Naufragos
DIRECTOR: Hitchcock, Alfred
PAIS: USA
AÑO: 1943
DURACION: 96 min
INTERPRETES: Talulah Bankhead, John Hodiak, William Bendix
En plena contienda mundial, parece que los directores de Hollywood estaban obligados a hacer campaña a favor de los aliados, como no podía ser de otra forma, Alfred Hitchcock no iba a ser menos, y aborda una película que sin duda es de esas que abandonan el clásico estilo del director ingles, pero que, se convierte a su vez en uno de sus mejores trabajos.
Apartado de su personal estilo Hitchcock demuestra en Náufragos, lo excelente cineasta que hubiera llegado a ser, si no se hubiera encorsetado él mismo en un cine, todo lo genial y personal que queramos, pero al servicio siempre de una segura taquilla.
En pleno océano un barco carguero es torpedeado por un submarino alemán, varios de sus ocupantes logran alcanzar un bote salvavidas. Para completar la macedonia humana, el submarino ha sido alcanzado por las defensas del mercante y uno, su capitán, logra también incorporaras al grupo de náufragos.
Todo el film se desarrollará en el minúsculo habitáculo, y la escasez y la penuria harán de catalizador en las relaciones de sus más que dispares habitantes.
Sin llegar a ser un film psicológico, aunque sí se adelanta a la tendencia, Hitchcock abandona por una vez el puro entretenimiento, aunque sea por una razón política, y nos ofrece un mosaico humanista, en apariencia más interesante, –o menos disimulado–, que sus habituales intrigas.
La genialidad del rodaje enclaustrado en el infinito océano, desarrollado magistralmente, no hacen más que corroborar el excelente oficio del, al final, encasillado genio.
Náufragos conformará junto con Rebeca, y poco más, un grupo de filmes de gran calidad, pero quizás infravalorados por el hecho de no identificarse con el personal estilo hitsckoniano.
Nazarín
DIRECTOR: Buñuel, Luis
PAIS: Mexico
AÑO: 1958
DURACION: 97 min
INTERPRETES: Francisco Rabal, Marga Lopez, Rita Macedo
Película del periodo mexicano, y basada en la novela del mismo título de Pérez Galdos, pero de la que difiere substancialmente en sus concepciones místicas. Buñuel resume, como es habitual, sus principales obsesiones sobre la religión, la política y el sexo, pero aquí, en mayor proporción, la atención se la llevan sus teorías de ateo militante.
La película presenta el drama de un sacerdote empeñado en seguir al pie de la letra el evangelio en un ambiente de pobreza y miseria. Sus continuos, ridículos y hasta peligrosos fracasos, ponen en evidencia la dudosa eficacia de la moral cristiana. La actitud purista del sacerdote, que tiene más que ver con la idea preconcebida de la caridad que con la vida real, le conducirá a una total frustración, siendo rechazado sistemáticamente por todos a los que ha intentado cándidamente ayudar.
A lo largo del film, se hace patente el paralelismo entre la vida del beatifico sacerdote y la que los evangelios cuentan de Jesucristo. Como insinuando: ¿que ocurriría si Cristo apareciera en al mundo actual?.
A través de repetidas escenas, (la moribunda que prefiere a su hombre que al cielo, la comparación de la inutilidad de las vidas, tanto la del delincuente como la del santo, etc.), le irán reconduciendo hacia un camino inverso al pretendido, que en lugar de llevarle desde los hombres hasta la divinidad, lo devolverá al bando de los humanos.
En la última escena, en la que una mujer le ofrece alimento, Nazarín, en ese momento, parece conseguir identificar a sus semejantes de tu a tu, sin ningún tipo de coartada mística. Los tambores de Calanda subrayan, como siempre, la tremenda crisis de conciencia.
En el estreno del film, una interpretación torpemente equivocada por parte de la Oficina Católica, al considerarla como una exaltación de los principios cristianos, la llevó a ser candidata al premio de dicho organismo, a lo cual y ante la posibilidad de haberlo conseguido, Buñuel replicó socarrón: “Gracias a dios todavía soy ateo, y me hubiera visto obligado a suicidarme”.
Ninotchka
DIRECTOR: Lubitsch, Ernst
PAIS: USA
AÑO: 1939
DURACION: 108 min
INTERPRETES: Greta Garbo, Melvyn Douglas, Bela Lugosi
Una de las bases en la que se apoyó el cine sonoro, fue la transformación drástica en el tratamiento de la comedia. El humor tosco y hasta violento del periodo mudo, basado en el histrionismo de la mímica, adquirió la sutileza y los dobles sentidos de la comedia ligera europea, y uno de los artífices de este cambio fue el exiliado berlinés Ernst Lubitsch.
En principio, “Ninotchka”, debía ser una sátira contra el comunismo, con el aliciente de estar protagonizada por la estrella de moda Greta Garbo. Así pues, antes de elegir guionista y director, la productora ya había decidido el mensaje que debía transmitir el film: “El capitalismo no es tan malo, a pesar de todo”. El equipo designado, Billy Wilder como guionista y el mencionado Lubitsch en la dirección, se amoldaron a esta pauta, pero haciendo especial hincapié en el “a pesar de todo”.
El tema central de la película es, sin duda, el amor entre el gigoló apátrida, León, y la comunista rusa Ninotchka. Pero, a su vez la camarada soviética ama también a Lenin, y el aristócrata León no deja de amar su confortable vida parisina. El drama de los amores compartidos y opuestos, se agravará cuando la paternal Rusia reclame la custodia de sus disidentes, mientras la simbólica París les ofrece la felicidad, en forma de libertad.
Pero, considerar “Ninotchka” como una simple comedia satírica, con historia de amor y estrella de Hollywood incluida, sería menospreciarla de una forma excesivamente simple. La descripción que hace Lubitsch de un mundo, o mejor dicho, de dos mundos, abocados a la destrucción, es demasiado seria como para quedarnos en sus formas más triviales. El film, está lleno de melancolía, y la visión sobre las costumbres aristocráticas de León, y sobre el entusiasmo revolucionario de Ninotchka, revela que su director (exiliado judío alemán) sabe que ambas cosas no tienen futuro.
La película, en conciencia, nos está hablando de lo efímero de la vida. “Ninotchka” se estrenó en Octubre de 1939 en Hollywood. La segunda guerra mundial había estallado un mes antes.
No amaras
DIRECTOR: Kieslowski, Krzysztof
PAIS: Polonia
AÑO: 1988
DURACION: 82 min
INTERPRETES: Grazyna Szapolowska, Olaf Lubaszenko
Película en tono intimista que cuenta el amor platónico de un joven adolescente por una experta mujer mayor que él y a la que espía en secreto a través de las ventanas sus frecuentes actividades amorosas, observaciones clandestinas en un principio guiadas por el mero placer de “voyeur”, pero que se transformarán en un sentimiento mas profundo conforme penetre en su intimidad a través del catalejo.
En un momento en el que el joven descubre a su espiada llorando, decide confesarle sus actividades clandestinas. Ella, contrariada, se mostrará como una persona, fría, promiscua y huyendo de su soledad a través de tantos amantes como se tercien.
Frente a ésta posición ante la vida, está la actitud del joven, inmerso en una solitaria vida interior, sin nada que pedir, considerando inalcazable algo a lo que solo tiene acceso de forma furtiva y con la distancia de un prismatico . La inevitable comparación de ambas situaciones, nos da una visión ética del paralelismo, sin solución de encuentro, entre el amor espiritual y su búsqueda desesperada a través del sexo.
La actitud irónica y burlona de la experta mujer, frente a la inocente sinceridad del muchacho, producirá en el chico una reacción insospechada y desconocida hasta ahora por ella; llegando, en un emotivo y esperanzador final, a aceptar la actitud, en principio detestable, del joven como único vinculo posible entre dos personas de procederes tan distintos y con un problema, la soledad, en común.
Nosferatu
DIRECTOR: Herzog, Werner
PAIS: Alemania
AÑO: 1979
DURACION: 106 min
INTERPRETES: Klaus Kinski, Isabelle Adjani, Bruno Ganz
En 1922, Murnau, quiso rodar una película basada en la novela de Bram Stoker “Drácula”, pero al no resultar posible su adaptación por no conseguir los derechos del escritor, el director alemán, filmó su propia versión de la conocida leyenda, cambiando el título por “Nosferatu”.
De lo que fue y sigue siendo una obra maestra del cine expresionista, medio siglo más tarde, su compatriota Werner Herzor, rinde un evidente homenaje a su antecesor, adaptando, ya no el escrito original, sino la propia obra fílmica, a su peculiar estilo.
El film nos muestra la visión de la muerte como liberación de una hipotética vida eterna, vacía de estímulos, y solo mitigada con la posesión de la voluntad de los semejantes (vampirización). Además de la inevitable expansión de esta práctica, –como la peste–, a lo largo y ancho del planeta, y establecida ya como condición peculiar del género humano.
La metáfora toma forma en la obra de Herzog, en medio de un enfoque que no puede abstraerse a la ironía, y en el que, estéticamente cambia el duro expresionismo, por un cromático naturalismo, combinando técnicas propias del documental histórico, con escenas más cercanas al surrealismo o incluso a la coreografía teatral.
El juego con la muerte y su representación en un tétrico baile de ataúdes, la festiva aceptación del fin en plena epidemia de peste negra, la repelente invasión de las ratas como símbolo de la universalización del mal, o la patética figura del mismo conde Drácula (exactamente la de Murnau), convierten a una historia concebida como de terror, en una película que se ha de tomar no exenta de una sutil y sana ironía.
Novecento
DIRECTOR: Bertolucci, Bernardo
PAIS: Italia
AÑO: 1976
DURACION: 302 min
INTERPRETES: Gérard Depardieu, Robert De Niro
De grandilocuente epopeya podríamos calificar este verdadero “blockbuster” europeo a la americana. Dividida en dos películas, con más de cinco horas de proyección, con un presupuesto millonario y con un reparto en consonancia con las pretensiones de gran superproducción, Bertolucci, de una tacada, narra la historia social de Italia en el siglo veinte.
Comienza en 1900, con el nacimiento a la vez de Roberto, heredero de una familia de ricos terratenientes, y Olmo hijo de un bracero de la hacienda.
A lo largo del extenso metraje, la vida paralela de ambos muchachos nos guiará por los distintos acontecimientos políticos. Así, asistiremos, sobretodo, al nacimiento de los movimientos sociales en Europa, –en este caso, Italia–, desde los primeros gérmenes del comunismo, como revolución contra una clase burguesa explotadora; el nacimiento del fascismo, apoyado por los patronos como contención del proletariado, o su derrota en la segunda guerra mundial. Para terminar en una convivencia contemporánea, muy distinta de la habida al principio de siglo.
La militancia comunista del director, explica por sí sola el sesgo propagandístico del film, lo que lo convertiría automáticamente en un panfleto sin ningún interés. La contradicción que conlleva el hacer proselitismo obrero, mediante una superproducción de éste tipo, –encaminada abiertamente a la taquilla–, hace que “Novecento” pasara a ser en su día un referente del cine comprometido.
Con el paso del tiempo, no ha quedado casi nada. Los movimientos sociales se han acomodado a la sociedad de consumo, los patronos déspotas han cambiado su actitud hacia comportamientos más discretos, y la revolución se ha transformado en una consensuada convivencia.
Lo que el contenido del film se podría considerar como un manifiesto utópico, las formas, más comerciales que testimoniales, nos colocan en la verdadera realidad que era en los años setenta el descafeinado eurocomunismo.
Nueve cartas a Berta
DIRECTOR: Martin Patino, Basilio
PAIS: España
AÑO: 1965
DURACION: 95 min
INTERPRETES: E. Gurierrez Caba, Mari Carrillo, Elsa Baeza
Encuadrando su cine en el movimiento de denuncia que encabezaran los jóvenes realizadores en los años sesenta, encontramos al atípico Basilio Martín Patino, que con su primera película “Nueve cartas a Berta”, se gana un bien merecido hueco en el “Nuevo cine español”, para seguidamente pasar a la practica clandestinidad hasta la desaparición del general.
Un joven de provincias, de familia media, –acomodada en el régimen–, viajará a Londres, donde conocerá la “otra” vida que existía más allá de los Pirineos. Este descubrimiento de algo inusitado en la España tradicionalista y nacional católica, lo materializará en un idílico amor hacia Berta, una londinense, hija de un intelectual emigrado tras la represión de la guerra civil.
A través de nueve cartas, el joven estudiante irá reflexionando sobre la realidad que redescubrirá en su país al regreso del extranjero.
Una tras otra, Martín Patino, irá desgranando en cada una de sus conclusiones epistolares, la miseria cultural, la falta de libertad, las trasnochadas costumbres, el conformismo, el poder doctrinal de la iglesia o la falta de una memoria real, sustituida por una mitificada historia medieval, en la que sustentar unos principios insostenibles.
La aparición de una nueva generación de jóvenes, que tienen acceso (aunque escaso y clandestino) a otra literatura, a ese otro cine, a más información, que viajan y que aspiran a salir y a sacar a su país del ostracismo caduco y dictatorial, nos abre una ligera esperanza de que, tarde o temprano, algo, o todo, habría de cambiar.
Nunca pasa nada
DIRECTOR: Bardem, J.A.
PAIS: España
AÑO: 1963
DURACION: 90 min
INTERPRETES: Algonso Goda, Jose Franco, Rafael Bardem
Siete años más tarde, los hermanos mayores de aquellos gamberros ociosos de “Calle Mayor”, se someten ahora en “Nunca pasa nada” a la implacable mirada de J.A.Bardem.
La acción vuelve a situarse en una pequeña población de provincias, podríamos decir de la España profunda, porque en realidad, toda España era profunda.
La pequeña y miserable burguesía allí acomodada, vigilante de la buena apariencia (solo apariencia, el resto no importaba) de los principios nacional-católicos, se verá convulsionada por la accidental llegada de una joven francesa, artista de variedades, que por una repentina enfermedad, deberá permanecer allí varias semanas.
El soplo de aire fresco llegado de más allá de la frontera, hará reaccionar a sus ciudadanos de diferente manera, ante la evidente perspectiva de otro tipo de vida fuera de las enclaustradas y encorsetadas normas del régimen.
El médico que la atiende, un cincuentón frustrado, se enamorará de una alegría, física y espiritual, que contrasta con su triste existir y sus clandestinas soluciones; la resignada esposa, también reivindicará su porción de libertad; el joven profesor, que encarna la nueva savia social, se verá tentado a huir hacia destinos más abiertos, mientras el anónimo conjunto popular, simbolizando la conducta política imperante, no cejará en sus murmuraciones y calumnias, hasta haberse deshecho de la joven intrusa.
Una escena final desoladora, nos habla a las claras de que, entonces, aquí “nunca pasaba nada”.
Ocho y medio
DIRECTOR: Fellini, Federico
PAIS: Italia
AÑO: 1963
DURACION: 140 min
INTERPRETES: Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale
Resulta evidente la evolución de Federico Fellini desde un cine de connotaciones sociales, heredero del más crudo neorrealismo, hacia propuestas más intimistas. Sin abandonar su crítica social, ya en su anterior “La dolce vita”, se podía intuir al propio director incluido en la vida licenciosa de sus protagonistas.
Pero el cine de Fellini se acabará debatiendo entre el crudo realismo, y un lirismo interior que con un lenguaje opuesto al anterior, se acercará al cine de autor, personal y complejo, tan en boga en la década de los sesenta, quizás como natural contrapunto al prosaico realismo crítico de posguerra.
Como primer ensayo en este sentido Fellini rueda “Ocho y medio”, una reflexión sobre la creación artística, vista desde la propia mirada del director. Así pues, mientras en otras obras podemos buscar en sus personajes referentes universales, bien históricos, sociales, sentimentales, “Ocho y medio” es cine (cine dentro del cine), y solo desde el punto de vista particular del autor.
Ya en las primeras escenas, en boca del personaje del productor, nos da la clave de lo que será el resto del film: una película sin guión, sin continuidad, sin personajes, ambigua y sobretodo personal.
La escueta trama retrata al propio director, en fechas previas al inicio de un rodaje. Recluido por supuestos motivos de salud en un balneario, nos trasmitirá de una forma original, la inseguridad, la ansiedad o el vacío, que invaden al autor de una obra al enfrentarse a su realización.
Por su confusa situación anímica pasarán desde los elementos más prosaicos, como productores, actores, técnicos, etc., hasta los oníricos recuerdos más remotos de su infancia, sin olvidar su pragmático presente, con un moribundo matrimonio o una amante de circunstancias.
El final de la presión, acabará resuelto en una antológica apología de la libertad de creación, fuera de todo contexto prefabricado por la industria, la crítica o el propio lenguaje cinematográfico.
La intromisión en sí mismo de Fellini, quizás tenga más importancia que para él personalmente, que para el espectador, un ejercicio de auto análisis, que no obstante representa un severo y valiente reportaje sobre la reflexión del artista ante su obra, dejando al descubierto honestamente sus miedos, sus influencias, y como no, sus soluciones.
Apoyado en una sintaxis difícil, excesivamente particular y presuntuosa, muy de moda entre los pretenciosos seguidores de cualquier “vanguardia cultural” elitista, acabará considerada como una película de culto, –incluso, según opiniones, la obra cumbre de Fellini–, sirviendo, eso sí, de referente frecuentemente a otros directores posteriores, para reflejan su mundo interior, enfrentados con una cámara de cine al proceso de creación.
Opera prima
DIRECTOR: Trueba, Fernando
PAIS: España
AÑO: 1980
DURACION: 90 min
INTERPRETES: Oscar Ladoire, Paula Molina, A. Resines
Primer film del director Fernando Trueba, quien junto a Fernando Colomo, principalmente, iniciarán una evolución del cine español en los ochenta. En este caso, hacia una nueva visión de la comedia.
Frente a posiciones más radicales en estos años, Trueba, opta en “Opera prima”, por un cine amable e irónico, para exponer una palpable renovación en la filosofía de los jóvenes. Una posición contrapuesta a la ideología seudo intelectual, heredada de los “hippies” de los sesenta, de los “progres” de los setenta, o de los necesarios, pero ahora ya aburridos, militantes anti-franquistas.
Recogiendo el legado de la comedia costumbrista de siempre, la inmediatez de la “nouvelle vague”, o el cinismo de la escuela de Billy Wilder, Trueba cuenta una pequeña historia de jóvenes, en la que se ríe del trascendentalismo que estaba de moda hasta aquel momento. Postura de la que no puede excluirse él mismo, dada su procedencia de la reflexiva y sesuda crítica cinematográfica.
La frescura del planteamiento, la fina pero arrasadora ironía y, sobretodo, la apertura de una puerta a nuevos aires, son el mayor atractivo de una “opera prima”, que constituirá el referente a todo un estilo; que será ampliamente superada por el propio director; y lamentablemente, por el inexorable paso del tiempo.
