deseo de emulación–, el film se adentra en la compleja trama de las pasiones entrecruzadas de un singular trío, dos lesbianas y un hombre, en el que la dominación y la dependencia en las relaciones amorosas, marcarán actitudes tan extremas como queramos imaginar.
La historia, aparentemente sencilla, narra el encuentro casual de Frederique, una lesbiana rica y caprichosa, y Why una joven artista callejera. La primera invitará a la joven a su finca en St. Tropez, cosa a la que no opondrá ninguna resistencia. Pero en una de las fiestas ociosas en la finca de recreo, aparecerá Paul, un apuesto arquitecto, que primero seducirá a Why, y posteriormente, ante el coraje de los celos, será conquistado por Frederique. Los intentos de Why por formar un singular trío, se verán rechazados por Frederique, con un desmesurado concepto de poder dentro de las relaciones íntimas. La respuesta de Why, no será menos desmesurada.
En realidad una compleja observación de una tópica mentalidad femenina, en sus relaciones sentimentales y sus enigmáticas reacciones, aquí, ubicadas en el mundo del lesbianismo, más como una reivindicación de una opción tan natural como las más conservadoras, que como un estudio de su idiosincrasia específica.
Las cosas del querer
DIRECTOR: Chavarri, Jaime
PAIS: España
AÑO: 1989
DURACION: 101 min
INTERPRETES: Angela Molina, Antonio Bandera
Un género habitual en las pantallas durante la dictadura, fue el musical al servicio del manipulado folclore andaluz, exhibido por el régimen como estandarte de la España conservadora y tradicionalista.
Un cine que si bien en épocas anteriores tuvo una sincera repercusión popular, el gobierno del general lo convirtió en mero engranaje propagandístico.
Así pues, ya finalizando los ochenta, Jaime Chavarri acomete el film “Las cosas del querer”, con estructura idéntica a la utilizada políticamente durante cuarenta años. La diferencia, si no valiente (estamos ya en una democracia estabilizada), si contundente, es la veracidad con la que muestra la vida real de los artistas después del escenario.
Los idílicos amores entre folclóricas y toreros adictos al movimiento, se trasforman aquí en prostitutas a la fuerza, homosexuales perseguidos, censura, represión y violencia. La circunstancia de que el guión (Fernando Colomo) esté basado en personajes y acontecimientos reales –nunca admitidos, pero evidentes–, da una cruda veracidad a un tiempo en el que sobraba corrupción e intolerancia.
El hecho de su rodaje después de quince años de libertad de expresión, quizás reste pasión, aunque no interés, a la magnífica puesta en escena de un magnífico guión, que, posiblemente hubiera tenido mejor cabida en el tiempo de reivindicación inmediatamente posterior al franquismo, como el propio director ya había hecho con otros trabajos.
Las dos inglesas y el amor
DIRECTOR: Truffaut, Francois
PAIS: Francia
AÑO: 1971
DURACION: 125 min
INTERPRETES: Jean Pierre Leaud, Kika Markham, Stacey Tendene
Dentro de una de sus habituales vertientes, –que personalmente le fascinaba–, el amor apasionado y libre, Truffaut vuelve a adaptar a la gran pantalla una novela del escritor y amigo Henri-Pierre Roche, como ya hiciera con “Jules y Jim”.
Ahora “Las dos inglesas y el amor” se mueve en un sentido muy similar a la primera en cuanto a su temática, –el escabroso mundo del triangulo amoroso–, pero formalmente, Truffaut ha madurado y se ha olvidado de la “necesidad” de provocación por la que pasaron la mayoría de los directores de la “nouvelle vague” en sus comienzos.
El estilo pretendidamente desenfadado y ya desfasado de la primera entrega, deja paso, una década después, a un formalismo más clásico y reposado, que permite al director y al espectados centrarse en el contenido de la historia.
Ambientada también a principios del siglo XX, Claude, un joven francés, recibe la visita de Anne, una joven estudiante británica. La relación de entendimiento entre ambos hará que el joven le devuelva la visita en la isla, donde conocerá a la hermana menor, Muriel.
La amistad y camaradería entre los tres jóvenes, irá derivando en el eterno dilema de las relaciones hombre-mujer. De una forma, llamémosla, contenida, ambas muchachas acabaran enamorándose de Claude y su mundo liberal, a su vez Claude terminará atraído también por las dos hermanas.
La diferencia de carácter entre ellas: Muriel conservadora y puritana, en busca del marido definitivo, y Anne, liberal y abierta a las experiencias del mundo, hará establecer con ambas unas relaciones muy diferentes, pero igualmente profundas.
Con Muriel, el amor será reprimido, tormentoso y destructivo para ambos, con Anne, sin embargo la relación física y plural, (tamizada por el criterio del autor), se comportará como una fuente fundamental de relación con la vida.
Quizás sea en esta adaptación, donde Truffaut acierta de pleno para esgrimir sus teorías sobre las relaciones amorosas y sexuales, que siempre han estado presentes en su obra. Las teorías de la inevitable atracción entre ambos sexos, la correspondiente necesidad de que el amor se materialice físicamente, o la pluralidad de sentimientos y relaciones simultáneas, quedan aquí claramente expuestos, muy similarmente a “Jules y Jim”, pero ahora de una forma más sobria y contundente, lejos de modas formalistas.
Las Edades de Lulú
DIRECTOR: Bigas Luna
PAIS: España
AÑO: 1990
DURACION: 95 min
INTERPRETES: Francesca Neri, Oscar Ladoire
El primer título con buena aceptación comercial del polémico director catalán, se produce con “Las edades de Lulú”, basado en la novela homónima de la no menos polémica Almudena Grandes.
Cuando la temática escabrosa y atrevida sobre el mundo del sexo ya no impacta en el público, por haberse generalizado y trivializado su discurso, Bigas Luna insiste en su argumento tradicional: el “sexo avanzado”; pero ésta vez atreviéndose descaradamente hasta llegar al filo de la pornografía.
En un alarde de insolencia desarrolla hasta el límite las obsesiones del sexo femenino, la promiscuidad, el sado-masoquismo, la bisexualidad, el incesto, la prostitución clandestina, y toda una gama de “juegos prohibidos”, que se desarrollan, con evidente habitualidad, ocultos bajo la epidermis de una sociedad cínica que los niega, a la vez que los consiente y los practica.
Quizás podría haber sido éste su mejor film sobre el controvertido tema, rozando valientemente la ética y estética de la pornografía dura, pero un final muy suavizado, hasta con moraleja, deterioran desafortunadamente el resultado global.
Las mil y una noche
DIRECTOR: Pasolini, Pier Paolo
PAIS: Italia
AÑO: 1974
DURACION: 122 min
INTERPRETES: Franco Citti, Tessa Bouche, M Climenti, F. Merli
Como un oasis aparece la “Trilogía de la vida” en la obra de Pier Paolo Pasolini. Aunque no es la primera vez que acude a la literatura clásica, ahora lo hace de una forma irreconocible. No tanto en su trasfondo, como en sus formas suaves y bucólicas.
En este caso, “Las mil y una noche”, que cierra el ciclo, se basa en la más conocida colección de cuentos orientales del mismo nombre. No podemos hablar de adaptación, puesto que ni la extensión del original, ni la intención del director lo permitirían. Así que nos quedaremos en una interpretación personal, utilizada para exponer un estado emocional, que extrañamente, parece traslucir una paz interior poco común en la obra del controvertido director italiano.
La película, con referencia al libro, se salta el principal hilo conductor, para elegir libremente los cuentos afines a su discurso, enlazándolos unos con otros, de manera que conforman un mosaico idílico sobre el amor y la sexualidad.
Un concepto personal de relaciones, que dista diametralmente de la ética conservadora, y que aquí Pasolini aprovecha para disfrazarla de oriental. El amor, pues, es apasionado hasta la muerte, es fiel a la vez que promiscuo, el amor es sexo, y naturalmente el amor también pretende ser libre.
Tan utópicas teorías en el entorno cultural judeocristiano, se ven reflejadas con una fotografía extraordinariamente cuidada, unas localizaciones exóticas y bellísimas, unas escenas plagadas de perfectos cuerpos desnudos (masculinos sobretodo, naturalmente). Lo que hace de la narración un bonito cuento para adultos refinados de sexualidad ambigua.
A la vista de sus anteriores trabajos, y sobretodo de la espeluznante película posterior a ésta, –“Saló, o los últimos días de Sodoma”–, solo nos queda pensar que el comienzo de los años setenta supuso para Pasolini una efímera etapa de felicidad interior, que no habría de durar, y de la que no tardaría en renegar personalmente.
