Los chicos
DIRECTOR: Ferreri, Marco
PAIS: España
AÑO: 1959
DURACION: 80 min
INTERPRETES: J.L. Garcia, Joaquin Zarzo, Albeto Jimenez, Jose Si
Segunda película de la trilogía en España del italiano Marco Ferreri, esta vez, sin la colaboración de su habitual Rafael Azcona, con un resultado en el que se echa en falta la contribución del genial guionista español.
El tema, no menos atractivo por manido y recurrente que resulte, hace un recorrido por la vida y las inquietudes de cuatro muchachos adolescentes, a punto de iniciar su experiencia en la vida como hombres adultos.
La ansiedad ante lo desconocido, las inquietudes personales, el interés por el sexo o la impotencia ante un futuro dominado por el azar, podría haber ofrecido un valioso mosaico de caracteres juveniles, a no ser por la floja exposición de esta mini coral producción.
Quizás el pecado resida en la falta de Azcona, que posiblemente hubiera transformado en una genial exposición, lo que se queda, simplemente, en un interesante intento.
Los Commitments
DIRECTOR: Parker, Alan
PAIS: Gran Bretaña
AÑO: 1995
DURACION: 110 min
INTERPRETES: Robert Arkins, Michael Aherne, Angeline Ball
El director ingles Alan Parker, en cuya filmografía abundan los musicales (The Wall, Fame, Birdy, Evita), siempre personales y de nuevo cuño, lejanos de aquellos edulcorados filmes de Hollywood, que tan buenos resultados de taquilla dejaron allá por los cincuenta, aborda con “The Commitments”, un trabajo modesto –dentro de lo que es un musical– compaginándolo con el cine de estructura social que se estaba haciendo en GranBretaña, a raíz de la crisis de trabajo, a la que llevó la legislatura fuertemente conservadora de Margaet Tatcher.
La película narra la aventura de unos jóvenes que decide formar un grupo musical, precisamente dedicándose al “soul”, por ser ésta una música que representa a la clase obrera y marginada. Situación con la que se identifica la juventud dublinesa en el forzoso paro o subempleo de los ochenta.
En un magnífico cuarto de hora, en el que los cánones cinematográficos mandan describir los personajes del film, Alan Parker, nos define de forma exacta la música que vamos a escuchar y su razón de ser.
En una perfecta ambientación de la Irlanda obrera, –cuna de grandes músicos– el grupo recoge un heterogéneo conjunto de personas, guiadas en principio por una base común. La música como bandera de cualquier generación joven, desde el mítico Elvis, continúa pues en su papel reivindicativo y de búsqueda personal de cada individuo.
Será precisamente ese abrir de nuevas perspectivas personales, el que acentuará las diferencias de sus miembros, Los Commitments se quedarán en un primer peldaño, ahogándose entre sus distintas ambiciones, antes de empezar a respirar.
Pero la experiencia musical habrá vuelto a obrar el milagro, y unos jóvenes de futuro deprimido, con la autoestima perdida en la cola del desempleo, individualmente encontrarán un nuevo horizonte más allá de la miseria de un trabajo indigno y adocenante.
Los Comulgantes
DIRECTOR: Bergman, Ingmar
PAIS: Escandinavia
AÑO: 1962
DURACION: 80 min
INTERPRETES: Ingrid Thulin, Max von Sydow
Todavía encuadrada entre sus films metafísicos sobre el silencio de Dios, en “Los comulgantes” las dudas sobre la esencia de un ser superior las hace discurrir sobre un argumento más evidente que lo que nos tiene acostumbrados, siendo su planteamiento sorprendentemente directo y sencillo.
Un pastor protestante destinado en una región con escasa y dispersa población, acaba de enviudar, sintiéndose solo e incapaz de infundir a sus escasos fieles el ánimo suficiente para afrontar la tediosa vida en los fríos parajes escandinavos.
El tormento interior del pastor, tampoco será consolado por la joven maestra, tan sola como él, más pragmática y que pretenderá una unión material que mitigue el vacío existencial de ambos.
Pero el viejo párroco, poco a poco irá aceptando la farsa en que ha consistido su vida. Solamente la presencia de su difunta mujer y una existencia ordenada según los cánones religiosos heredados de su familia, habían dado hasta el momento sentido a su quehacer. Con la desaparición de su esposa, se plantea el vacío que hay detrás de los simples ritos, que pretenden mistificar el ser humano ante un dios, en el que paradójicamente su dudosa existencia se convierte en el principal enigma de su filosofía.
Parece que con esta sencilla perorata, Bergman dará por terminado su ciclo religioso, para centrarse más en el análisis íntimo de incógnitas más universales del ser humano, abandonando un tema muy centrado en el círculo protestante de los países luteranos, en el que junto con Dreyer, abundaron profusamente.
Aquí pues además de apreciar el interés del director sueco por abordad temáticas profundas, poco nos veremos reflejados en sus incógnitas definidas en una postura religiosa demasiado concreta, al menos desde su punto de vista, siempre reducido a su ambiente nórdico. Si a esto añadimos la austeridad cinematográfica, solo nos queda la moda de la época por el cine “intelectual” para entender tan positiva acogida de un cine tan particular.
Los Inutiles
DIRECTOR: Fellini, Federico
PAIS: Italia
AÑO: 1953
DURACION: 110 min
INTERPRETES: Alberto Sordi, Franco Fabrizi, F. Interlenghi, L. Tri
El segundo grupo de realizadores, tras los pioneros del neorrealismo, que abordan el realismo social en Italia destaca por directores como Federico Fellini, (guionista con Rossellini en alguno de sus primeros trabajos).
Con un concepto menos dramático, aunque no menos crítico, aborda la realidad de los años cincuenta, antes de evolucionar a un estilo más complejo y personal.
En “Los Inútiles”, sitúa la acción en una población de provincias, donde los jóvenes tienen poco donde desarrollase, humana y profesionalmente.
A través de los integrantes de un grupo de amigos, Fellini despliega un mosaico de caracteres entre una juventud desorientada, cuya infancia ha sido la guerra y cuyo presente se limita a juergas nocturnas o esporádicos ligues con las muchachas de todos los días.
Estos “inútiles” deberán tomar la decisión, –o dejarla tomar por ellos–, de someterse a la mediocre y aletargada vida de provincias, o emigrar a las grandes ciudades, donde la incipiente recuperación económica era ya un hecho, y donde las oleadas de emigrantes rurales darían pie a otras historias y a otros “inútiles”.
Los jueves milagro
DIRECTOR: Berlanga, L.G.
PAIS: España
AÑO: 1957
DURACION: 83 min
INTERPRETES: Jose isbert, Richard Bassehart, M. Alexandre
Luis García Berlanga, en esta su última película de la década de los cincuenta, continuará con su crítica en tono de humor ácido, que ya no abandonará en toda su carrera, si bien, en este caso la ausencia de Rafael Azcona en el guión, se dejará notar en una falta de causticidad final.
En “Los jueves milagro”, aborda el tema de la España religiosa, una religión que se convierte en pura superstición, animada, tanto desde dentro de la iglesia, como desde otros estamentos menos místicos.
Devoción o “opio del pueblo”, que reforzará el control y el amuermamiento de una sociedad incapaz de reaccionar a la miseria y la incultura, favorecida desde la estrategia del régimen.
Aunque con considerables cortes de la censura, la película ironiza sobre los principales pilares sociales del nacional-catolicismo. Ridiculiza, tanto a los nuevos burgueses, afiliados a la sombra del régimen, como a todo un pueblo que, como en “Bienvenido Mr. Marshall”, sigue esperando que sus problemas se solucionen por medio de milagros, terrenales o celestiales. Cualquiera vale, con tal que oculte la verdadera miseria de la eterna posguerra.
Los mejores años de nuestra vida
DIRECTOR: Wyler, Willian
PAIS: USA
AÑO: 1946
DURACION: 163 min
INTERPRETES: Myrna Loy, Teresa Wrigth, Dana Andrews, F. Mar
Aun cuando la segunda gran guerra y el éxito de los Estados Unidos en ella, supusieron el crecimiento espectacular de este país a nivel mundial, al final de la misma, la administración tuvo, forzosamente, que reconvertir la economía a las simples necesidades civiles.
Este proceso, generó una nueva oleada de parados y un desánimo general, entre los afectados; los más perjudicados iban a resultar, de una forma harto humillante, los excombatientes que volvían del frente (los que no regresaron, no dieron ningún problema económico).
Willian Wyler, uno de ellos, rueda el oportuno y durísimo estudio sicológico y social, “Los mejores años de nuestra vida”, donde denuncia de una forma contundente, los problemas de adaptación de los que regresaban, después de tres años de movilización, completamente desubicados, sicológicamente afectados, cuando no, directamente mutilados.
Dificultades multiplicadas por el desinterés de una sociedad civil que se había establecido cómodamente en la retaguardia y que ahora los recibía como un molesto huésped al que hay que alojar.
La película se centra en tres soldados de muy diversa procedencia, que coinciden en el viaje de vuelta a casa: un acomodado banquero, que ya nunca verá la banca como antes; un humilde muchacho al que le han amputado las manos, y que deberá rehacer su vida con su minusvalía; y un simple empleado, ascendido a oficial durante la guerra, y que a su regreso, se ve de nuevo en su miserable trabajo, mientras sus antiguos compañeros han progresado en su ausencia.
Un final esperanzador, hace concebir un futuro más feliz, … mientras las secuelas de la guerra lo permitan.
Los ojos vendados
DIRECTOR: Saura, Carlos 
PAIS: España
AÑO: 1978
DURACION: 107 min
INTERPRETES: Geraldine Chaplin, Jose Luis Gomez
Dentro de la filosofía de Saura contra cualquier tipo de totalitarismo político o social, y que se había centrado hasta ahora, por razones obvias, en la problemática de su propio país, (ahora ya en vías de una prometedora evolución), su discurso social y político se hace más universal, abordando y recordando que el conflicto que apunta soluciones en España, en otros muchos países continúa en una estancada y dolorosa vigencia.
“Los ojos vendados”, es a la vez, una valiente crítica hacia los regímenes dictatoriales y hacia sus brutales sistemas de persecución y tortura, en general; y en particular, a la salvaje oposición al cambio que algunos grupos ultraderechistas continuaron ejerciendo en el posfranquismo.
Por otra parte, en su desarrollo formal, se convierte en un homenaje al teatro, y concretamente al teatro comprometido, en la figura de J. L. Gómez, que se interpreta espléndidamente a sí mismo, como director escénico.
Como tal, asiste a un acto político contra la tortura, donde le impresiona el testimonio de una mujer argentina que cuenta las vejaciones a las que fue sometida por la dictadura de su país. A partir de aquí, decide montar un espectáculo sobre el tema, durante el desarrollo del proyecto surgirán acontecimientos, recuerdos, situaciones en las que, junto con el argumento central, se refleja cómo en la vida cotidiana existen formas de tortura muy semejantes, mucho más habituales, más sutiles y corrientes que la escuetamente política.
En el plano puramente cinematográfico, ya llama la atención la dispersión temática de Carlos Saura en su cine, basado siempre en una denuncia obligadamente encubierta bajo subterfugios semánticos, que en su anterior trabajo “Elisa vida mía” parece abandonar, y que en este filme retoma, eso sí, ya con un lenguaje claro y abierto. Esta búsqueda, unas veces en un camino, otras en otro distinto, subrayan la sensación de desubicación del director aragonés tras su militancia en una causa cada vez mas superada por la cada vez más acomodada sociedad española.
Los olvidados
DIRECTOR: Buñuel, Luis
PAIS: Mexico
AÑO: 1950
DURACION: 76 min
INTERPRETES: Alfonso Mejía, Roberto Cobo
Una vez afincado en México, país cuya nacionalidad compartirá con la española, desarrolla una continuada una serie de películas, (durante dos décadas), con muy reducidos medios y casi todas ellas totalmente “alimenticias”, aunque siempre tratando de descolgar su personal visión del cine.
Uno de éstos filmes en el que mejor y con mayor libertad puede expresarse, es “Los olvidados”. Rechazado en principio en México por dar una visión excesivamente dura del país, pero que apoyado por la intelectualidad progresista y el éxito de critica conseguido en el festival de Cannes, significará el “redescubrimiento” del Buñuel rebelde y descarado del París surrealista.
Consciente de la necesidad de una rentabilidad comercial, Buñuel plantea la película en dos planos, el “realista” y el “subliminal”. Cualquiera de los dos aspectos consigue una contundencia impecable, pero juntos se convierten en uno de los mejores trabajos de su época mexicana.
En su plano “realista” expone el problema de la miseria y la delincuencia, que con él conlleva el sistema capitalista, centrando específicamente las nefastas consecuencias sobre la infancia y la juventud como proyección de lo que será el futuro ya de adultos.
En cuanto a su visión “subliminal”, insiste en las secuelas subconscientes de la ausencia de un padre, de los conflictos edípicos ante el rechazo de la madre, en las ensoñaciones surrealistas como punto de liberación, y aprovechando, como no, para dar como siempre su visión personal sobre la religión, la política, la inutilidad del estado, el sexo obsesivo…
Todo ello con una realización aparentemente austera, con repeticiones sistemáticas de violencia primitiva en un entorno miserable, creando un clima de malestar añadido que hace que cale profundamente la trama de la película.
Los Pajaros
DIRECTOR: Hitchcock, Alfred
PAIS: USA
AÑO: 1963
DURACION: 120 min
INTERPRETES: Rod Taylor, Tippi Hedren, Jessica Tandy
Hasta el estreno de “Los pájaros”, habrán de transcurrir tres años desde la última película del maestro del suspense. Años, no de descanso, sino dedicados a la meticulosa preparación, tanto del guión, como de los recursos técnicos y efectos especiales que habrían de emplearse en este rodaje. El resultado, tal vez, el largometraje más difícil y complejo de la filmografía de Hitchcock.
Una historia, en la que utiliza a los pájaros como protagonistas, cargados de un tan evidente, como confuso contenido simbólico. Aunque no hay que olvidar, que no es la primera vez que se sirve de la imagen de las aves (Sabotaje, Psicosis) como augurio de la desgracia y la mala suerte.
Esta película, junto con “Psicosis”, se puede encuadrar en el género del más puro terror, estilo, por otra parte, poco frecuentado por el director británico. Pero, esta vez, a diferencia de su anterior trabajo, el miedo vendrá del exterior. Miedo a lo desconocido, a lo incontrolable: al caos.
Las increíbles reacciones de los pájaros constituyen un vapuleo al control de lo cotidiano, a manos de lo insólito. La alteración imprevista del orden natural, pone de relieve la ridícula imagen que el hombre se otorga a sí mismo; pretendiendo ser el dueño de la realidad, se encuentra ahora abandonado en su propio desconcierto, sin esquemas y sin cómodas normas por las que regirse. El eterno tema hitchcockniano llevado al extremo: el individuo zarandeado por el azar.
La ambigüedad del filme se abre a cualquier especulación, pues la arbitrariedad de los acontecimientos es total. Todas explicaciones racionales que intentan mantener las pautas de la lógica, son ridiculizadas por el director en la escena del bar de Bahía Bodega, con la extraña ornitóloga, como árbitro de la ciencia. Nadie puede explicar lo que sucede, ni los personajes, ni el espectador.
Para recalcar que el caos puede subyacer en lo más elemental, Hitchcock, hace protagonistas de la catástrofe, no a animales extraños y desconocidos, sino a los habituales del lugar: gaviotas, cuervos o gorriones. Los únicos pájaros exóticos que aparecen en la pantalla, los periquitos que han de servir de regalo, serán los únicos pacíficos; y serán los que, al final, sean llevados consigo en una huida llena de suspense e incertidumbre.
Estas aves diferentes (en inglés, love-birds) ¿representarán la esperanza de cambio, o por el contrario, la translación del mal adonde quiera que vayan?. No en vano, en el film no aparece la palabra “the end”, sin duda, con toda malsana intención.
Acaso cabría interpretar, que para los personajes, los pájaros son el desastre, el caos; para Hitchcock, son solamente la representación de los propios temores del hombre abandonado al azar, a la precariedad de su capacidad para controlar la vida …, a la muerte. Los pájaros no existen, son nuestros miedos.
Los peores años de nuestra vida
DIRECTOR: Martinez Lazaro, E.
PAIS: España
AÑO: 1995
DURACION: 107 min
INTERPRETES: Gabino Diego, Ariadna Gil, Jorge Sanz
Martinez Lázaro, continúa embarcado en las nuevas entregas de la ya poco novedosa “comedia madrileña”, que la factoría de Fernando Trueba exprimirá como productor, con similares versiones, apurando el filón del éxito fácil de una comedia sencilla y divertida, pero concebida con esmero y cuidado buen gusto .
Aprovechando la buena acogida de “Amo tu cama rica”, la productora repite esquema y protagonistas, además del responsable de la dirección, David Trueba como guionista o la música de Michel Camilo. Así como el tirón en la interpretación de tres jóvenes emergentes, Gabino Diego, Jorge Sanz y repite Ariadna Gil.
A diferencia de su anterior trabajo, ahora el guión sí resulta más redondo y el ritmo de la dirección más acertado, lo que hace que la película consiga ampliamente su pretensión de divertir a un público con pocas ganas de complicaciones, con un producto más que digno, lejos de las zafiedades con las que nos obsequia el subvencionado cine español demasiado a menudo.
La sencilla trama relata el eterno problema del chico inteligente, culto y ameno, pero feo e inseguro de su atractivo, que no acaba nunca de consolidar el éxito con las mujeres, las cuales, terminan en la cama con el guaperas de turno (¡¿Jorge Sanz?!).
Una profesional forma de dirigir, que nos sigue recordando a los clásicos de Hollywood –y en este caso sin disimulos, con continuos reconocimientos, incluido el propio título–, un guión muy acertado y sobretodo, el saber estar de Gabino Diego, consiguen de “Los peores años de nuestra vida”, una de las más relevantes películas del género, en su genuino apartado “urbanita contemporáneo”,… con permiso, eso sí, de Woody Allen.
