Salo o los 120 dias de Sodoma
DIRECTOR: Pasolini, Pier Paolo
PAIS: Italia
AÑO: 1975
DURACION: 113 min
INTERPRETES: Paolo Bonacelli, Giorgio Cataldi, Aldo Vallotti
Después de suavizar su postura ética y estética con la “Trilogía de la vida”, de la cual terminará renegando, (El Decamerón, Los cuentos de Canterbury y Las mil y una noche), Pasolini rueda la que a la postre acabará siendo fatalmente su última película, “Saló, o los 120 días de Sodoma”.
Basada en la obra del marqués de Sade, el director italiano hace suyas las teorías del controvertido escritor y pensador, trasladando la acción a la Italia de la ocupación nazi. Concretamente a la localidad de Saló, último reducto de la ocupación, y donde el propio director sufrió la persecución del fascismo.
Siguiendo el trabajo original, el film se divide en cuatro partes que relatan las aberraciones más humillantes que sin duda han pasado por el cine. Del incesto a la necrofilia, pasando por la coprofagía, la urolagnia, el bestialismo, la paedofilia o la gerontofilia, sin olvidar un notable surtido de torturas y asesinatos, constituirán el placer de un grupo de cuatro notables, –que representan a los cuatro poderes fácticos–, a los que someterán a unos jóvenes capturados con la fuerza del poder totalitario.
Aquí los abusos del absolutismo prerrevolucionario del marqués de Sade, es sustituido por las dictaduras políticas del siglo veinte, con la misma excusa: el genocidio del pueblo en nombre de un demagógico desarrollo.
Pero más allá de la lectura política, en el film está presente en todo momento Pasolini, desde su magistral provocación, hasta las confusas y ambiguas teorías sobre las desviaciones del placer.
El ataque frontal a la pacata moral burguesa, en la que no hay cabida a las relajaciones descritas, choca con la realidad del ser humano, que las consuma cotidianamente, eso si, en la más profunda clandestinidad. Desde la sodomía, hasta la paedofilia, pasando por el culto a las “snuff movies”, son ocultadas cuidadosamente, o presentadas ocasionalmente como casos muy excepcionales.
Pasolini, que murió posiblemente victima directa o indirectamente de ellas, las escupe violentamente, como conductas inherentes a su condición, contra una burguesía acomodada enseñada a mirar hacia otro lado, y que su propia morbosidad los llevará frente a la pantalla para contemplarlas entre estupor y nauseas.
Sus guiños hacia tendencias sexuales poco aceptadas, ya apreciados en Porcile, Edipo, o más tibiamente en la adaptación de los clásicos en la Trilogía de la Vida, surgen aquí como un abrumador reproche hacia un sistema social hipócrita.
Pero sobretodo hacia sí mismo, en un ejercicio de autocrítica, donde se confunde desde el anarquismo hasta el fascismo, donde desaparece la tenue línea entre la libertad, sin el freno de la moral, la religión o las leyes, y el libertinaje, donde el camino del placer conduce a la insaciabilidad, o donde la dinámica de los horrores lleva inexorablemente a una espiral de nuevas atrocidades. Al final del camino, el Eros y el Tánatos volverán a reunirse, ahora, incluso en la persona del propio Pasolini.
Saraband
DIRECTOR: Bergman, Ingmar
PAIS: Escandinavia
AÑO: 2003
DURACION: 120 min
INTERPRETES: Liv Ullman, Erlan Josephson, Borje Alhsed
Veinte años después de su última aparición en la gran pantalla, dedicado a su irrenunciable teatro y a trabajos de televisión; luego de lo que él mismo pereció definir como testamento de su carrera cinematográfica y por qué no, personal, “Fanny y Alexander”, reaparece con “Saraband” para reafirmarse en sus fantasmas de siempre. Pero ahora instalado en la temida ancianidad y con una perspectiva muy cercana del definitivo final.
Johan, profesor universitario jubilado, recibirá inesperadamente la visita de su primera esposa después de treinta años de ausencia. A través de esta simbólica testigo y narradora de excepción (Liv Ullman), irá desgranando todos los traumáticos fantasmas que hemos visto a lo largo de su obra.
El elenco de personajes existencialistas se verá ampliado ahora por la edad, a varias generaciones, padres, hijos y nietos. Todos los pecados de soberbia, materialismo, incomunicación o soledad, se multiplicarán consecutivamente frente a la privilegiada testigo.
No nos cuenta pues Bergman nada nuevo, desde sus dudas místicas de “El séptimo sello” hasta los conflictos más terrenales de “Secretos de un matrimonio”, pasando por el terror a la vejez y la muerte de “Fresas salvajes”, pero ahora con esa temida realidad instalada en la persona del octogenario director. La perspectiva ya no es pues una hipótesis, es la realidad inmediata.
Además de constituir la anecdótica circunstancia de ser su último film, poco añade a su ya reiterativa obra. Perfectamente realizada dentro de su estilo minimalista, con una cuidadísima fotografía, sus características ambientaciones cerradas aunque no claustrofóbicas, o sus guiños en escenas puramente teatrales, podemos constatar que el cine de Bergman terminó con su operística confesión de su alter ego Alexander, dos décadas atrás.
Satiricon
DIRECTOR: Fellini, Federico
PAIS: Italia
AÑO: 1969
DURACION: 125 min
INTERPRETES: Marti Potter, Hiron Keller, Max Born
Dentro de su época, llamémosla, mas “surrealista”, superadas las formas heredadas del neorrealismo de posguerra, e incluyéndose en una fugaz moda de adaptar al cine a los clásicos del mundo griego y romano, moda que afectaría a no pocos autores contemporáneos suyos, Federico Fellini, traslada a la pantalla los restos que se conservan de la obra de Petronio, “Satiricon”.
El brillante, aunque difícil, filme de Fellini, recoge la corrosiva crítica al sistema imperialista romano, basado en la política dictatorial del mas fuerte, y sumido en todos los vicios y miserias a los que el exceso sin límite puede llegar.
La sorprendente y apropiada puesta en escena, nos traslada el sentimiento de repulsa hacia una sociedad en plena descomposición, que ha abandonado todos los valores humanos a cambio de las riquezas materiales, riquezas que se tornan nauseabundas desde una óptica mínimamente objetiva.
El paralelismo que se puede encontrar con la “La dolce vita”, película más directa y de ambientación contemporánea, nos recuerda la actualidad de la escala de valores representada en el filme, comparándola con la que rige la ética de las sociedades occidentales del siglo veinte.
Afortunadamente, esta denuncia no le supuso a Fellini las mismas consecuencias que a su precursor Petronio, obligado al suicidio, ante tanta insolencia.
Scarface
DIRECTOR: Hawks, Howard
PAIS: USA
AÑO: 1932
DURACION: 93 min
INTERPRETES: Paul Muni, Ann Dvorak, George Raft, Boris Karlof
En el periodo que siguió a la gran depresión del veintinueve, la política progresista del presidente Roosevelt, además de soluciones económicas, propició un movimiento autocrítico, a través de todos los ambientes culturales. Y no fue menos el cine, que abordó los temas más candentes, en un periodo, corto por desgracia, de gran permisividad expresiva.
Howard Hawks, se apunta a esta denuncia con uno de los títulos míticos del cine negro, “Scarface”, en el que, más que exponer, exige al gobierno, una decidida actuación contra las mafias que controlaban (y controlan) la actividad económica del país. En este caso, “Scarface” reproduce, conveniente y precavidamente disimulada, la biografía del ganster italoamericano Al Capone.
El film, transforma un género habitualmente de aventuras, en la culminación de un estilo. Estilo en el que predominará siempre una enfermiza codicia. En el que se denuncia la incultura y la ausencia de ética, en un país “ocupado” por una compleja amalgama de emigrantes, muchos de ellos sin raíces, cuya conducta la rigen sus necesidades o su ambición y su única moral proviene de sus caducas e inmovilistas tradiciones de origen. En el que el hermetismo de los grupos étnicos llega a trasfondos criminales. Y en el que la impotencia de la política, la policía o la justicia, queda en evidencia, ante la fuerza de las armas.
Tres cuartos de siglo después, ya no se trafica con alcohol, ni se dilucidan los monopolios con ametralladoras, pero la infraestructura y los principios del sistema, continúan pareciéndose demasiado.
Seccion Especial
DIRECTOR: Gavras, Costa 
PAIS: Francia
AÑO: 1974
DURACION: 110 min
INTERPRETES: Louis Seigner, Rland Bertin, Michel Londsdale, Ivo
Costa Gavras, excepcionalmente, abandona la denuncia política de acontecimientos actuales, para desplazarse hasta el París ocupado por el ejército nazi en la segunda guerra mundial.
El caso descrito en “Sección especial” no va encaminado tanto a la denuncia de dicha ocupación, como a la actitud cobarde y sumisa del gobierno de Vichy y sus órganos peleles. El film se apoya para denunciar la vergonzosa colaboración francesa, en el hecho histórico derivado de un atentado contra el ejército alemán, por parte de la resistencia.
Para contentar a las fuerzas de ocupación y evitar sus represalias, los propios franceses no dudarán en, tras una parodia de juicios sumarísimos, ejecutar a varios de sus propios compatriotas sin cargo alguno.
En resumen, otro film más, que denuncia abiertamente la vergonzosa actitud del país galo en la contienda mundial. Vergüenza, tratada durante años de maquillar con una supuesta “resistencia”, que en realidad resultó ser más testimonial que efectiva, más internacional que puramente francesa.
Una denuncia, demasiado suavizada con personajes inesperadamente modélicos, ¿quizás condicionada por la nacionalidad del autor?. Lejos, no obstante de la opinión más compleja y cruda expresada por Malle, Resnais o Truffaut… por ejemplo.
Secretos de un matrimonio
DIRECTOR: Bergman, Ingmar
PAIS: Escandinavia
AÑO: 1973
DURACION: 150 min
INTERPRETES: Liv Ullmann, Erlan Josephson, Bibi Anderson
A este “Secretos de un matrimonio”, quizás se le puede catalogar como uno de los más completos y complejos estudios del Ingman Bergman de su última etapa sobre las relaciones de los individuos, y concretamente sobre la pareja.
Con su peculiar estilo pausado y profundo, Bergman, disecciona la peculiar idiosincrasia de la institución matrimonial, dentro de un estatus acomodado, en este caso de un país como Suecia, prototipo de evolución socialdemócrata en la Europa occidental.
Desde la complaciente aceptación de los monótonos rituales y las fingidas convenciones sociales, hasta el descubrir de nuevas pasiones; desconocidas e inaceptadas en la representación del hogar tradicional.
Pasiones que devolverán la ilusión frente a la rutina, que harán vislumbrar un entusiasta y nuevo proyecto vital, pero que al final, tan solo servirán como espejo de la cambiante realidad emocional, Cierta, aunque nunca aceptada por la educación más decorosa.
Desde el paso por la disciplinada admisión del fracaso matrimonial, hasta llegar a la violencia física, el film nos hace un espléndido recorrido por la variable actitud sentimental del confuso y solitario individuo, acomodado en la cacareada “sociedad del bienestar”, (bienestar económico, nunca emocional), producto de una política básicamente preocupada por el aspecto material.
Para terminar, un reflexivo final, que cierra un círculo cargado de guiños al convencionalismo de la relación de pareja, concluye una de las obras más representativa dentro de la filmografía del director.
Secretos del corazón
DIRECTOR: Armendariz, Moncho
PAIS: España
AÑO: 1997
DURACION: 105 min
INTERPRETES: Andoni Erburu, Carmelo Gomez, Ch. Lopez
No cabe duda que los mejores resultados en el cine de Montxo Armendariz, vienen de su vertiente personal e intimista, ubicándose en su país natal e incidiendo directamente en vivencias claramente identificables.
Con “Secretos del corazón”, el director navarro, dentro de la dinámica descrita, alcanzó su mejor y más valorado trabajo, siendo incluso nominada al oscar como mejor película extranjera.
El argumento gira en torno a Javi, un niño que se estrena en la pubertad allá en los primeros años sesenta, y empieza a descubrir los secretos de la vida de sus mayores, sus “secretos del corazón”.
El film recorre el abrupto cambio de la inocencia infantil, a la dura realidad adulta, llena de mentiras, disimulos, silencios.
Procedente de un pueblecito de la montaña navarra, Javi y su hermano, se trasladan a la capital, junto con sus dos tías “solteronas”, para poder asistir a “un buen colegio de curas”. A esa edad entre los doce o trece años, el muchacho acabará perdiendo el miedo a cruzar el puente entre el sueño infantil y mundo de los adultos.
En medio de una sociedad inmersa en una represión absoluta, Javi asistirá al frustrante descubrimiento del sexo, al fracaso sentimental de sus tías, ambas por motivos opuestos, a la violencia familiar de los fracasados o la caprichosa tragedia oculta en su propia casa.
Todo ello amenizado con la educación religiosa, basada en la representación correcta de los adecuados cánones eclesiásticos.
La magnífica ambientación, una fotografía soberbia, unos actores secundaros esplendidos, y la poesía que emana la acertada visión de un niño que se incorpora a un mundo distinto al que hasta ese momento había vivido, hacen del film un trabajo clave en el cine de final de siglo.
Sed de mal
DIRECTOR: Welles, Orson
PAIS: USA
AÑO: 1958
DURACION: 105 min
INTERPRETES: Charlton Heston, O. Welles, Janet Leight, Marlene
Después de diez años alejado de Hollywood, Orson Welles regresará para filmar uno de sus mejores trabajos, “Sed de mal”, que constituirá una autentica revolución del cine negro, campo en el que había abundado en anteriores filmes.
Solamente la magnífica puesta en escena, creando ambientes con su acostumbrada iluminación, el portentoso dominio del plano-secuencia, el desarrollo de la acción en profundidad, o sus, a veces excesivas, enfatizadas ópticas, bastarían para considerar esta película como la culminación del género policiaco.
Pero lo que hace de “Sed de mal” una obra maestra, es el juego ambiguo, sobre los límites y la fuerza de la justicia, que desarrolla su historia.
La acción se desarrolla en la frontera mexicana, donde el viejo capitán de la policía americana (Orson Welles), acostumbra a tomar la justicia por su mano, buscando la condena a cualquier precio, de los que él entiende como culpables, incluso, aportando pruebas falsas si es necesario. Cualquier cosa, antes que la burocracia de la justicia y la habilidad de los abogados consigan una injusta absolución.
Evidentemente, este abuso de poder, tendrá su respuesta en un joven policía mexicano (Charton Heston), que descubrirá sus ilegales procedimientos. En su empeño por demostrarlo, poco a poco irá cayendo en los propios métodos de chantaje y extorsión, que estaba persiguiendo.
En una magistral secuencia final, Welles da la vuelta a la película, mostrando su escepticismo ante la separación del bien y el mal. El perverso capitán, caerá abatido victima de su sistema, ahora utilizado por el joven mexicano, representación cínica , de la evolución en el inminente cambio generacional.
Senderos de gloria
DIRECTOR: Kubrick, Stanley
PAIS: USA
AÑO: 1957
DURACION: 85 min
INTERPRETES: Kirk Douglas, A. Menjou, G. McReady, W. Morris
Una vez ya superada la triste y vergonzosa censura que supuso la “caza de brujas”, uno de los exponentes que revolucionarán en nuevo cine americano fue el neoyorquino Stanley Kubrik.
Sin separarse de la industria y mucho menos de sus inmensas posibilidades técnicas, demostró cómo se podían compatibilizar sus intereses con una reconocida dignidad artística, e incluso, pudiendo servir de vehículo para la exposición de encontradas ideas sociales o políticas.
Ya en uno de sus primeros filmes “Senderos de gloria”, considerada como su obra más directa y corrosiva, expone todo un alegato antimilitarista, basado en hechos rigurosamente históricos, acaecidos en el seno del ejercito francés durante la primera guerra mundial.
La descabellada filosofía con la que actuaron los mandos militares franceses (que puede hacerse extensiva a cualquier ejercito del mundo), hizo sacrificar, primero en una insensata acción militar, a decenas de hombres; y después, a la vista del fracaso, con el pretexto de amedrentar al resto de la tropa, hacer fusilar arbitrariamente a varios de los infelices soldados supervivientes, acusados de cobardía.
La denuncia de semejante brutalidad, no tardó en provocar la reacción del gobierno galo, que prohibió su exhibición en ese país, y elevó su protesta en los correspondientes foros diplomáticos.
No obstante, a pesar de una cierta falta de profundidad en los personajes del filme, que revelan quizás la inmadurez de su joven director, sirve de denuncia, sin ningún paliativo, a lo absurdo y lo irracional de los conflictos bélicos, a la recalcitrante ideología militar, a la manipulación política, a la farsa jurídica, …. Denuncias repetidas continuamente, tanto en el ámbito cinematográfico, como en cualquier otro medio de expresión. Y por cierto, inútilmente.
Ser o no ser
DIRECTOR: Lubitsch, Ernst
PAIS: USA
AÑO: 1942
DURACION: 92 min
INTERPRETES: Carole Lombard, Jack Bernang
Ya con los Estados Unidos implicados en la segunda guerra mundial, todo Hollywood quedará al servicio, bien de la propaganda civil, o bien enrolados directamente en el ejercito.
De esta situación trágica, los mensajes que habitualmente se transmitían a la población americana, a través del cine, eran siempre de tono épico, en películas de heroicas aventuras; o bien de tinte más complejo, empleando la estética del cine negro, donde ahora los gansters y policías se ven transformados en sofisticados espías.
No deja pues de sorprender, que se apostara aquí por la comedia para condenar el proceder del régimen nazi; y más aún cuando el director elegido es un exiliado alemán, como Ernst Lubitsch, supuestamente con el ánimo poco propicio a las bromas.
Aun así, “Ser o no ser”, resulta una película en la que Lubitsch consigue evitar la amargura del momento, y llenarla de la sutil ironía que caracterizó siempre su personal estilo; incluyendo, donde parecía imposible, su dosis de inteligente erotismo.
Es difícil evitar la comparación con otra genial obra sobre el mismo tema, “El gran dictador” de Charles Chaplin, en la que la implicación es totalmente directa (y en su momento arriesgada), y en la que la denuncia se convierte en un desesperado alegato, donde predomina la crispación y la ira.
Sin embargo, el director germano, aún con las implicaciones emocionales originadas por su nacionalidad; aún haciendo simple propaganda, y aunque, evidentemente, ésta sea de encargo, logra asombrarnos introduciendo su “toque Lubitsch” en semejante situación. Al mal tiempo, siempre, una elegante buena cara.
